Mit:
Joss Reinicke – Leitung
Ayano Shigematsu – Geige
Szymon Strusinski – Cello
Jeseok Jedol Kang – Flöte
Aimeric Van Iseghem – Possune
Henry Heizmann – Schlagzeug
Chaehwan Lim – E-Piano
Sizhe Shen – E-Gitarre
So-Jeong Yoo, Doyoon Yoon- Elektronik

Eintritt: PAY AFTER
Einlass ab 19.40, frei Platzwahl.

Lieder. Neue und alte Lieder. Von den Platten „s/t“, „album“, „musik“ und natürlich von der neuen LP, die am 21. März erscheinen wird (und passenderweise „Lieder“ getauft wurde). Acht Eimer Hühnerherzen machen sich wieder auf eine große Konzertreise, von Hamburg bis Bern und wieder zurück und dann nach Berlin. Mit vielen neuen Liedern.
"Nichts ist gut und alles könnte besser sein. Schlecht gelaunt und zuversichtlich, konzentriert und ablenkbar...wo das Album „Lieder“ nicht drängelt, da ist es am dringlichsten; wo es rumpelt, ist es geschmeidig; und wo es leise ist, da wird es laut."

Einlass 19:00 Uhr

Klangpoesie mit Druckluft und Durchzug: Die Akkordeonale ist eine Hommage an ein vielgeliebtes, aber auch oft noch unterschätztes Instrument. Hier zeigt sich das Akkordeon mit all seinem Charme, Temperament und Esprit. Der Niederländer Servais Haanen versammelt alljährlich Musiker*innen aus unterschiedlichsten Ländern zu einem überraschenden Ensemble-Mix quer durch sämtliche Stilarten. Dieses Jahr im Programm: Inselsounds aus dem wilden Sardinien, klassisch-zeitgenössische Kostbarkeiten, schottischer High-Speed-Folk, erfrischender Gesang zu Akkordeon aus allen Himmelsrichtungen sowie niederländischer Klangästhetik, Cello unkonventionell und eine Moderation mit Kultstatus. So unterschiedlich die Persönlichkeiten, kulturellen Hintergründe und Spielweisen auch sein mögen – die gemeinsame Sprache Musik schafft eine lebendige Verständigung, die sich nicht um Grenzen und Trennendes schert. Improvisationstalent, Spontaneität und der Spaß verbinden den musikalischen Reichtum der Musiker im Ensemble zu etwas ganz Neuem.

Mit: Helena Sousa Estevez (Spanien, Klassisch-zeitgenössische Kostbarkeiten); Andrew Waite (Schottland, High-Speed-Folk); Franziska Hatz (Österreich, Wilde steirische Frohnatur); Peppino Bande (Sardinien, Sardische Spezialitäten); Servais Haanen (Niederlande, Der Meister feiner Klänge);
Roberto Tangianu (Sardinien, Launeddas); Johanna Stein (Deutschland, Cello)

Die drei Schwestern aus Donegal, sind die Verkörperung von irischer Musik und Magie! Mit ihren harmonischen Stimmen, die von traditionellen Klängen bis zu modernem Irish Folk und Americana reichen, erobern sie die Bühnen weltweit. Ihre Auftritte sind eine musikalische Reise über die Ozeane hinweg - von den rauchigen Klippen Irlands bis zu den bluesigen Straßen von Memphis. Ihre Musik vereint Geschichte, Leidenschaft und eine Prise Nostalgie, die das Publikum in ihren Bann zieht. Erleben Sie die Henry Girls live - eine einzigartige dreistimmige Erfahrung, die Herzen berührt und Gänsehaut erzeugt! Tauchen Sie ein in die Welt dieser musikalischen Schwestern und lassen Sie sich von ihrer keltischen Seele verzaubern!

Karen McLaughlin: Fiddle, Vocals
Lorna McLaughlin: Vocals, Accordeon
Joleen McLaughlin: Harfe, Piano, Vocals

(www.thehenrygirls.com)

Einlass ab 19:00 Uhr

Zu Ehren des nahenden Wonnemonats stapeln wir die Stühle zur Seite, rollen die Diskokugel in den Saal und drehen den Bass auf. Der Klassiker ist wieder da – das Literaturhaus bittet zum Tanz!

Mit dem liebsten Rauschmittel der Dichter*innen arbeiten wir an der Abschaffung der Nacht, entzünden ein Maifeuer der Beats, drehen irrlichternde Pirouetten: Anmut bei hoher Umdrehungszahl. An den Plattentellern: der Trägerverein höchstselbst. Mitglieder des Literatur Forum Südwest und Freund*innen des Hauses legen auf. Im stündlichen Wechsel geht es querbeet durch den Stilgarten des Pop.
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Foto: © Manfred Werner

Datum: 30.4.2025, 21 Uhr
Ort: Ort: Literaturhaus Freiburg, Bertoldstraße 17
Eintritt: 5 Euro (nur Abendkasse)

Tanz in den Mai
Literaturhaus

Eintritt: 5 Euro (nur Abendkasse)

Wer jemals bei einem Konzert von Bernard Allison war oder seine Diskografie gut kennt, weiß, wie viel es ihm bedeutet, das musikalische Erbe seines Vaters am Leben zu erhalten. „Am Anfang meiner Karriere habe ich mir und meiner Mutter Fannie Mae Allison etwas versprochen, und zwar, dass auf jedem Album von mir mindestens ein oder zwei Stücke von meinem Vater zu hören sein werden“, erklärt er. Bernard hat sein Wort gehalten: Sowohl bei Konzerten als auch auf seinen Platten führt er bis heute treu die Songs seines Vaters auf. Dies tut er zumeist in einem funkigen, am Rock orientierten Stil, der sich klar von dem traditionellen Blues unterscheidet, mit dem er aufgewachsen ist. Als er noch dabei war, seine eigene musikalische Stimme zu finden, ermutigte ihn sein Vater dazu, „es so zu spielen, wie du es fühlst“, anstatt zu kopieren, was vor ihm war. Pünktlich zum 30-jährigen Jubiläum von Ruf Records und mehr als drei Jahrzehnte nach dem Debüt des Blues-Gitarrenmeisters Bernard Allison feiert Luther´s Blues ausgiebig die musikalische Hinterlassenschaft von Bernards Vater Luther Allison – einer wahren Legende des Chicago Blues und einer zentralen Figur in der Geschichte des Plattenlabels. Die Doppel-CD enthält 20 herausragende Aufnahmen von Bernard Allison, jede davon eine Komposition von Luther Allison, die zuvor auf einem von Bernards zahlreichen Alben erschienen ist. Allison selbst wählte die Tracks für diese Sammlung aus; Pauler Acoustics, eine renommierte Adresse in der Hi-Fi-Szene, hat sie liebevoll remastered.

Die 20 Luther Allison-Songs auf Luther´s Blues wurden also quasi von einem Vertreter der nächsten Bluesgeneration für das 21. Jahrhundert aufgerüstet. Sie sind nicht unbedingt Luthers berühmteste Stücke. Wenn er an einem neuen Album arbeitet, sagt Bernard, sucht er oft nach „Songs, die man damals bei meinem Vater übersehen hat. Ich gebe ihnen dann meine eigene Note“.
Die Trackliste der beiden CDs umspannt genau 30 Jahre, von „Hang On“ – aufgenommen in Paris im Sommer 1992, als Allison erst Mitte zwanzig war – bis zu den zwei Stücken vom letzten Studioalbum Highs & Lows, das 2022 Platz 1 der Billboard Blues Chart erreichte und bei den Blues Music Awards eine Nominierung als Blues-Rock-Album des Jahres ergatterte. Ebenso sind Neuversionen von vertrauten Luther Allison-Songs wie „Bad Love“, „Life Is A Bitch“ und „Let´s Try It Again“ zu hören. Bernard Allison hat einen großen Anteil daran, dass diese heute als Klassiker geltenden Songs in unserem kollektiven Bewusstsein geblieben sind. Das gilt auch und insbesondere für „Serious“, ein Ausnahmetitel, der erstmals 1987 auf einer Platte von Luther Allison erschien. Sein Sohn spielt ihn ausnahmslos bei jedem Konzert und hält ihn für den weltweit beliebtesten Song seines Vaters.
Dabei hat er nie aus den Augen verloren, wo er herkommt und ist zurück auf Tour!

Einlass 19 Uhr

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Phantasie und Fuge g- Moll BWV 542
(Ahreum Kim)

Berthold Hummel (1925-2002)
Aus Drei Marianische Fresken, Op. 42: Nr. 1
Salve Regina
(Risa Toho)

J.S. Bach
Concerto in d-Moll BWV 596
(Johannes Opfermann)

Berthold Hummel
Aus Drei Marianische Fresken, Op. 42: Nr. 2
Ave Maris stella
(Ahreum Kim)

J.S. Bach
Toccata und Fuge F- Dur BWV 540
(Risa Toho)

Berthold Hummel
Aus Drei Marianische Fresken, Op. 42: Nr. 3
Regina Caeli
(Johannes Opfermann)


Am 12. November 1969 schrieb der damalige Domorganist Prof. Dr. Carl Winter:

„Lieber Herr Hummel!

Heute komme ich mit einer Anfrage bezw. mit einer Bitte. (…) Wie Sie wissen feiert im nächsten Jahr Freiburg sein 850. jähriges Stadtjubiläum, das auch in kultureller Hinsicht durch musikalische Aufführungen bereichert werden soll. Der neue Domkapellmeister [Raimund Hug], der seit 1. Oktober die Arbeit von Herrn Stemmer übernommen hat, möchte im Oktober ein Geistliches Konzert geben mit Kompositionen, die den marianischen Gedanken zum Inhalt haben. Das Programm möchte er mit grösstenteils modernen Kompositionen durchführen und Künstler heranziehen, die für Freiburg in persönlicher oder geschichtlicher Hinsicht eine Verbindung aufweisen. (…) Nun möchte ich Sie fragen, ob Sie zu diesem Konzert ein Orgelwerk (Art Tryptichon) zu schreiben bereit wären mit marianischen Themen: evtl. Salve Regina – Regina Coeli – Ave Maris stella ca. 10-12 Minuten, das den Ausklang des Konzertes bilden soll. (…) Sie kennen ja die Münsterorgel-Anlage mit ihren vielen Möglichkeiten. Ich würde mich freuen, wenn Sie bereit wären, dem Freiburger Münster und seiner Orgel dieses Werk zu komponieren. (…)“

Die Münsterorgel kannte der in Hüfingen geborene Berthold Hummel (1925-2002) gewiss. Als seine Familie nach Merzhausen bei Freiburg zog, war er gerade sieben Jahre alt. Dem musikalisch begabten Jungen eröffnete sich hier eine ganz neue Welt und er studierte später an der Musikhochschule Freiburg Komposition und Violoncello. Zum Zeitpunkt dieses Kompositionsauftrages war er bereits seit sechs Jahren Kompositionslehrer und Leiter des Studios für Neue Musik an der Hochschule für Musik in Würzburg. Drei Jahre nach der Uraufführung der Dr. Carl Winter gewidmeten Drei Marianischen Fresken op. 42 am 20. Dezember 1970 wurde er ebenda zum Professor ernannt. Tatsächlich hielt Hummel sich ziemlich genau an die Vorgaben, auch wenn er die Reihenfolge der marianischen Themen leicht veränderte und die Aufführungsdauer eher bei 19 Minuten liegt. Er verarbeitet die drei gregorianischen Gesänge mit einer modernen, dabei zugänglichen, musikalischen Tonsprache, die sowohl expressive als auch meditative Elemente enthält. Jeder Satz erhält seinem Thema entsprechende Charakteristik und nutzt die klanglichen Möglichkeiten der Orgel auf vielfältige Weise, wie Hans Musch bei der Uraufführung an der Münsterorgel zeigen durfte.

Im Fränkischen Volksblatt hieß es am 11. 01. 1971 dazu: „(…) Dozent Dr. Hans Musch kreierte im Wechselspiel an den vier Freiburger Münster-Orgeln (freilich vom zentralen Spieltisch aus) Hummels "Marianische Fresken" - Salve Regina, Ave maris stella, Regina coeli. Nachdem ein Satz bereits früher vorgestellt war, kam jetzt in der zyklischen Bezogenheit und Kontrastierung die Kompositionsabsicht voll zur Geltung. Bertold Hummel bindet gestenreich-konzertante Sprache, oft dialogisierend, in ein streng gegliedertes Formenspiel; Proportionen und variative Wiederholungen erleichtern auch dem moderner Musik gegenüber befangenen Auditorium den Zugang - ein nicht hoch genug zu veranschlagendes Moment im Schaffen eines Zeitgenossen. Zudem weiß er die Mittel des Instrumentes gezielt auszuwählen und die Lineaturen immer wieder ganz persönlich einzufärben. Als erster Eindruck stark von "französischer" Impression, gewiß unmittelbar von dem Pariser Staatspreis-Jahr beeinflußt. Zudem die einzigartigen Möglichkeiten der in der Freiburger Kathedrale sozusagen "stereophonisch" von vier Plätzen her erklingenden Orgeln nützend. Der Komponist und sein versierter Interpret Hans Musch dürften für die Premiere eine maximale Registriereinrichtung ausgetüftelt haben.

Die 2001 in Seoul, Südkorea, geborene Organistin Ahreum Kim erhielt ihre musikalische Ausbildung bei Byungseok Moon, Jakyung Oh und Joonho Park. Nach dem Orgelstudium an der Seoul Arts High School und der Korea National University of Arts nahm sie am 22. The New Artist Organ Debut Concert teil und gewann zweimal den 3. Preis beim Kookminilbo-Youngsanarthall Orgelwettbewerb. Meisterkurse bei renommierten Organisten wie Michel Bouvard und das Spiel auf historischen Orgeln (Stellwagen, Ladegast, Cavaillé-Coll) ergänzten ihre Ausbildung. Neben Orgel beschäftigte sie sich mit Alter Musik (Generalbass, Improvisation, Blockflöte, Cembalo). Seit Oktober 2024 studiert sie Orgel im Master bei Prof. Matthias Maierhofer an der Hochschule für Musik in Freiburg.

Risa Toho studierte Orgel an der Tokyo University of the Arts bei Prof. Rie Hiroe und erhielt dort mehrere Auszeichnungen für ihre musikalischen Leistungen. Nach dem Bachelor war sie Praktikums-Organistin an der Yokohama Minatomirai Hall in Japan und wirkte als Solistin bei der Aufführung der Symphonie Concertante von Joseph Jongen mit dem Geidai Philharmonia Orchester Tokyo mit. Ihr Masterstudium Orgel in Freiburg bei Prof. Matthias Maierhofer schloss sie mit Auszeichnung und DAAD-Stipendium ab. 2022 erhielt sie ein Stipendium der Meiji Yasuda Cultural Foundation und gewann Preise bei den Orgelwettbewerben "Maria Hofer" (2. Preis, 2022), Felix Mendelssohn Bartholdy (3. Preis, 2023) und Musashino Tokyo (2. Preis & Publikumspreis, 2023). 2024 wurde sie mit dem "Hermann Schroeder Sonderpreis" ausgezeichnet und in die Rohm Music Foundation aufgenommen. Derzeit studiert sie in der Meisterklasse Orgel in Freiburg und ist Erasmus Studentin in Salzburg bei Prof. Hannfried Lucke.
Johannes Opfermann begann seine musikalische Hochschulausbildung mit dem Bachelorstudium der Chorleitung (Prof. Morten Schuldt-Jensen) und der Evangelischen Kirchenmusik (Prof. David Franke). Derzeit setzt er seine Studien an der Musikhochschule Freiburg mit dem Master Orgel (Prof. Matthias Maierhofer, Prof. Ludger Lohmann, Prof. David Franke) sowie dem Bachelor Schulmusik mit Hauptfach Jazzklavier (Prof. Ralf Schmid) fort. Als Organist trat er bereits in bedeutenden Domen auf und gewann den 2. Internationalen Orgelwettbewerb „Augustinus Franz Kropfreiter“ in St. Florian (Österreich). Seit 2021 assistiert er dem Chordirektor am Theater Freiburg und verantwortete 2024 die Choreinstudierung für die Oper „PRISM“. Er ist Sänger im Bundesjugendchor, Mitinitiator des „ArcoIris Kammermusik-Kollektiv e.V.“ (Stipendiat der Yehudi-Menuhin-Stiftung Live Music Now) und wird von der Studienstiftung des deutschen Volkes gefördert.

Sie ist erst 25 Jahre jung und bereits schmücken vier veröffentlichte Alben sowie ein Opus Klassik Award ihr Palmarès. Egal, welcher Musikrichtung man sich verschreibt: Das ist eine beachtliche Leistung. Die französische Trompeterin Lucienne Renaudin Vary zählt zurzeit zu den Rising Stars der Klassikszene. Doch auch als Jazztrompeterin ist sie gefragt. Seit Beginn ihres Studiums verfolgt sie aktiv und erfolgreich beide Musikgenres, gründete beispielsweise ihr eigenes Jazzquartett und spielt gleichzeitig Klassik-Konzerte mit weltbekannten Klangkörpern, wie etwa dem Philharmonia Orchestra aus London oder dem Zürcher Kammerorchester.

In Lörrach zeigt sie die ganze Bandbreite ihrer Vielseitigkeit. In ihrem Rezital präsentiert sie gemeinsam mit dem Pianisten Tim Allhoff, der sich ebenfalls auf den Grenzen zwischen Klassik und Jazz bewegt, bereits diverse Alben veröffentlicht hat und sich ECHO-Preisträger nennen darf, Perlen aus beiden Genres, von Johann Sebastian Bach bis Elvis Costello.

Programm: M. De Falla, Auswahl aus Siete Canciones populares españolas / J. Francaix, Sonatine für Trompete und Klavier / F. Mompou, Damunt de tu nomes les flores / J. S. Bach, Präludium C-Dur, BWV 553 / G. Fauré, Après un rêve / F. Kreisler, Marche miniature viennoise / J. Van Heusen, I thought about you / G. Gershwin, I loves you Porgy / S. Gainsbourg, L’eau à la bouche / E. Lobo, Pra dizer adeus / J. Heath, C.T.A / E. Costello, Almost blue / L. Y. Brown, We’ve g

Carrousel ist zurück auf der Bühne mit Éclaircies, einem neuen, strahlenden und mitreißenden Album. Das Duo erkundet weiterhin mit Poesie einen Pop-Folk à la française, durch melodiöse Texte und rhythmische Refrains. Jedes Konzert ist wie eine Auszeit, in der man starke Emotionen in einer herzlichen Atmosphäre feiert und teilt. Carrousel nimmt uns mit seiner ansteckenden Energie mit, zwischen Hoffnung und Sehnsucht, wie ein Lichtblick nach dem Regen.

Einlass 19 Uhr

Die SWR1 Disco kommt zurück nach Rheinfelden (Baden)!

Mal wieder Lust auf Tanzen, Party und mega gute Musik?
Feiert mit uns auf der nächsten SWR1 Disco im Bürgersaal in Rheinfelden (Baden)! Discoklassiker, Kulthits, Rock und Pop – die SWR1 DJs haben alles dabei, was Tanz- und Feierlaune bringt und sie legen die Musik genauso auf, wie man es aus dem Radio kennt und liebt. Mit exzellentem Sound aus fünf Jahrzehnten Musikgeschichte ist garantiert, dass für jeden Geschmack etwas dabei ist.

Einlass ab 18 Jahren.

Es gelten die Allgemeinen Geschäftsbedingungen des Veranstalters.
Bild- und Tonaufnahmen sind nicht gestattet. Rückgabe und Umtausch sind ausgeschlossen. Der Besuch der Veranstaltung erfolgt auf eigene Gefahr. Programmänderungen vorbehalten. Das Mitbringen von Speisen und Getränken ist nicht gestattet. Bei dieser Veranstaltung werden Lichtblitze (z.B. Stroboskope) eingesetzt. Es können Lautstärken von mehr als 95dB auftreten. Sie erhalten auf Wunsch vor Ort kostenfrei Gehörschutz. Das Mitführen von Waffen, waffenähnlichen Gegenständen (insbesondere Sprengstoffen, Feuerwaffen, Messer, Reizgas-Sprays, etc.) oder Gegenständen, die die Sicherheit der anderen Gäste, der Räumlichkeiten oder des Personals bedrohen können, ist strengstens verboten. Gefährliche Gegenstände werden bei Entdecken an der Eintrittskasse oder im Veranstaltungsraum in jedem Falle konfisziert; hierzu hat das Sicherheitspersonal das Recht auf Durchsuchung, um die Gefährdung anderer Gäste auszuschließen. Der Verkauf, bzw. das Mitführen von Substanzen, die gegen das Betäubungsmittelgesetz verstoßen, ist in und vor der SWRl DISCO strengstens verboten. Personen, die versuchen den reibungslosen und friedlichen Ablauf der Abendveranstaltungen zu stören oder andere Besucher und das Personal belästigen, bzw. tätlich angreifen müssen mit einer Anzeige wegen Hausfriedensbruchs beziehungsweise wegen Körperverletzung rechnen.

Einlass 1 Stunde vor Beginn

SOPHIE ZELMANI - Live 2025
Nach Veröffentlichung ihres neuen Studioalbums im Frühjahr 2025, wird die schwedische Singer-Songwriterin Sophie Zelmani zusammen mit ihrer langjährigen Band wieder auf Deutschlandtournee gehen.

Sophie Zelmani bewegt sich im selben musikalischen zeitlosen Raum wie Leonard Cohen und Bob Dylan. Als Künstlerin hat sie ihren unverwechselbaren Ausdruck über mehr als 25 Jahre hinweg verfeinert.
Die Intimität und ihre unverwechselbare Stimme sind unverkennbar.
Die Popularität von Sophie Zelmani mutet im Zeitalter der Dauer- Selbstdarstellung beinahe wie ein Anachronismus an: Obwohl die Direktheit ihrer Songs jede Grenze zwischen ihr und
dem Publikum aufzuheben scheint, weiß man außerhalb der Musik wenig über die Privatperson Sophie Zelmani. Das wiederum ist nichts Neues, denn bereits seit sie 1995 mit ihrer Debütsingle ›Always You‹ in ihrer Heimat quasi über Nacht berühmt wurde, gelang es ihr, sich aus dem Scheinwerferlicht weitestgehend herauszuhalten und für einen Popstar ein von der Öffentlichkeit unbehelligtes Privatleben weiter führen zu können.
Dennoch tat das ihrer Karriere keinerlei Abbruch: die meisten ihrer Alben schafften es in die schwedischen Top Five. Im Herbst 2024 wird die Grande Dame der schwedischen Folkmusik zudem in der heimischen TV Version von Sing meinen Song ›Så mycket bättre‹ zu sehen sein.
Niemand versteht es besser, die facettenreichen Seiten der Liebe und des Lebens in gefühlvollen und tiefgehenden Songs zu beleuchten als Sophie Zelmani.

Einlass 19:00 Uhr

Das Vertigo Trombone Quartet vereinigt vier der kreativsten Posaunisten der deutschen und schweizerischen Szene: Nils Wogram, Andreas Tschopp, Bernhard Bamert und Jan Schreiner. Musikalisch auf höchstem Niveau spielend, räumt das Ensemble mit dem Klischee der Schwerfälligkeit der Posaune auf.
Es gleicht eher einem leichtfüßigen Streichquartett das alle Besonderheiten dieses vielseitigen Blechblasinstrumentes mit einfließen lässt. Zeitgenössische Melodiebildung, rhythmische Präzision und die Tiefe des Blues oder einer brucknerartigen Motette werden zu einem organischen Hörerlebnis verschmolzen.
Im September 2024 erscheint nun bereits das dritte Album des Vertigo Trombone Quartet mit dem Titel „Openness“ (nWog records). Die vier Posaunisten treten dabei nicht nur als ausführende Musiker mit all ihrer technischen Brillanz in Aktion, sondern übernehmen auch gemeinsam Verantwortung für die Kompositionen. Die individuellen Handschriften bleiben erkennbar und sorgen für unterhaltsame Abwechslung im Programm. Um es mit den für ein Posaunenquartett im doppelten Sinne treffenden Worten von Nils Wogram zu sagen: „Alle kommen mit ihrer Stimme zum Zuge.“
Als Thema und Inspiration für „Openness“ hat sich das Quartett das menschliche Zusammenleben und gesellschaftliche Modelle vorgenommen. Dies wird in einem Mix aus Komposition und Improvisation erforscht und in der musikalischen Interaktion umgesetzt.
Für die Aufnahmen hat sich Vertigo einen Ballsaal aus den Fünfziger Jahren in Bremen ausgesucht. Im sogenannten Studio Nord hat die Band fünf Tage lange gelebt, geprobt und aufgenommen.

Einlass 19 Uhr

Seine Songs hat jeder im Ohr: Since You Been Gone´ (Rainbow), ´God Gave Rock´n´Roll To You´ (Argent und Kiss), ´So Yo Win Again´ (Hot Chocolate), ´New York Groove´ (Hello und Ace Frehley), ´You Can Do Magic´ (America), ´Winning´ (Santana) oder auch ´I Don´t Believe In Miracles´ (Colin Blunstone) sind nur einige Hits aus RUSS BALLARDS Feder.

Erste Bekanntheit erlangte er als Sänger und Gitarrist bei ´The Roulettes´, die in den 60er Jahren Adam Faith´s Band waren. Nach einem Zwischenstopp bei ´Unit 4+2´ wurde er Anfang der 70er Jahre Leadsänger bei ´Argent´. 1974 startete er seine Solokarriere mit dem Release seines ersten Albums, schlicht ´Russ Ballard´ betitelt.

Seitdem veröffentlichte RUSS BALLARD 10 Studioalben und schreibt und produziert noch immer Hits. 3 Songs seiner 1984 und 1985 veröffentlichten Alben wurden in der weltweit bekannten TV-Serie ´Miami Vice´ genutzt und zu der Zeit in Europas Clubs rauf und runter gespielt. Man hörte quasi überall …Voices!

Nachdem es volle 14 Jahre dauerte, bis mit ‚It’s Good To Be Here‘ der Nachfolger zum sehr persönlichen Album ‚Book Of Love‘ erschien, hat RUSS BALLARD seitdem innerhalb von nur 4 Jahren 3 Tourneen gespielt und dazu noch sein neues Meisterwerk ‚Songs From The Warehouse‘ eingespielt, das 2025 zusammen mit dem Best-Of Album ‚The Hits - Rewired‘ erscheint.

Einlass 19:00 Uhr

Singer-Songwriter-Pianist Michael Kaeshammer ist mit seiner naturgewaltigen Live- Performance und dem neuen Album „Turn It Up“ auf dem Sprung, von Vancouver Island in British Columbia nach Jahrzehnten großer Erfolge rund um den Globus die alte Heimat zu erobern. Das ist Deutschland, in dessen Südwestecke er als Teenager-Wunderkind auf dem Piano schon als 16-Jähriger sein Publikum staunen machte und mitriss. Zahllose Konzerttouren kreuz und quer über den amerikanischen Kontinent, andere Kontinente und sogar regelmäßig durch China, formten den frühvollkommenen Pianisten zum stilistischen Universalisten, Komponisten und Vokalartisten.

Zu hören ist das auf seinem neuen Album „Turn It Up“, das im Februar 2023 erscheinen wird. Michael kümmert sich darin weniger denn je um Stilistik. Er ist das Medium. Musik fließt durch seine Hände ins Piano, durch seine verführerische Stimme ins Mikro und inspiriert seine Mitmusiker. Das sind Matt Chamberlain (Drums), der schon mit John Mayer, Bob Dylan oder Elton John gespielt hat, David Piltch, der unter anderem Solomon Burke, Bonnie Raitt oder kd Lang mit seinem Bass unterstützt hat sowie Michaels Toronto Horn- Section. Highlights neben dem Titeltrack sind u.a. der Pop-Jazz-Crossover Song „Never Knew What Love Was”, der mitreißende Rocker „Sweepin’ The Floor”, die emotionale Ballade „One More Time” sowie eine überraschend frische Version des Queen-Klassikers „Crazy Little Thing Called Love”.

„Wenn ich spiele“, sagt Michael, „reagiere ich auf das, was ich höre und lass dann die Musik entscheiden, wo die Reise hingehen soll.” Letztlich, sagt er, sind es die zwölf Noten, auf denen alles basiert. Es ist unmöglich sich der Energie, die entsteht mit Michael im Zentrum seiner Musik, zu entziehen. Das kommt mit Wucht. Die Zeit der Pandemie hat er genutzt, um in seinem Haus am Rande des kanadischen Regenwalds sich darauf zu konzentrieren, mit seiner großartigen Band sein vielleicht aufregendstes und tightestes Album einzuspielen. Here comes the British-Columbian Invasion. Turn It Up!

Einlass 19 Uhr

Hier keine Tickets verfügbar

Rollstuhl-Plätze leider ausverkauft.

forum jazz e. V. (Merzhausen) & Renate und Waltraut Sick Stiftung (Freiburg) präsentieren:
Jan Garbarek Group feat. Trilok Gurtu

Dauer: 110 Minuten - ohne Pause

Seit nunmehr sechzig Jahren hat der Norweger Jan Garbarek an seinem Saxophonton gearbeitet, hat ihn geschärft, wie ein japanischer Schmied in hingebungsvoller Intensität das Samuraischwert zum Unikat werden lässt. Ein langer Konzentrations-, Eliminierungs- und Verdichtungsprozess, bis er jene triumphale Unfraglichkeit erreicht hat. Die meditative Suggestivkraft dieses weltweit einzigartigen Saxophonisten, der als Instrumentalist eine Popularität erreicht hat, die sonst nur Vokalisten vorbehalten bleibt, ist das Ergebnis seines Bemühens, das Schwierige einfach erscheinen zu lassen.

Zu verstehen ist der Triumph des Einfachen allerdings nur, wenn wir den Weg dorthin bedenken. Der Hinter- und Untergrund seines hymnischen Pathos ist der Jazz der sechziger Jahre mit seinen wilden und freien Improvisationen sowie die Volks- und Kunstmusik zahlloser Kulturen, wobei er die „exotischste“ Variante in der Folklore seiner Heimat Norwegen fand. Garbareks musikalische Quellen sind so vielfältig wie seine Kollaborationen, wobei besonders die mit Keith Jarrett oder das „Officium“ - Projekt zusammen mit dem britischen Hilliard Ensemble schon als legendär bezeichnet werden können. Seit Bestehen des Münchner ECM Labels gehört der Norweger zu dessen wichtigsten Musikern.

In Garbareks Saxophonton ist seine Persönlichkeit so konzentriert, dass sie sich, wie sonst nur bei ganz wenigen anderen Musikern, beim ersten Ton offenbart, einzigartig und unvergesslich.

(Textabdruck mit freundlicher Genehmigung der Bremme & Hohensee Konzertagentur Heidelberg)

Einlass 19 Uhr im Foyer; Parkplätze auch bei BürgerBad, Friedhofweg 13

Hier keine Tickets verfügbar

Sensationeller Spürsinn – Im Freiburger Konzertkalender ist das Kammerorchester Basel inzwischen ein Garant für Konzerterlebnisse der Extraklasse: Seit 2013 ist das Orchester regelmäßig bei Albert zu Gast und verbindet den Spürsinn für herausragende Spielpartner mit dem Geschick für kluge Programmkonstellationen. Dabei wäre der mitreißende Ensembleklang schon als solcher ein unschlagbares Argument: Erkennbar addieren sich hier Künstlerpersönlichkeiten zu mehr als der Summe ihrer Instrumente, und der Münchner Merkur beschrieb es unlängst als „Sensation“, wie sich „jeder mit Enthusiasmus ins Spiel wirft, als hinge sein Leben davon ab“.

Beim diesjährigen Gastspiel der Basler Nachbarn rahmen Sibelius‘ Andante festivo und die sonnenverwöhnte 3. Symphonie von Johannes Brahms den Abend. Zu den ersten Bewunderern dieser Komposition zählte Clara Schumann: „Welch ein Werk, welche ­Poesie, die harmonischste Stimmung durch das Ganze, alle Sätze wie aus einem Gusse, ein Herzschlag, jeder Satz ein Juwel!“

Als Solistin kann man sich auf das Albert-Debüt von Yulianna Avdeeva freuen, international bekannt nicht zuletzt durch ihren Sieg beim Warschauer Chopin-Wettbewerb 2010, als erste Frau seit Martha Argerich im Jahr 1965. Bei der „Künstlerin, die das Klavier wirklich singen lassen kann“ (Gramophone), liegt Beethovens 3. Klavierkonzert in klugen, kundigen Händen. Obwohl Skizzen zu diesem Werk bis 1796 zurückreichen, bestand bei der Premiere 1803 in den eiligst vervollständigten Noten der Klavierpart noch aus „unverständlichen Hieroglyphen“, die einzig der spielende Komponist zu deuten vermochte. Die Zuhörenden erlebten damals das Novum eines Klavierkonzertes von symphonischem Zuschnitt – mit einem unergründlich sanften zweiten Satz, der das Pianoforte ganz neu empfinden ließ, und in einem Finale, das geradezu naive Schlichtheit mit verschachtelter Fugenkunst vereinte.

Programm:
Sibelius, Andante festivo
Beethoven, Klavierkonzert Nr. 3 c-Moll op. 37
Brahms, Symphonie Nr. 3 F-Dur op. 90

Yulianna Avdeeva, Klavier
Marc Minkowski, Dirigent
Kammerorchester Basel

Mit freundlicher Unterstützung der Freunde und Förderer der Albert Konzerte e.V.

EUR 89,- / 79,- / 69,- / 54,- / 45,- inkl. Gebühren

Yulianna Avdeeva | Foto © Christine Schneider

Einlass 18:45 Uhr

Erleben Sie die meistgebuchte Dire Straits-Tribute-Band Europas live & open air in unserem Innenhof!


Im Vordergrund steht der Sound, der um die Welt ging, mit einer Gitarre die keiner von uns je vergessen wird. Wolfgang Uhlich wird dabei von vielen fachkundigen Fans im In- und Ausland als bester Mark Knopfler Gitarren-Imitator angesehen.


Die Band hat sich mit über 800 Konzerten fest in der deutschen Musiklandschaft etabliert und wurde bei dem bundesweiten Tribute-Contests in Koblenz als beste der 100 teilnehmenden Tributebands ausgezeichnet. Durch enorme Wandlungsfähigkeit wird ein Live-Programm für alte Kenner und neue Fans geschaffen.

ab 18 Uhr

Mariybu veröffentlicht am 14. Februar 2025 ihr Album "ein tag göttin", das die Atmosphäre der pulsierenden Berliner Nächte einfängt. Es handelt von Eskapismus & Ekstase, Queerness und dem Aufbrechen von patriarchalen Strukturen. Musikalisch bewegt es sich im Bereich des technoiden Hyperpop mit Rave-Pop Elementen. Ab April 2025 ist Mariybu mit ihrem Album auf Tour.

Einlass 19:00 Uhr

Rollstuhl-Plätze leider ausverkauft.

forum jazz e. V. (Merzhausen) & Renate und Waltraut Sick Stiftung (Freiburg) präsentieren:
Jan Garbarek Group feat. Trilok Gurtu

Dauer: 110 Minuten - ohne Pause

Seit nunmehr sechzig Jahren hat der Norweger Jan Garbarek an seinem Saxophonton gearbeitet, hat ihn geschärft, wie ein japanischer Schmied in hingebungsvoller Intensität das Samuraischwert zum Unikat werden lässt. Ein langer Konzentrations-, Eliminierungs- und Verdichtungsprozess, bis er jene triumphale Unfraglichkeit erreicht hat. Die meditative Suggestivkraft dieses weltweit einzigartigen Saxophonisten, der als Instrumentalist eine Popularität erreicht hat, die sonst nur Vokalisten vorbehalten bleibt, ist das Ergebnis seines Bemühens, das Schwierige einfach erscheinen zu lassen.

Zu verstehen ist der Triumph des Einfachen allerdings nur, wenn wir den Weg dorthin bedenken. Der Hinter- und Untergrund seines hymnischen Pathos ist der Jazz der sechziger Jahre mit seinen wilden und freien Improvisationen sowie die Volks- und Kunstmusik zahlloser Kulturen, wobei er die „exotischste“ Variante in der Folklore seiner Heimat Norwegen fand. Garbareks musikalische Quellen sind so vielfältig wie seine Kollaborationen, wobei besonders die mit Keith Jarrett oder das „Officium“ - Projekt zusammen mit dem britischen Hilliard Ensemble schon als legendär bezeichnet werden können. Seit Bestehen des Münchner ECM Labels gehört der Norweger zu dessen wichtigsten Musikern.

In Garbareks Saxophonton ist seine Persönlichkeit so konzentriert, dass sie sich, wie sonst nur bei ganz wenigen anderen Musikern, beim ersten Ton offenbart, einzigartig und unvergesslich.

(Textabdruck mit freundlicher Genehmigung der Bremme & Hohensee Konzertagentur Heidelberg)

Einlass 19 Uhr im Foyer; Parkplätze auch bei BürgerBad, Friedhofweg 13

Hier keine Tickets verfügbar