Zwei herausragende Ensembles erforschen die Tiefe und Weiterentwicklung arabischer und levantinischer Musiktraditionen:

Rima Khcheich Trio
Die libanesische Sängerin Rima Khcheich zählt zu den prägendsten Stimmen der zeitgenössischen arabischen Musik. Ihre künstlerische Laufbahn ist geprägt von einer langjährigen Auseinandersetzung mit klassischem arabischem Gesang und experimentellen musikalischen Kooperationen. Schon früh begann sie mit Auftritten und entwickelte eine tiefe Meisterschaft in klassischen Gesangsformen, bevor sie ihre Arbeit durch internationale Zusammenarbeit erweiterte. Ihre Musik bleibt im Tarab verwurzelt und öffnet sich zugleich für Improvisation und interkulturellen Dialog. Ihr Trio präsentiert Werke aus ihrem Repertoire, darunter Neuinterpretationen klassischer arabischer Lieder sowie zeitgenössische Kompositionen.

Rima Khcheich — Gesang
Maarten Ornstein — Klarinette
Tony Overwater — Bass

Levant Echo Trio
Das Levant Echo Trio präsentiert ein zeitgenössisches Musikprojekt, das auf dem klanglichen Gedächtnis der Levante basiert und dieses durch einen künstlerischen Ansatz zwischen Tradition und Innovation neu interpretiert. Die Musik des Trios ist in der Welt der östlichen Maqams und Rhythmen verwurzelt, in der traditionelle Melodien auf weite Räume für Improvisation und Experiment treffen. Durch das dynamische Zusammenspiel von melodischen Linien und rhythmischen Strukturen entsteht eine lebendige Klanglandschaft, in der sich musikalische Ebenen kontinuierlich entfalten. Das Levant Echo Trio bietet ein intimes Hörerlebnis, das die Ausdruckstiefe östlicher Musik mit dem Geist zeitgenössischer musikalischer Forschung verbindet.

Cham Saloum — Oud / Komposition
Roshanak Rafani — Perkussion
Elias Abboud — Perkussion, Komposition

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Das 6-tägige Festival Creative Music Lab III – Women in Oriental Music ist den kreativen Stimmen von Frauen in den musikalischen Traditionen des Nahen Ostens und des Mittelmeerraums gewidmet. Sängerinnen, Komponistinnen und Instrumentalistinnen loten an sechs Tagen im Mai das Verhältnis von musikalischer Tradition und zeitgenössischem künstlerischem Ausdruck aus.

Weitere Informationen unter:
https://theater-im-delphi.de/programm/?prod=494
https://barzakh.org/

Einlass: 18:30 Uhr

Die palästinensische Sängerin, Komponistin und Oud-Spielerin Kamilya Jubran gilt als eine der einflussreichsten Stimmen der zeitgenössischen experimentellen arabischen Musik. Ihre Arbeit erforscht die Beziehung zwischen Poesie, Stimme und Klang. Durch die Zusammenarbeit mit Musiker:innen aus unterschiedlichen künstlerischen Kontexten hat sie eine eigenständige musikalische Sprache entwickelt, die arabische Traditionen mit elektronischem Klang, Improvisation und experimenteller Komposition verbindet. Gemeinsam mit dem Schweizer Trompeter und Elektronikmusiker Werner Hasler entstehen vielschichtige Klanglandschaften, in denen Stimme, Text, Trompete und Elektronik auf subtile und ausdrucksstarke Weise miteinander interagieren. Die Performance bietet ein intimes Hörerlebnis und eröffnet einen poetischen und emotionalen Raum musikalischen Dialogs. Ein fein abgestimmtes und immersives Konzert an der Schnittstelle von Poesie, Klang und musikalischem Experiment.

Kamilya Jubran — Gesang, Oud
Werner Hasler — Trompete, Elektronik
Martin Ruch — FOH Sound Engineer

Im Anschluss an das Konzert wird der Film „The Visual Feminist Manifesto” gezeigt.
The Visual Feminist Manifesto
(Syrien, Libanon, Deutschland, Schweden, Niederlande 2025 | Regie: Farida Baqi)
Arabisch mit englischen Untertiteln | Dauer: 74 min

Was bedeutet es und wie fühlt es sich an, eine Frau zu sein? Aus ihrer eigenen Perspektive heraus begleiten wir eine Frau auf ihrem Weg durch verschiedene Lebensphasen bis hin zum frühen Erwachsenenalter. Wir erleben mit ihr, wie sie durch die Veränderungen ihrer Gedankenwelt und ihres Körpers geprägt wird, und auch, wie ihre Umgebung sie durch Worte und Taten prägt oder zu prägen versucht. Es ist eine Reise voller Hoffnung, Sehnsucht und Kampf um die eigene Würde.

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Das 6-tägige Festival Creative Music Lab III – Women in Oriental Music ist den kreativen Stimmen von Frauen in den musikalischen Traditionen des Nahen Ostens und des Mittelmeerraums gewidmet. Sängerinnen, Komponistinnen und Instrumentalistinnen loten an sechs Tagen im Mai das Verhältnis von musikalischer Tradition und zeitgenössischem künstlerischem Ausdruck aus.
>> Vollständiges Festivalprogramm

Weitere Informationen unter:
https://theater-im-delphi.de/programm/?prod=494
https://barzakh.org/

Einlass: 18:30 Uhr

Line-Up:
Mahan Mirarab: Guitar & Fretless Guitar
Bernhard Schimpelsberger: Percussion
Special guest:
Shannon Barnett: Trombone

Links:
http://www.mahanmirarab.com
https://www.instagram.com/mahanmirarab/
https://www.facebook.com/mirarab.mahan/

Short Bio:
Songs like “Haj Ghorban” and “A Week of Moonlight” dazzle with Mirarab’s enigmatic, transcendent guitar playing, fusing Middle Eastern textures with traditional jazz rhythms.
"All About Jazz"

Mahan Mirarab is a musician, composer, and educator based in Vienna. He teaches at the Anton Bruckner Private University in Linz and the University of Music and Performing Arts Vienna (MDW). Beyond his academic work, he has written and arranged music for Opera Roma Baron (Vienna Straussfest), Beyond the Roots Orchestra in Cologne, Female Voices of Iran Orchestra, Impossible Stage in Berkeley, California, and NAWA Orchestra, among others.
He has released six albums and produced music for artists such as Alim Qasimov, Sakina Teyna, and Basma Jabr. His collaborations include projects with the NDR Bigband, Tonkünstler Orchester, Vision String Quartet, Aynur Doğan, and Anthony Braxton, and he has collaborated with leading record labels including ACT, ECM, and Warner Classics, among others.

Rooted in Tehran and based in Vienna, Mirarab’s multi-neck guitar speaks an honest and intimate language—one that transcends words, weaving together stories of migration, memory, and belonging. His music brings together European chamber textures and the fluidity of contemporary jazz, opening new pathways into the heart of Iranian classical traditions. These are not mere fusions but reimaginings: soundscapes where heritage and innovation move freely and reshape one another.

Mirarab belongs to a generation of young migrant artists in Europe who are redefining the borders of sound. With a commitment to dialogue, diversity, and collective creativity, he seeks to craft new narratives around Middle Eastern cultures and jazz. His approach results in a musical language that is both intricate and disarmingly accessible—inviting listeners to think deeply, feel openly, and move with the pulse of the music.

As a composer and arranger, Mirarab draws from a rich and expansive musical vocabulary. His rhythmic and harmonic language reflects journeys across jazz, experimental and electronic music, acoustic traditions, and the worlds of film, dance, and theatre. His work avoids cliché; instead, it expands the possibilities of how traditions can meet, challenge, and transform one another.

In Mirarab’s music, tradition is not preserved—it is reborn. The interplay of European chamber music and West Asian art music elements evokes reflection as much as movement. His music is dynamic and spacious, leaving room for breath and imagination, yet it can groove and dance with unmistakable energy. It can descend into darkness and rise suddenly into brightness and joy. His compositions draw on lived experience, shaping a sound world that spans an unusually wide emotional range. “Music can be played softly and still groove,” he notes. “For me, silence defines the notes I play.”

A restless and versatile spirit, he moves fluidly between European, Iranian, Arabic, and Kurdish classical music. His collaborations span continents: from the Vision String Quartet, Tonkünstler Orchester, and Berlin Metropolitan Orchestra to the NDR Bigband and Anthony Braxton Orchestra; from Kurdish music with Aynur Doğan and Sakina Teyna to Azerbaijani and Turkish traditions with Alim Qasimov and Erkan Oğur; and to Iranian and Arabic classical forms with artists such as Golnar Shahyar, Misagh Joolaee, and Kinan Azmeh.

„Beyond the Orange Groves“ – ein Konzertprogramm, das sich mit Erinnerung, Widerstand und gesellschaftlichem Wandel im iranischen kulturellen Kontext auseinandersetzt.

Im Zentrum stehen Vertonungen von Gedichten von Aref Ghazvini und Malek Shoara Bahar – zwei prägenden Figuren der iranischen Verfassungsbewegung, die als Brücke zwischen klassischer persischer Literatur und moderner Ausdrucksform gelten. Ihre Werke thematisieren nationale Identität, gesellschaftliches Erwachen und die Folgen politischer Umbrüche. Auch heute – über ein Jahrhundert später – behalten diese Inhalte ihre Relevanz und eröffnen neue Perspektiven auf gegenwärtige globale Konflikte.

Zwischen den Liedern entstehen instrumentale Solo-, Duo- und Trio-Formate, die Raum für Improvisation und virtuose Interaktion bieten. Das Programm verbindet traditionelle iranische Musik mit zeitgenössischen Ausdrucksformen.

Line-up
Pedram Khavarzamini – Tombak
Fatemeh Dehghani – Oud, Gesang
Sara Hasti – Kamancheh
Roshanak Rafani – Dayere, Bendir

Das Ensemble vereint international tätige Musiker:innen mit unterschiedlichen künstlerischen Hintergründen und schafft einen dialogischen Klangraum zwischen Tradition und Gegenwart.



Über die Künstler:innen

Pedram Khavarzamini
Nur wenige spielen die Tombak auf diese Weise: Pedram Khavarzamini (*1975, Teheran) ist ein international renommierter Tombak-Spieler, der traditionelle iranische Rhythmen mit zeitgenössischen Ansätzen verbindet. Er studierte bei Kamyar Mohabbat und Bahman Rajabi und begann seine Karriere mit Duo-Performances mit Rajabi. Im Laufe seiner Laufbahn arbeitete er u. a. mit Künstlern wie Kayhan Kalhor, Ross Daly und Ballaké Sissoko zusammen und war Mitglied verschiedener Ensembles sowie der Labyrinth-Musikgemeinschaft. Er gibt regelmäßig Workshops und Seminare weltweit, u. a. an der University of Toronto und in Lausanne. Seine Arbeit erweitert die klanglichen Möglichkeiten der Tombak in unterschiedlichen musikalischen Kontexten.

Roshanak Rafani
Roshanak Rafani studierte Instrumentalperformance (Percussion) an der Barenboim-Said Akademie und ist auf iranische Perkussion (Daf, Dayereh, Tombak) sowie europäische Perkussion spezialisiert. Ihre künstlerische Arbeit bewegt sich zwischen traditioneller iranischer Musik und zeitgenössischen Performanceformaten. Seit 2013 ist sie international als Solistin und Ensemblemusikerin tätig. Sie arbeitete u. a. mit dem West-Eastern Divan Orchestra und mit Dirigenten wie Daniel Barenboim und Zubin Mehta. Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit ist sie auch als Pädagogin aktiv.

Fatemeh Dehghani
Fatemeh Dehghani ist eine iranische Musikerin, Oud-Spielerin und Komponistin. Sie erhielt ihre musikalische Ausbildung in Teheran und absolvierte ihr Bachelor- und Masterstudium in traditioneller iranischer Musik an der Universität Teheran. Sie tritt international als Solistin und Ensemblemusikerin auf. Neben ihrer Konzerttätigkeit komponiert sie und leitet ihr Projekt „The Spirit Afar“. Derzeit absolviert sie ein weiteres Masterstudium im Bereich Musikpädagogik in Deutschland.

Sara Hasti
Sara Hasti studierte iranische Musik (Kamancheh) und Musikethnologie in Teheran und setzt ihr Studium seit 2022 im Bereich Angewandte Musikwissenschaft, Musikpädagogik und Community Music in Deutschland fort. Als Musikerin spielte sie mit unterschiedlichen Ensembles, darunter auch das Babylon Orchestra Berlin. Sie entwickelte eigene interdisziplinäre Projekte, darunter ein Klavier-Kamancheh-Duo, und wirkte zudem an Albumproduktionen mit.


http://www.harmonica-fen.de/konzerte

18:30

Nils Kercher Trio mit special guest Oumar Barou Kouyaté (Mali)
African Pulse & Nordic Space

Weltmusik voll zarter Innerlichkeit und zugleich packender Dynamik.
Der Sänger und Multiinstrumentalist Nils Kercher schöpft aus den Traditionen Westafrikas genauso wie aus der introspektiven Atmosphäre nordischer Weite und modernem Songwriting.
Sein internationales Trio breitet mit einem vielschichtigen Arsenal an Schlagwerk, mit Kora, Balafon, Gitarre und einem Geflecht aus Stimmen eine lebendige Fusion aus zwei Musik-Welten aus. Die Musik rückt die Kontinente mit einer neuen lyrischen Klangsprache aneinander - und begeistert Zuhörer unterschiedlichster Generationen und Nationalitäten.

Mit seiner virtuos gespielten malischen Spießlaute Ngoni bringt Barou Kouyaté, langjähriger Mitmusiker und Neffe des international erfolgreichen Bassekou Kouyaté, eine warme Farbe in die Textur ein.
Kira Kaipainen begleitet die Klangreise mit zarter Stimme, feinfühliger Perkussion und durch ihre unter die Haut gehenden Liedtexte.
Wie selbstverständlich und organisch die Zwiesprache zwischen den Musikern tönt, das zeugt von ihrer Neugier auf das Ungewohnte und von ihrer Souveränität.
Die Songs fühlen sich an wie ein Zyklus aus Versen, die lange im Inneren nachhallen. Dabei gelingt es dem eingespielten Trio das Subtile, Feine in den Kompositionen und die Leidenschaft für den Rhythmus und das Treibende zu verschmelzen. Die klar arrangierten Stücke lassen diese zwei Pole in einer kraftvollen und filigranen Balance vibrieren.

Nils Kerchers Alben stießen international auf große Resonanz in der Global-Fusion- und Songwriter-Musikszene und und erreichte mit „Ancient Intimations“ die World Music Charts Europe. Die BBC und renommierte Musikmagazine wie Songlines, fRoots und R2 verglichen seine Stücke mit namhaften Produktionen aus ganz unterschiedlichen Kulturkreisen, von Künstlern wie Rokia Traore, Steve Reich und Peter Gabriel. Und das beschreibt treffend seine Musik: sie gleitet von Atmosphäre zu Atmosphäre und zwischen den Zeiten und Kontinenten, um daraus mit unverwechselbarer Note eine organische - seine eigene - Story zu weben.

Nils Kercher (D) Kora (21-saitige westafrik. Stegharfe), Gesang, Percussion, Gitarre
Oumar Barou Kouyate (Mali) Ngoni (malische Laute), akustische Gitarre, Talking Drum
Kira Kaipainen (FIN) Percussion, Gesang, Balafon

http://www.nilskercher.de

Pressestimmen

„bezaubernd“ (WDR 5)

Seine Partnerschaft mit Oumar Barou Kouyate ist ein beeindruckendes Zeugnis dafür, wie zwei Musiker aus unterschiedlichen Roots-Kulturen auf unterstützende und inspirierende Weise zusammenarbeiten können. Dies ist keine „Cut-and-Paste“-Übertragung, sondern eine echte Fusion.... die oft klingt, als stamme sie aus dem Real World-Katalog. Ich vermute, dass dies mehr Menschen dazu ermutigen wird, die Kora zu hören...“
fROOTS MAGAZINE / UK

„schlichte, tief spürbare Authentizität“ (Badische Neueste Nachrichten)

"große Sogwirkung“ (Jazzthetik)

"…Gänsehaut…zeitlos schön... (Rocktimes)

„...managing to convey both a vast Nordic soundscape and the intimcy of African village life…“
R2 MAGAZINE RocknReel / UK

“wunderbares neues Album...grossartige Songs, übersprudelnd von Kora und fantastischem Gesang”
(BBC / UK)

„…schönes neues Album…Melodien, die den Zuhörer gleich umhüllen und Texte, die nachdenklich machen“
(General-Anzeiger Bonn)

„Ruhe, Harmonie, Leichtigkeit…globale Wohlfühlmusik in Zeiten die nicht immer voller Harmonie sind… globale Singer-Songwriterkunst… Sehr Träumerisch - aber manchmal, wenn man mehr auf die Texte hört, auch sehr kämpferisch…spannendes Projekt und kulturübergreifend - irgendwo zwischen Mali und Helsinki liegt halt das Rheinland“
(HR2 Kultur)

„ein wunderbares Konzert voller Hingabe und Virtuosität“
Songlines (UK)



VIDEOS:
AH-YE / HAPANA KULIA live Bonn: https://youtu.be/JbJ7c7p-7_M
TIME TO SHED OUR SKINS: https://youtu.be/w565hnyWr5A
TUULI ITKEE (live) Beethoven Chamber Music Hall Bonn: https://youtu.be/vKx_xFKBHrk
NANFULLE (live): https://youtu.be/5ArXNFxl8LI
OPEN WINDOWS https://youtu.be/4FhiIvrVHjs?feature=shared
Nils Kercher Duo live im Deutschlandfunk: https://youtu.be/qFhQv-q_978?feature=shared
UNBROKEN SPELL: https://youtu.be/Wgh0TqvEjZo
CAN YOU SMELL THE RAIN: https://youtu.be/NripOcZxk88
MOONRAY: https://youtu.be/oFhzR3WV8lI
FEATHERS: https://youtu.be/kJaYM6Zob_Q
I SiGA FE MINDE (filmed in Guinea / West Africa): https://youtu.be/B_JvCA7hx_0
Interview mit Nils Kercher WDR 5: https://youtu.be/hZROgtKLFKM?feature=shared

Copyright: Dorina Milas

Einlass: 18:30 Uhr