Die Studierenden der Gitarrenklasse und ihr Dozent Boris Tesic bringen als Ensemble in diesem Konzert ein vielseitiges Repertoire zur Aufführung, das Musiktraditionen und Tanzstile aus aller Welt umfasst – von brasilianischen und argentinischen Tänzen bis zur klassischen Musik. Zudem lassen sie sich gleichermaßen von der ungarischen „Gypsy“-Tradition wie von der Popularmusik oder Jazz-Standards inspirieren. Das Programm lädt ein zu Begegnungen mit lateinamerikanischen Rhythmen wie Frevo und Tango. Das Publikum erwartet eine Musikerlebnis, das durch rhythmische Vielfalt, harmonische Tiefe und die kunstvolle Umsetzung musikalischer Traditionen aus verschiedenen Epochen und Kulturen besticht.

Einlass ab 16:30 Uhr - Das Ticket berechtigt am Veranstaltungstag zum Besuch von Schloss Wilhelmshöhe ab 15 Uhr

2007 in Moskau geboren, nun in Spanien ansässig, ist
Alexandra Dovgan heute eine der aufsehenerregends-
ten Pianistinnen der jungen Generation. Am 13. Mai
2022 schrieb Helmut Mauró in der Süddeutschen Zei-
tung über die Musikerin, sie balanciere „auf dem schma-
len Grat zwischen Wunderkind und Star-Pianistin“ und
stehe „am Beginn einer Weltkarriere“. Das Konzert ist
der Nachholtermin für den 2023 krankheitshalber kurz-
fristig abgesagten Termin.

SEAYOUNG KIM - Violine
JORDI HERRERA ROCA - Violine
ATSUSHI KOMATSU-HAYAKAWA - Viola
JOANNA KIELAR-ZACHŁOD Violoncello

LUDWIG VAN BEETHOVEN: Streichtrio c-Moll op. 9 Nr. 3
CLAUDE DEBUSSY: Streichquartett g-Moll op. 10

Von Beethoven zu Debussy. Vom Trio zum Quartett. Vom Ende des 18. zum Ende des 19. Jahrhunderts. Ludwig van Beethoven war noch ein junger Mann Mitte seiner Zwanziger, als er drei Streichtrios mit der Opusnummer 9 zu Papier brachte. Und er war ausdrücklich überzeugt von der Qualität seiner Arbeit. Das dritte Exemplar dieser Sammlung ist in der Tat absolut bestechend, dunkel und voller Leidenschaft. Was es mit dem Klang macht, wenn sich zur Violine eine zweite hinzugesellt, lässt sich wunderbar an Claude Debussys einzigem Streichquartett studieren, das 100 Jahre später entstand. Doch eines bleibt erstaunlich: Dass es dem impressionistischen Tonmaler gelang, mit nur vier Instrumenten seinem Stil auch in dieser kleinen, intimen Form treu zu bleiben.

Dauer: 75 Minuten ohne Pause

Künstlergespräch vor dem Konzert (Moderation: Cosima Obert) im Raum neben der Terrasse, Beginn 10:50 Uhr

ROBERT SCHUMANN: Ouvertüre zum dramatischen Gedicht „Manfred“ op. 115”
CLEMENS K. THOMAS: „Girls und Panzer“ (Uraufführung)
MATTHEW HINDSON: „Maralinga“
ARTHUR HONEGGER: Symphonie Nr. 4„Deliciæ Basilienses“

Nach Robert Schumanns Manfred-Ouvertüre, die sich schon so sehr als eigenständiges Orchesterwerk etabliert hat, dass die literarische Basis (Lord Byron) fast in Vergessenheit geraten ist, hören wir eine sehr aktuelle Uraufführung. Der junge deutsche Komponist Clemens K. Thomas sagt über sein Werk: „‘Girls und Panzer‘ ist kein Stück über Krieg, sondern über dessen Konsumierbarkeit in Mitteleuropa.“ Es gehe um „Politik als Balanceakt voller Kompromisse und Widersprüche“. Darauf folgt der Composer in Focus Matthew Hindson mit „Maralinga“, das ebenfalls politischen Bezug hat: So hieß ein britisches Atomtestgelände der 1950er-Jahre in Australien. Und schließlich sorgt Arthur Honegger mit seiner vierten Symphonie „Basler Freuden“, die kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs entstand, für einen versöhnlichen Ausklang.

Wer jemals bei einem Konzert von Bernard Allison war oder seine Diskografie gut kennt, weiß, wie viel es ihm bedeutet, das musikalische Erbe seines Vaters am Leben zu erhalten. „Am Anfang meiner Karriere habe ich mir und meiner Mutter Fannie Mae Allison etwas versprochen, und zwar, dass auf jedem Album von mir mindestens ein oder zwei Stücke von meinem Vater zu hören sein werden“, erklärt er. Bernard hat sein Wort gehalten: Sowohl bei Konzerten als auch auf seinen Platten führt er bis heute treu die Songs seines Vaters auf. Dies tut er zumeist in einem funkigen, am Rock orientierten Stil, der sich klar von dem traditionellen Blues unterscheidet, mit dem er aufgewachsen ist. Als er noch dabei war, seine eigene musikalische Stimme zu finden, ermutigte ihn sein Vater dazu, „es so zu spielen, wie du es fühlst“, anstatt zu kopieren, was vor ihm war. Pünktlich zum 30-jährigen Jubiläum von Ruf Records und mehr als drei Jahrzehnte nach dem Debüt des Blues-Gitarrenmeisters Bernard Allison feiert Luther’s Blues ausgiebig die musikalische Hinterlassenschaft von Bernards Vater Luther Allison – einer wahren Legende des Chicago Blues und einer zentralen Figur in der Geschichte des Plattenlabels. Die Doppel-CD enthält 20 herausragende Aufnahmen von Bernard Allison, jede davon eine Komposition von Luther Allison, die zuvor auf einem von Bernards zahlreichen Alben erschienen ist. Allison selbst wählte die Tracks für diese Sammlung aus; Pauler Acoustics, eine renommierte Adresse in der Hi-Fi-Szene, hat sie liebevoll remastered.
Die 20 Luther Allison-Songs auf Luther’s Blues wurden also quasi von einem Vertreter der nächsten Bluesgeneration für das 21. Jahrhundert aufgerüstet. Sie sind nicht unbedingt Luthers berühmteste Stücke. Wenn er an einem neuen Album arbeitet, sagt Bernard, sucht er oft nach „Songs, die man damals bei meinem Vater übersehen hat. Ich gebe ihnen dann meine eigene Note“.
Dabei hat er nie aus den Augen verloren, wo er herkommt und ist zurück auf Tour!

Luther’s Blues Tour 2025

Wer jemals bei einem Konzert von Bernard Allison war oder seine Diskografie gut kennt, weiß, wie viel es ihm bedeutet, das musikalische Erbe seines Vaters am Leben zu erhalten. „Am Anfang meiner Karriere habe ich mir und meiner Mutter Fannie Mae Allison etwas versprochen, und zwar, dass auf jedem Album von mir mindestens ein oder zwei Stücke von meinem Vater zu hören sein werden“, erklärt er. Bernard hat sein Wort gehalten: Sowohl bei Konzerten als auch auf seinen Platten führt er bis heute treu die Songs seines Vaters auf. Dies tut er zumeist in einem funkigen, am Rock orientierten Stil, der sich klar von dem traditionellen Blues unterscheidet, mit dem er aufgewachsen ist. Als er noch dabei war, seine eigene musikalische Stimme zu finden, ermutigte ihn sein Vater dazu, „es so zu spielen, wie du es fühlst“, anstatt zu kopieren, was vor ihm war. Pünktlich zum 30-jährigen Jubiläum von Ruf Records und mehr als drei Jahrzehnte nach dem Debüt des Blues-Gitarrenmeisters Bernard Allison feiert Luther’s Blues ausgiebig die musikalische Hinterlassenschaft von Bernards Vater Luther Allison – einer wahren Legende des Chicago Blues und einer zentralen Figur in der Geschichte des Plattenlabels. Die Doppel-CD enthält 20 herausragende Aufnahmen von Bernard Allison, jede davon eine Komposition von Luther Allison, die zuvor auf einem von Bernards zahlreichen Alben erschienen ist. Allison selbst wählte die Tracks für diese Sammlung aus; Pauler Acoustics, eine renommierte Adresse in der Hi-Fi-Szene, hat sie liebevoll remastered.
Die 20 Luther Allison-Songs auf Luther’s Blues wurden also quasi von einem Vertreter der nächsten Bluesgeneration für das 21. Jahrhundert aufgerüstet. Sie sind nicht unbedingt Luthers berühmteste Stücke. Wenn er an einem neuen Album arbeitet, sagt Bernard, sucht er oft nach „Songs, die man damals bei meinem Vater übersehen hat. Ich gebe ihnen dann meine eigene Note“.
Dabei hat er nie aus den Augen verloren, wo er herkommt und ist zurück auf Tour!

Einlass eine Stunde vor Beginn

Die Räume, die wir geschaffen haben geben Sicherheit, Struktur und Orientierung. Wie wir einen Raum nutzen, ist in dem Raum eingeschrieben wie auf einer Tafel.
Wie der Raum beschaffen ist, ist vorgezeichnet. Die Atmosphäre entlang einer einsamen Dorfstraße am Waldrand oder inmitten eines großen Platz im Herzen der Stadt.
Zahlreiche Begegnungen getrennt von unsichtbaren Mauern und der Flüchtigkeit des Moments.

Was passiert, wenn wir die Räume, die wir geschaffen haben, verlassen? Welche Wege entstehen? Was passiert, wenn sich die Grenzen aufheben? Wer bist du und wer sind wir in diesen Räumen?

Das Tanztheaterstück „The way we (de)-construct“ geht diesen Fragen nach und nimmt mit auf eine Reise aus der eigenen Box heraus in den Zwischenraum. Im Kern beschäftigt sich das Stück mit der Perspektive von Migration.

Choreographie und Konzept: Josefine Malakci
In Co-Creation mit den TänzerInnen des Ensembles

Ein begleitender Tanz-Workshop zum Thema Grenzen und Handlungspotenziale im KAZ kann kostenlos besucht werden. Weitere Infos demnächst.

Eine Produktion des JT-Ausreißerclubs (12 bis 15 Jahre)

Ein Internat im Wald, halb Erziehungsanstalt, halb Kloster. Die Schülerinnen haben sich mit den strengen Erziehungsmethoden abgefunden. Denn das Befolgen der Regeln ist die einzige Chance, die Institution jemals wieder zu verlassen. Doch dann gerät das fragile Gleichgewicht aus den Fugen. Immer mehr Schülerinnen bekommen unerklärliche Anfälle. Zwischen den Mädchen tut sich eine wachsende Kluft aus Misstrauen und Beschuldigungen auf. Bald stellt sich gar die Frage: Geht es hier mit dem Teufel zu?

Die 12 bis 15jährigen Spieler*innen des Ausreißerclubs bringen die diesjährige Stückentwicklung mit großer Spielfreude und einer gehörigen Portion Gruselfaktor auf die Bühne.

SEAYOUNG KIM - Violine
JORDI HERRERA ROCA - Violine
ATSUSHI KOMATSU-HAYAKAWA - Viola
JOANNA KIELAR-ZACHŁOD Violoncello

LUDWIG VAN BEETHOVEN: Streichtrio c-Moll op. 9 Nr. 3
CLAUDE DEBUSSY: Streichquartett g-Moll op. 10

Von Beethoven zu Debussy. Vom Trio zum Quartett. Vom Ende des 18. zum Ende des 19. Jahrhunderts. Ludwig van Beethoven war noch ein junger Mann Mitte seiner Zwanziger, als er drei Streichtrios mit der Opusnummer 9 zu Papier brachte. Und er war ausdrücklich überzeugt von der Qualität seiner Arbeit. Das dritte Exemplar dieser Sammlung ist in der Tat absolut bestechend, dunkel und voller Leidenschaft. Was es mit dem Klang macht, wenn sich zur Violine eine zweite hinzugesellt, lässt sich wunderbar an Claude Debussys einzigem Streichquartett studieren, das 100 Jahre später entstand. Doch eines bleibt erstaunlich: Dass es dem impressionistischen Tonmaler gelang, mit nur vier Instrumenten seinem Stil auch in dieser kleinen, intimen Form treu zu bleiben.

Americana, Folk, Southern Country und Jazz: Das ist die musikalische Welt
der Singer-Songwriterin Hannah Köpf. Mit brilliant klarer Stimme, ausdrucksstarken Texten und außergewöhnlicher musikalischer Sensibilität fasst sie persönliche Einsichten, Erfahrungen und Emotionen in intime und gleichermaßen kraftvolle Songs, die das Zeug zum Klassiker haben.

Seit über einem Jahrzehnt arbeitet sie mit ihrer eigenen Band: Bereits 2010
legten Hannah Köpf & Band ihr erstes Album »Stories Untold« vor – enthusiastisch aufgenommen und hoch gelobt. Immer wieder werden Hannah Köpf’s musikalische Qualitäten von der Musikkritik mit den Größten des Faches wie Joan Baez, Joni Mitchell, Emmylou Harris, Paul Simon oder Norah Jones verglichen. Der musikalische Kosmos, den die Kölner Singer/Songwriterin Hannah Köpf mit ihren Songs gemeinsam mit Tim Dudek erschaffen hat, bewegt sich zwischen Folk, New-Orleans-Soul, Americana, Jazz und Southern Country. Und es klingt bei ihr so natürlich, als habe sie schon als Kind nie etwas anderes gehört als diese uramerikanischen Gattungen. Gerne wird die Melancholie hervorgehoben, die Wehmut, die in diesen feinsinnigen Texten liegt. Ihr brillantklarer Gesang, ihre Fähigkeit, mit ihrer Stimme mühelos Genregrenzen zu überschreiten. Alles daran ist richtig. Und ist es ebenso bemerkenswert, mit wie viel Dynamik, Wucht und Soul ihre Songs musikalisch gestaltet sind. Die Band wird an diesem Abend sowohl die Songs ihres neuen Albums als auch ihre liebgewonnenen Stücke präsentieren.

BESETZUNG
Hannah Köpf – Gesang & Gitarre Joon Laukamp – Fiddle & Mandoline Bastian Ruppert – Gitarre & Gesang Jakob Kühnemann – Kontrabass Mike Roelofs – Klavier
Tim Dudek – Schlagzeug & Gesang

Einlass eine Stunde vor Beginn

Americana, Folk, Southern Country und Jazz: Das ist die musikalische Welt
der Singer-Songwriterin Hannah Köpf. Mit brilliant klarer Stimme, ausdrucksstarken Texten und außergewöhnlicher musikalischer Sensibilität fasst sie persönliche Einsichten, Erfahrungen und Emotionen in intime und gleichermaßen kraftvolle Songs, die das Zeug zum Klassiker haben.

Seit über einem Jahrzehnt arbeitet sie mit ihrer eigenen Band: Bereits 2010
legten Hannah Köpf & Band ihr erstes Album »Stories Untold« vor – enthusiastisch aufgenommen und hoch gelobt. Immer wieder werden Hannah Köpf’s musikalische Qualitäten von der Musikkritik mit den Größten des Faches wie Joan Baez, Joni Mitchell, Emmylou Harris, Paul Simon oder Norah Jones verglichen. Der musikalische Kosmos, den die Kölner Singer/Songwriterin Hannah Köpf mit ihren Songs gemeinsam mit Tim Dudek erschaffen hat, bewegt sich zwischen Folk, New-Orleans-Soul, Americana, Jazz und Southern Country. Und es klingt bei ihr so natürlich, als habe sie schon als Kind nie etwas anderes gehört als diese uramerikanischen Gattungen. Gerne wird die Melancholie hervorgehoben, die Wehmut, die in diesen feinsinnigen Texten liegt. Ihr brillantklarer Gesang, ihre Fähigkeit, mit ihrer Stimme mühelos Genregrenzen zu überschreiten. Alles daran ist richtig. Und ist es ebenso bemerkenswert, mit wie viel Dynamik, Wucht und Soul ihre Songs musikalisch gestaltet sind. Die Band wird an diesem Abend sowohl die Songs ihres neuen Albums als auch ihre liebgewonnenen Stücke präsentieren.

BESETZUNG
Hannah Köpf – Gesang & Gitarre Joon Laukamp – Fiddle & Mandoline Bastian Ruppert – Gitarre & Gesang Jakob Kühnemann – Kontrabass Mike Roelofs – Klavier
Tim Dudek – Schlagzeug & Gesang

In Istanbul interessiert sich Aynur mehr für Mode als für Traditionen. Doch ihr Bruder zwingt sie, Alvin zu heiraten – einen frommen, ungebildeten Mann, der in Deutschland unter Tage arbeitet. Angekommen in Herne führt Aynur ein Leben, das nie ihr Traum war. Ihr gemeinsames Unglück hinterlässt deutliche Spuren in der Familie. Als Alvin schließlich stirbt, atmet seine Tochter Meryem auf und richtet den Blick auf das Leben ihrer Mutter.
Nach ihrer Erdoğan-Biografie und dem Sachbuch »Die gespaltene Republik« hat Çiğdem Akyol nun ihren ersten Roman geschrieben: Schonungslos erzählt sie in »Geliebte Mutter – Canım Annem« (Steidl 2024) von unterschiedlichen Frauen, von Identität, Heimat, Gewalt und Klassenzugehörigkeit. Über Macht und ein unabgeschlossenes Kapitel deutscher Geschichte spricht sie mit Literaturwissenschaftlerin Anke Detken.

Einlass: 19:30 Uhr

20:00 Uhr | Eintritt 18,- Euro | Abendkasse 23,- Euro

Soul2Soul – Die Dreierkombination rund um Micha Margraf, aRis Parwiz und Thomas „Stolle“ Stolkmann!

Margraf, welcher sich in Kassel mittlerweile einen Namen gemacht hat und unter Anderem große Bekanntheit durch seine Teilnahme an einer bekannten Fernsehshow erlangte, musiziert als Allrounder: Gesang, Gitarre, Bass und Cajon – es gibt kaum etwas, was er nicht beherrscht.
Parwiz lässt seine kulturellen Einflüsse in seiner Musik aufleben, der gebürtige Afghaner, welcher lange Zeit in Holland verbracht hat punktet mit seiner unverkennbaren Stimme, seinem Gitarrenspiel und der Percussion an der Cajon.
Stolle, dessen Name wohl im Umkreis Kassel jedem/jeder ein Begriff seien sollte rundet die Performance mit seiner souligen Stimme und seinen akustischen und elektrischen Gitarren ab.
Erwarten Sie einen charakteristischen Mix von Robbie Williams über Phillipp Poisel und Rod Stewart.

Foto: Micha Margraf

Kristin Shey ist eine Künstlerin, die mit einer großen Portion Charme und Originalität brilliert. Die Kraft und die Flexibilität ihrer unverkennbaren Stimme sind ihr Markenzeichen. Unterlegt mit ihrem außerordentlich groovigen Gitarrenspiel bringt sie ihre eingängigen Songs zum Glänzen. Es sind das Verwegene und doch Zarte, das Rhythmusgefühl und ihr Sinn für Melodien und Dynamik, die Kristin Shey so besonders und einzigartig machen. So verbindet sie Soul, Blues und Jazz mit einer Menge Spielfreude und einer Art, die immer und einzig nach ihr klingt. Ihr hoch gelobtes neues Album LIFELINE hat sie mit im Gepäck.

Soul 2 Soul – Die Dreierkombination rund um Michael Margraf, aRis Parwiz und Thomas „Stolle“ Stolkmann!

Margraf, welcher sich in Kassel mittlerweile einen Namen gemacht hat und unter Anderem große Bekanntheit durch seine Teilnahme an einer bekannten Fernsehshow erlangte, musiziert als Allrounder: Gesang, Gitarre, Bass und Cajon – es gibt kaum etwas, was er nicht beherrscht.
Parwiz lässt seine kulturellen Einflüsse in seiner Musik aufleben, der gebürtige Afghaner, welcher lange Zeit in Holland verbracht hat punktet mit seiner unverkennbaren Stimme, seinem Gitarrenspiel und der Percussion an der Cajon.
Stolle, dessen Name wohl im Umkreis Kassel jedem/jeder ein Begriff seien sollte rundet die Performance mit seiner souligen Stimme und seinen akustischen und elektrischen Gitarren ab.
Erwarten Sie einen charakteristischen Mix von Robbie Williams über Phillipp Poisel und Rod Stewart.

Einlass eine Stunde vor Beginn

Wenn es einen Ort gibt, an dem die 17-jährige Malin sie selbst sein kann, dann ist es Camp Rainbow. Wie jedes Jahr fiebert sie den Ferien dort entgegen: Drei Wochen voller Natur, Freiheit - und hoffentlich viel Herzklopfen. Denn obwohl Malin im queeren Sommercamp eine Menge toller Menschen kennt, ist sie noch ungeküsst. Erfahrt von Alicia Zett spannende Stories rund um ihre queere Summer-Romance.

Einlass 15 Minuten vor Beginn

Er hat lange über den Tellerrand geschaut, nun blickt er in den Teller. Kabarettist und Bestseller-Autor Bernd Gieseking ist nach dreißig Jahren Heimatflucht wieder in Ostwestfalen und hat Land und Leute neu entdeckt. Anlass gaben die alt gewordenen Eltern, und Gieseking kann nun auf der Bühne fasziniert und sehr mitreißend von Wunderlichem und Wunderbarem berichten. Er breitet die Historie der Bielefeld-Verschwörung auf, findet Luigi Colani in Rheda-Wiedenbrück, er referiert seinen Besuch beim ältesten lebenden Ureinwohner (Wiehenvenator albati) und beim Bielefelder Kennhuhn. Er gibt seine Interviews mit Prominenten wie Ingolf Lück, Gustav Peter Wöhler und Jürgen von der Lippe zum Besten. Der legendäre Römerkiller Arminius, der inzwischen sogar eine Fußgängerampel in Detmold ziert, kommt zu Wort, und Gieseking erläutert, was überhaupt dieses sagenumwobene „Lippe“ ist, aus dem Bundespräsident Steinmeier und Ex-Kanzler Schröder stammen.

Der Abend ist lebendiges Kabarett, witzig, informativ, eine Zeitreise, ein Kulturtrip der besonderen Art und eine äußerst liebevolle Hommage, wenn es um die Menschen dort im Allgemeinen und im Speziellen geht. Giesekings Fazit: Die Ostwestfalen sind ein wunderbar knorriger Menschenschlag mit dem trockenstem Humor Deutschlands, also die Finnen der Bundesrepublik.

Irish Americana Folk Pop aus Donegal/Irland

»A Time to Grow Tour 2024«

Die drei McLaughlin-Schwestern Karen, Lorna und Joleen beweisen auf ihrem siebten Studioalbum „A Time To Grow“ erneut, dass sie mit himmlischen, mehrstimmigen Harmoniegesängen und ihrem frischen, modernen Ansatz zu den führenden Folk-Ensembles der grünen Insel gehören. Von alten Zöpfen halten die Musikerinnen nicht viel: Sie haben viel Spaß am Überschreiten von Genregrenzen. Flirten charmant mit Pop-, Bluegrass- und Americana-Klängen, ohne dabei die große irische Folktradition aus den Augen zu verlieren. Die Musikerinnen zählen neben Clannad und den Boswell Sisters übrigens die Beach Boys zu ihren großen künstlerischen Vorbildern!

Produziert wurde „A Time To Grow“ vom renommierten Produzenten Tommy McLaughlin. „Die Zusammenarbeit mit Tommy McLaughlin war eine transformative Erfahrung für uns“, sagt Karen von The Henry Girls. „Dieses Album spiegelt unsere Entwicklung als Musikerinnen und unseren Wunsch wider, Musik zu machen, die die Menschen inspiriert und auf einer tiefen emotionalen Ebene anspricht.“

„Die Henry Girls sind spektakulär…die besten Gesangsharmonien aus Donegal seit Clannad“ (BBC)
„…neuer musikalischer Horizont am Folk-Himmel…wundervolles Gesamtkunstwerk der Folk Music…“ (WAZ)
„Folk Music mit Hitpotenzial“ (Badische Zeitung)
„Frauenpower gepaart mit Herzenswärme“ (Hildesheimer Zeitung)

Karen McLaughlin (Fiddle, Vocals)
Lorna McLaughlin (Vocals, Akkordeon)
Joleen McLaughlin (Harfe, Piano, Vocals)

Einlass eine Stunde vor Beginn

Irish Americana Folk Pop aus Donegal/Irland

»A Time to Grow Tour 2024«

Die drei McLaughlin-Schwestern Karen, Lorna und Joleen beweisen auf ihrem siebten Studioalbum „A Time To Grow“ erneut, dass sie mit himmlischen, mehrstimmigen Harmoniegesängen und ihrem frischen, modernen Ansatz zu den führenden Folk-Ensembles der grünen Insel gehören. Von alten Zöpfen halten die Musikerinnen nicht viel: Sie haben viel Spaß am Überschreiten von Genregrenzen. Flirten charmant mit Pop-, Bluegrass- und Americana-Klängen, ohne dabei die große irische Folktradition aus den Augen zu verlieren. Die Musikerinnen zählen neben Clannad und den Boswell Sisters übrigens die Beach Boys zu ihren großen künstlerischen Vorbildern!
 
Produziert wurde „A Time To Grow“ vom renommierten Produzenten Tommy McLaughlin. „Die Zusammenarbeit mit Tommy McLaughlin war eine transformative Erfahrung für uns“, sagt Karen von The Henry Girls. „Dieses Album spiegelt unsere Entwicklung als Musikerinnen und unseren Wunsch wider, Musik zu machen, die die Menschen inspiriert und auf einer tiefen emotionalen Ebene anspricht.“
 
„Die Henry Girls sind spektakulär…die besten Gesangsharmonien aus Donegal seit Clannad“ (BBC)
„…neuer musikalischer Horizont am Folk-Himmel…wundervolles Gesamtkunstwerk der Folk Music…“ (WAZ)
„Folk Music mit Hitpotenzial“ (Badische Zeitung)
„Frauenpower gepaart mit Herzenswärme“ (Hildesheimer Zeitung)

Karen McLaughlin (Fiddle, Vocals)
Lorna McLaughlin (Vocals, Akkordeon)
Joleen McLaughlin (Harfe, Piano, Vocals)

Das GSO betritt neues Terrain und bespielt zum ersten Mal das zufall.lab. In dieser inspirierenden Umgebung treffen die Orchesterpraktikant:innen auf den DJ, Komponisten und Elektro-Produzenten Leon Weber. Wir lauschen, tanzen und lassen uns treiben, wenn Beethovens ­„Pastorale“ in seiner Bearbeitung auf Club-Sounds trifft. Beethovens Symphonie ist hier ein Sinnbild für Idylle und Frieden. Wir hören leise Töne, für die uns im Alltag manchmal die Ruhe und Achtsamkeit fehlen. Wir hören Naturklänge wie ein rauschender Bach und Vogelgezwitscher. Wir hören experimentelle, elektronische Sounds. Und schließlich hören wir kammermusikalisch fragile Klänge.
In schwebenden Harmonien und als unbeantwortete Fragen erkunden die Praktikant:innen des GSOs mit Olivier Messiaen, Charles Ives und Leon Weber die Natur und ihre Vergänglichkeit.

Leon Weber: Pastorale

Adolf Busch: Divertimento op. 30

Charles Ives: The unanswered question

Charles Messiaen:
„Quatuor pour la fin du temps“

Von und mit
Praktikant:innen des GSO

Leon Weber - Elektronik

Marlene Schleicher - Dramaturgie