Das Aufwachsen in der Familie war für den Tänzer und Choreografen Darko Radosavljev geprägt durch Geschichten von Situationen und Personen, die aufgrund von Verlust oder einem Leben in räumlicher Distanz für ihn nicht physisch greifbar wurden. Obwohl die Erzählungen und Mythen seiner Familie sehr präsent waren, konnte er selbst kein Teil dieser Geschichten werden, oder eigene körperliche Erfahrungen darin machen. Mit der Arbeit Salaš – a working tale widmet er sich der intensiven künstlerischen Recherche zu den Mythen der Arbeit und Körperlichkeit, mit denen er aufwuchs, und entwickelt sie choreografisch zu einem Solo-Abend. Salaš steht im serbischen für eine Feldhütte, in der Arbeiter*innen wohnen. Darko Radosavljevs Familie väterlicherseits lebte in einer dieser Hütten, bis sie genug materielle Sicherheit aufgebaut hatten, um ins Dorf ziehen zu können. Somit steht Salaš zum einen für einen konkreten biographischen Ort seiner Familie. Zum anderen, da er selbst nie dort lebte, steht Salaš auch für eine Projektion und einen Wunsch-Ort. Die Solo-Performance lädt ein, Gedanken und Fantasien über körperliche Arbeit und Familiengemeinschaft zu entwickeln und sich immer wieder neu in diese Räume zu denken. Nicht zuletzt entsteht dadurch auch (s)eine spezifische und queere Perspektive auf körperliche Arbeit und familiäre Teilhabe. Zwischen Performer und Zuschauer*innen wird diese imaginierte und imaginäre Salaš eine geteilte Möglichkeit, Erzählungen und Handlungen neu zu denken und die Familiengeschichte (um)zuschreiben.

Darko Radosavljev, geboren in Serbien, arbeitet und lebt als Choreograf und Tänzer in Essen und Berlin. Er studierte Tanz und Choreografie an der Folkwang Universität der Künste in Essen und bei P.A.R.T.S. in Brüssel, sowie Kunst und Politik an der Goldsmiths University of London und der London School of Economics. Er war von 2010-15 erster Tanzstipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes und erhielt 2018 für seine Solo-Arbeit Seascape die Einstiegsförderung der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Seine Kreationen wurden bei der Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein und tanzhaus nrw gezeigt. Radosavljev arbeitete u.a. mit dem Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladağ und Michiel Vandevelde zusammen.

Dauer: ca. 60 Min.
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For dancer and choreographer Darko Radosavljev, growing up in his family was characterised by stories of situations and persons that could not be grasped physically, due to loss or living out of reach. Although the stories and myths of his family were very present, he himself could neither become a part of these stories nor have his own physical experiences within them. With his work Salaš – a working tale, he dedicates himself to intense artistic research into the myths of work and physicality with which he grew up, choreographically developing them to grow into a solo performance evening. In Serbian, “Salaš” denotes a field hut in which labourers dwell. Darko Radosavljev´s paternal family inhabited one of those huts until they managed to accumulate enough material security to be able to move to the village. Therefore, on the one hand, Salaš designates a specific biographical place of his family. On the other hand, never having lived there himself, Salaš also stands for a projection and a space of desire. The solo performance invites its audience to develop thoughts and fantasies about physical work and family community and to re-imagine their way into these spaces again and again. Last not least, this also creates a (his) specific and queer perspective on physical work and family participation. Between performer and spectator, this imagined and imaginary Salaš becomes a shared opportunity to rethink narratives and actions and to (re)write family history.

Darko Radosavljev, born in Serbia, works and lives as a choreographer and dancer in Essen and Berlin. He studied dance and choreography at the Folkwang University of the Arts in Essen and at P.A.R.T.S. in Brussels, as well as art and politics at Goldsmiths University of London and the London School of Economics. Between 2010-15, he was the first dance stipendiary of the German National Academic Scholarship Foundation, and in 2018, he received entry-level funding from the Berlin Senate Department for Culture and Europe for his solo work Seascape. His creations have been shown at the Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein, and tanzhaus nrw. Radosavljev has collaborated with Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladağ, Michiel Vandevelde, and others.

Duration: ca. 60 min.

In German, English and Serbian with German and English surtitles. The play is understandable without knowledge of the language.

Johannes Przygodda, Violoncello
Luisa Imorde, Klavier

Werke von Robert Schumann, Antonín Dvorák, Nadia Boulanger, Dmitri Schostakowitsch und Johannes Brahms

Johannes Przygodda gab im Alter von acht Jahren sein Debüt als Solist mit den Berliner Symphonikern. Seitdem konzertierte der Preisträger zahlreicher Wettbewerbe mit renommierten Orchestern und spielte unter der Leitung von Michael Sanderling, Heribert Beissel, Evan Christ und Pavel Baleff. Eine große Leidenschaft des jungen Musikers ist die Kammermusik, zu den Höhepunkten seiner bisherigen Laufbahn zählte das Debüt mit Christoph Eschenbach.
Im Schloss Rheydt wird Johannes Przygodda von der herausragenden jungen Pianistin Luisa Imorde begleitet, deren Klavierspiel „eine ausgereifte Spieltechnik mit unbändiger Leidenschaft zu einem Klangerlebnis verbindet, das den Geist entzündet und das Herz entflammt“, wie die Süddeutsche Zeitung schwärmt.

Abendkasse ab 19 Uhr, Einlass ab 19:30 Uhr

Johannes Przygodda, Violoncello

Julia Hamos, Klavier

 

Werke von Robert Schumann, Antonín Dvořák, Nadia Boulanger, Dmitri Schostakowitsch und Johannes Brahms

 

Johannes Przygodda gab im Alter von acht Jahren sein Debüt als Solist mit den Berliner Symphonikern. Seitdem konzertierte der Preisträger zahlreicher Wettbewerbe mit renommierten Orchestern und spielte unter der Leitung von Michael Sanderling, Heribert Beissel, Evan Christ und Pavel Baleff. Eine große Leidenschaft des jungen Musikers ist die Kammermusik, zu den Höhepunkten seiner bisherigen Laufbahn zählte das Debüt mit Christoph Eschenbach.

Im Schloss Rheydt wird Johannes Przygodda von der Pianistin Julia Hamos begleitet, die ihre amerikanischen und ungarischen Wurzeln mit Abenteuergeist verbindet. Instinktiver künstlerischer Ausdruck und eine unbändige Faszination für die Musik zeichnen sie als eine der herausragendsten Künstlerinnen ihrer Generation aus.

Am 20. 05. 2023 konzertierte die in Nettetal lebende Pianistin Mengfei Gu im Rahmen des NetteKulturFestivals in der Alten Kirche in Nettetal. Sie bestritt den Konzertabend zusammen mit der Pianistin Yuliia Shlemkevych.
Daraus entstand die Idee, unter ihrer künstlerischen Leitung eine Konzertreihe am gleichen Ort zu etablieren.
Diese Idee hat sehr schnell Gestalt angenommen, so dass in der kommenden Spielzeit insgesamt fünf Konzerte stattfnden können. Es handelt sich um Klavierabende mit ganz unterschiedlichen Programmen, dargeboten von meist jungen, erstklassigen Pianistinnen und Pianisten, die noch ganz am Anfang ihrer Karriere stehen.

14. Oktober 2023
Matsuri Yoshida und ihre Professorin Gesa Lücker befassen sich in ihrem Konzert mit der deutschen Romantik. Sie spielen, neben bekannten Stücken von Franz Schubert und Robert Schumann, auch Werke der Komponistinnen Clara Schumann und Luise Adolpha Le Beau. Romantische Miniaturen, liedhaft und poetisch, die sich gegenseitig ergänzen und bereichern.

Die Pianistin Matsuri Yoshida wurde 1996 in Aichi (Japan) geboren. Sie studierte Master of Music Klavier-Solo bei Professorin Gesa Lücker an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln. Davor schloss sie ihren Bachelor an der Hochschule für Musik ab. Während ihres Studiums errang sie verschiedene Preise.

Gesa Lücker wurde in Braunschweig geboren, erhielt ihre Ausbildung an der Hochschule für Musik, Theater und Medien in Hannover. Zahlreiche Konzertreisen führen Gesa Lücker regelmässig durch ganz Deutschland, die USA, China und europäische Staaten. Sie spielte, unter anderem, im großen Sendesaal des NDR Hannover, der Yamaha Hall und der Carnegie Hall in New York und der Londoner Wigmore Hall.
Ihre CD-Aufnahmen, bei Genuin und Wergo erschienen, erhielten beste Kritiken. Im Oktober 2010 wurde sie als Professorin für Klavier an die Hochschule für Musik und Tanz Köln berufen.
gesaluecker.com

04. Mai 2024
Ekaterina Litvintseva spielt drei Klavierstücke von Schubert. Sie ist Spezialistin für Rachmaninoff, aktuell im Repertoire sind die Moments Musicaux Op.16. Ihr Programm umfasst aber auch Stücke von Debussy.
Ekaterina Litvintseva, aufgewachsen in Anadyr im nordöstlichsten Teil Russlands am Beringmeer. Mit 15 Jahren ging sie nach Moskau an die Staatliche Chopin-Musikhochschule, die vor allem die emotionale Seite ihres Klavierspiels geprägt hat. Mit dem Wechsel nach Deutschland, zuerst an die HfMT Köln und anschließend an die HfM Würzburg in der Meisterklasse von Bernd Glemser, lernte sie das Klavierspiel von einer neuen, analytischen Seite kennen. Aus diesen Erfahrungen entwickelte sie in
ihren höchst individuellen Klavierstil. Eine besondere Prägung erhielt Ekaterina Litvintseva zudem durch den Unterricht bei Robert Kulek, Rudolf Kehrer und Andrzej Jasinski.
Ekaterina Litvintseva konzertiert international als Solistin mit renommierten Orchestern in Russland, Polen, Deutschland, Italien, Israel und Rumänien. Sie hat sie verschiedene CD‘s heraus herausgebracht, die
im Handel zu erwerben sind.
ekaterinalitvintseva.com

01. Juni 2024
Eri Nohira wurde in Sapporo (Japan) geboren. Sie absolvierte ihr Klavierstudium an der Toho-Gakuen Hochschule für Musik in Tokio bei Prof. Nobuhito Nakai. Ab 2015 setzte sie ihr Studium in Deutschland fort und absolvierte sowohl ihren Master im Fach Klavier, als auch ihr Konzertexamen an der Hochschule für Musik in Freiburg bei Prof. Christoph Sischka. Anschließend erlangte sie einen weiteren Masterabschluss an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover im Fach Kammermusik Klavier bei Prof. Markus
Becker mit ausgezeichneter Leistung.“

Mengfei Gu nahm an diversen Wettbewerben teil.
Auswahl: 2017 Klavierwettbewerb der Internationalen Musikakademie Anton Rubinstein in Düsseldorf (Finalistin), International Piano competition, Mailand (2. Preis), 2019 International Piano competition „Clavis Bavaria“, Reichersbeuern (1. Preis) und Sonderpreis für Barockmusik, Auszeichnung von Piano Auer, Miesbach. Weiterhin hat sie an Meisterkursen bei Prof. Christopher Hinterhuber, Prof. Patricia Pagny, Prof. Kazimierz Gierzod, Prof. Solomon Mikowsky, Prof. Gerald Fauth, Ingrid Fliter und Prof. Vladimir Tropp teilgenommen.
mengfeipiano.com

Programm:
Beide Pianistinnen spielen abwechselnd solo und im Duo. Das Programm beginnt mit Mozarts bekannten vierhändigen Variationen über das Lied „Ah, vous dirai-je, Maman“ KV 265. Zu den weiteren Programmpunkten zählen Schuberts „Militärmarsch“ Nr. 1, Händels Chaconne HWV 435 und Debussys „Petite Suite“.

22. Juni 2024
Wataru Hisasue spielt Werke von Mendelsson Batholdy, Fanny Hensel und eine Auswahl aus den Préludes von Claude Debussy. Wataru Hisasue wurde 1994 in Kyoto (Japan) geboren und begann im Alter von fünf Jahren Klavier zu spielen.
Solistisch spielte er u.a. mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, der Württembergischen Philharmonie Reutlingen und dem Japan Century Symphony Orchestra.
Im Jahr 2022 trat er als Solist in der Philharmonie Berlin mit dem Akademischen Orchester Berlin unter der Leitung von Andreas Schüller auf. Gefördert wurde er als Stipendiat der Heiwado-Stiftung, der Rohm-Musik-Stiftung in Japan, der Freunde-Junger-Musiker Berlin e.V. und der Carl-Bechstein-Stiftung. Nach der Ausbildung bei Prof. Gilead Mishory in Freiburg und bei Prof. Emmanuel Strosser in Paris studiert
er an der Universität der Künste Berlin bei Prof. Pascal Devoyon und Prof. Klaus Hellwig und erreichte dort 2023 den Master-Abschluss.
wataruhisasue.com

Einlass. ab ca 17:30 Uhr

Das Aufwachsen in der Familie war für den Tänzer und Choreografen Darko Radosavljev geprägt durch Geschichten von Situationen und Personen, die aufgrund von Verlust oder einem Leben in räumlicher Distanz für ihn nicht physisch greifbar wurden. Obwohl die Erzählungen und Mythen seiner Familie sehr präsent waren, konnte er selbst kein Teil dieser Geschichten werden, oder eigene körperliche Erfahrungen darin machen. Mit der Arbeit Salaš – a working tale widmet er sich der intensiven künstlerischen Recherche zu den Mythen der Arbeit und Körperlichkeit, mit denen er aufwuchs, und entwickelt sie choreografisch zu einem Solo-Abend. Salaš steht im serbischen für eine Feldhütte, in der Arbeiter*innen wohnen. Darko Radosavljevs Familie väterlicherseits lebte in einer dieser Hütten, bis sie genug materielle Sicherheit aufgebaut hatten, um ins Dorf ziehen zu können. Somit steht Salaš zum einen für einen konkreten biographischen Ort seiner Familie. Zum anderen, da er selbst nie dort lebte, steht Salaš auch für eine Projektion und einen Wunsch-Ort. Die Solo-Performance lädt ein, Gedanken und Fantasien über körperliche Arbeit und Familiengemeinschaft zu entwickeln und sich immer wieder neu in diese Räume zu denken. Nicht zuletzt entsteht dadurch auch (s)eine spezifische und queere Perspektive auf körperliche Arbeit und familiäre Teilhabe. Zwischen Performer und Zuschauer*innen wird diese imaginierte und imaginäre Salaš eine geteilte Möglichkeit, Erzählungen und Handlungen neu zu denken und die Familiengeschichte (um)zuschreiben.

Darko Radosavljev, geboren in Serbien, arbeitet und lebt als Choreograf und Tänzer in Essen und Berlin. Er studierte Tanz und Choreografie an der Folkwang Universität der Künste in Essen und bei P.A.R.T.S. in Brüssel, sowie Kunst und Politik an der Goldsmiths University of London und der London School of Economics. Er war von 2010-15 erster Tanzstipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes und erhielt 2018 für seine Solo-Arbeit Seascape die Einstiegsförderung der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Seine Kreationen wurden bei der Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein und tanzhaus nrw gezeigt. Radosavljev arbeitete u.a. mit dem Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladağ und Michiel Vandevelde zusammen.

Dauer: ca. 60 Min.
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For dancer and choreographer Darko Radosavljev, growing up in his family was characterised by stories of situations and persons that could not be grasped physically, due to loss or living out of reach. Although the stories and myths of his family were very present, he himself could neither become a part of these stories nor have his own physical experiences within them. With his work Salaš – a working tale, he dedicates himself to intense artistic research into the myths of work and physicality with which he grew up, choreographically developing them to grow into a solo performance evening. In Serbian, “Salaš” denotes a field hut in which labourers dwell. Darko Radosavljev´s paternal family inhabited one of those huts until they managed to accumulate enough material security to be able to move to the village. Therefore, on the one hand, Salaš designates a specific biographical place of his family. On the other hand, never having lived there himself, Salaš also stands for a projection and a space of desire. The solo performance invites its audience to develop thoughts and fantasies about physical work and family community and to re-imagine their way into these spaces again and again. Last not least, this also creates a (his) specific and queer perspective on physical work and family participation. Between performer and spectator, this imagined and imaginary Salaš becomes a shared opportunity to rethink narratives and actions and to (re)write family history.

Darko Radosavljev, born in Serbia, works and lives as a choreographer and dancer in Essen and Berlin. He studied dance and choreography at the Folkwang University of the Arts in Essen and at P.A.R.T.S. in Brussels, as well as art and politics at Goldsmiths University of London and the London School of Economics. Between 2010-15, he was the first dance stipendiary of the German National Academic Scholarship Foundation, and in 2018, he received entry-level funding from the Berlin Senate Department for Culture and Europe for his solo work Seascape. His creations have been shown at the Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein, and tanzhaus nrw. Radosavljev has collaborated with Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladağ, Michiel Vandevelde, and others.

Duration: ca. 60 min.

In German, English and Serbian with German and English surtitles. The play is understandable without knowledge of the language.

Erlebt bei der großen Booklover Festival-Lesung die Bestseller-Autorinnen Ayla Dade, Mela Nagel, Lara Holthaus, Ruby Braun, Kira Licht und Rabia Dogan gemeinsam auf der Bühne. Mit Bloggerin Michelle Gomez (@the.reading.mi) sprechen sie über das Schreiben und lesen für euch aus ihren aktuellen Romanen.

Einlass 15 Minuten vor Beginn

Das Aufwachsen in der Familie war für den Tänzer und Choreografen Darko Radosavljev geprägt durch Geschichten von Situationen und Personen, die aufgrund von Verlust oder einem Leben in räumlicher Distanz für ihn nicht physisch greifbar wurden. Obwohl die Erzählungen und Mythen seiner Familie sehr präsent waren, konnte er selbst kein Teil dieser Geschichten werden, oder eigene körperliche Erfahrungen darin machen. Mit der Arbeit Salaš – a working tale widmet er sich der intensiven künstlerischen Recherche zu den Mythen der Arbeit und Körperlichkeit, mit denen er aufwuchs, und entwickelt sie choreografisch zu einem Solo-Abend. Salaš steht im serbischen für eine Feldhütte, in der Arbeiter*innen wohnen. Darko Radosavljevs Familie väterlicherseits lebte in einer dieser Hütten, bis sie genug materielle Sicherheit aufgebaut hatten, um ins Dorf ziehen zu können. Somit steht Salaš zum einen für einen konkreten biographischen Ort seiner Familie. Zum anderen, da er selbst nie dort lebte, steht Salaš auch für eine Projektion und einen Wunsch-Ort. Die Solo-Performance lädt ein, Gedanken und Fantasien über körperliche Arbeit und Familiengemeinschaft zu entwickeln und sich immer wieder neu in diese Räume zu denken. Nicht zuletzt entsteht dadurch auch (s)eine spezifische und queere Perspektive auf körperliche Arbeit und familiäre Teilhabe. Zwischen Performer und Zuschauer*innen wird diese imaginierte und imaginäre Salaš eine geteilte Möglichkeit, Erzählungen und Handlungen neu zu denken und die Familiengeschichte (um)zuschreiben.

Darko Radosavljev, geboren in Serbien, arbeitet und lebt als Choreograf und Tänzer in Essen und Berlin. Er studierte Tanz und Choreografie an der Folkwang Universität der Künste in Essen und bei P.A.R.T.S. in Brüssel, sowie Kunst und Politik an der Goldsmiths University of London und der London School of Economics. Er war von 2010-15 erster Tanzstipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes und erhielt 2018 für seine Solo-Arbeit Seascape die Einstiegsförderung der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Seine Kreationen wurden bei der Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein und tanzhaus nrw gezeigt. Radosavljev arbeitete u.a. mit dem Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladağ und Michiel Vandevelde zusammen.

Dauer: ca. 60 Min.
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For dancer and choreographer Darko Radosavljev, growing up in his family was characterised by stories of situations and persons that could not be grasped physically, due to loss or living out of reach. Although the stories and myths of his family were very present, he himself could neither become a part of these stories nor have his own physical experiences within them. With his work Salaš – a working tale, he dedicates himself to intense artistic research into the myths of work and physicality with which he grew up, choreographically developing them to grow into a solo performance evening. In Serbian, “Salaš” denotes a field hut in which labourers dwell. Darko Radosavljev´s paternal family inhabited one of those huts until they managed to accumulate enough material security to be able to move to the village. Therefore, on the one hand, Salaš designates a specific biographical place of his family. On the other hand, never having lived there himself, Salaš also stands for a projection and a space of desire. The solo performance invites its audience to develop thoughts and fantasies about physical work and family community and to re-imagine their way into these spaces again and again. Last not least, this also creates a (his) specific and queer perspective on physical work and family participation. Between performer and spectator, this imagined and imaginary Salaš becomes a shared opportunity to rethink narratives and actions and to (re)write family history.

Darko Radosavljev, born in Serbia, works and lives as a choreographer and dancer in Essen and Berlin. He studied dance and choreography at the Folkwang University of the Arts in Essen and at P.A.R.T.S. in Brussels, as well as art and politics at Goldsmiths University of London and the London School of Economics. Between 2010-15, he was the first dance stipendiary of the German National Academic Scholarship Foundation, and in 2018, he received entry-level funding from the Berlin Senate Department for Culture and Europe for his solo work Seascape. His creations have been shown at the Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein, and tanzhaus nrw. Radosavljev has collaborated with Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladağ, Michiel Vandevelde, and others.

Duration: ca. 60 min.

In German, English and Serbian with German and English surtitles. The play is understandable without knowledge of the language.

Bettina Lausen lässt die 50er Jahre für das Publikum mit Fotos und Requisiten lebendig
werden. Sie wird spannende Stellen aus ihrem Buch vortragen und einiges über ihre Recherche, die Buchentstehung und ihr Leben als Autorin erzählen. Fragerunde und Signieren erworbener Bücher lassen den Abend ausklingen.

Mittwoch, 8. Mai 2024, 21.30 Uhr
ab 21 Uhr Getränkeverkauf und Einlass
Kulturforum Franziskanerkloster, Paterskirche

Trio Belli-Fischer-Rimmer
Frederic Belli, Posaune | Johannes Fischer, Schlagzeug | Nicholas Rimmer, Klavier

„Songs without Words – Schubert, Weill & Waits“

In Zusammenarbeit mit dem Kultursekretariat NRW Gütersloh

„Frisch und unverbraucht und ungewöhnlich“ – so heißt es in der Rhein-Neckar-Zeitung über die Musik dieses mit Posaune, Schlagzeug und Klavier unorthodox besetzten Trios.
Jeder der drei Musiker ist weltweit auch als Solist und Kammermusiker aktiv. Vor gut zehn Jahren überlegte man gemeinsam, die vorhandenen Talente in einen Topf zu werfen, lieben sie doch alle drei die Musik ohne Zwänge oder Scheuklappen. Und so spielen sie, zum Teil in eigenen Bearbeitungen, Musik von Bach bis Xenakis, von Debussy bis Piazzolla, und spannen dabei einen weiten Bogen von der Klassik über Jazz zur Moderne.
Das aktuelle Programm „Songs without Words“ (Lieder ohne Worte) vereint ausgewählte Titel aus dem reichhaltigen Liedschaffen Franz Schuberts mit Liedern des Brecht-Mitarbeiters und späteren Broadway-Musical-Komponisten Kurt Weill (1900-1950) und Songs des 1949 geborenen amerikanischen Sängers und Schauspielers Tom Waits. Auch ein Programm also, das „frisch und unverbraucht und ungewöhnlich“ ist und somit wie gemacht für unsere Konzertreihe „Nachtmusik“.

Nachtmusik - Das ziemlich andere Konzerterlebnis!

Der wunderbare Raum der Paterskirche darf einmal pur wirken: Er ist ganz leer, aber stimmungsvoll ausgeleuchtet. Und die „freie Platzwahl" ist in diesem Fall durchaus beim Wort zu nehmen: Sie suchen Ihren Platz, wo und wie Sie wollen - auf dem Teppichboden,im Chorgestühl, an die Wand gelehnt. Vielleicht auch liegend mit dem Kreuzgewölbe der Kirche im Blick? Oder Sie bringen sich etwas Kleines mit zum Sitzen.

Die Musik und die Künstlerinnen und Künstler, die den Raum zum Klingen bringen, sind von der Sorte, die in keine Schublade passen. „U" oder „E" sind hier keine sinnvollen Kategorien. Umso mehr aber höchste Intensität, professionelle Qualität - und ein Publikum, das sich einlässt auf das Unerhörte. Kurz: Ungewöhnliche Künstler, ungewöhnliche Musik, ungewöhnliche Zeit, ungewöhnliche Form... ungewöhnliches Publikum?

Einlass und Getränkeverkauf ca. 30 Minuten vor Konzertbeginn. Denken Sie an die Sitzgelegenheit!

Mittwoch, 15. Mai 2024, 20 Uhr
Kulturforum Franziskanerkloster Paterskirche

Tobias Koch | Klavier (Broadwood-Flügel)

„Frédéric Chopin: The last concert“ (Edinburgh 1848)

Endlich mal wieder ein „Heimspiel“ für den in Kempen geborenen Pianisten Tobias Koch – und was für eins!
Mit der für ihn typischen Neugier und Entdeckungsfreude hat er sich auf die Spuren eines ganz besonderen Konzerts begeben und lädt das Publikum ein zu einer extravaganten Zeitreise. Sie führt zu einem Abend im Frühherbst ins schottische Edinburgh. Es ist Mittwoch, der 4. Oktober 1848, und der berühmte Pianist und Komponist Frédéric Chopin spielt zum Abschluss seiner Tour durch England und Schottland abends um halb neun in den Hopetoun Rooms ein Konzert mit eigenen Werken. Kurz darauf reist er zurück nach Paris – und wird bis zu seinem Tode im Oktober 1849 kein weiteres Konzert mehr geben.
Das Programm dieses letzten Konzerts bietet einen attraktiven Querschnitt seines Schaffens: Préludes, Etudes, Nocturnes, Mazurken, Walzer, eine Ballade, ein Impromptu und die Berceuse. Tobias Koch hat mit namhaften Musikwissenschaftlern zusammengearbeitet, um dieses Programm so präzise wie möglich zu ermitteln.
Aber nicht nur das: Er scheut auch keine Mühen, die Musik zudem auf einem passenden Instrument zu spielen. Chopin stand bei seinem Konzert ein Pianoforte der Firma John Broadwood & Sons zur Verfügung. Tobias Koch wird ebenfalls auf einem Broadwood spielen, und zwar aus derselben Modell-Reihe und demselben Herstellungsjahr wie jener Flügel, auf dem Chopin in Edinburgh spielte. So gesehen (und vor allem aber auch, so gehört): kein alltägliches Konzert!

Einlass ca. 30 Minuten vor Konzertbeginn.

Ein Kassensturz der mörderischen Art
Im beschaulichen Bilk ist ein betagter Rentner bei einem Einbruch in seiner Wohnung zu Tode gekommen. Sehr unschön, aber übersichtlich, findet Kriminalhauptkommissar Pit »Struller« Struhlmann auf den ersten Blick. Aber sein feines Ermittlernäschen fängt schon bald an zu kribbeln. Irgendwas stimmt da nicht...

Die turbulenten Ermittlungen führen Struller und seinen Kollegen Jensen in die exklusiven Dessous-Shops der Düsseldorfer Altstadt, in angesagte Sushi-Läden auf der Immermannstraße, in die gediegene Piano-Bar eines Flusskreuzfahrtschiffs und ins niederrheinische Herongen zu Oma Jensen. Sie treffen auf rabiate Angehörige, listige Lehrerinnen und Junkies, die gar keine sind. Mehr und mehr wird klar: Es ist Zahltag. Und da wird abgerechnet!

To begin again

Isn’t to go backwards

But to decide to go on.

(Amanda Gorman)

Auf der Leinwand globaler Rhythmen inszeniert Until the Beginnings ein energiegeladenes Tanzgedicht, das ein internationales Team von acht Tänzer*innen aus dem Senegal, Deutschland und Frankreich mit Musiker*innen aus den Bereichen Perkussion und Rap zusammenbringt. Die Regisseurinnen Alesandra Seutin (künstlerische Leiterin der École des Sables, Senegal) und Stephanie Thiersch (künstlerische Leiterin von MOUVOIR, Deutschland), die verschiedene Arbeitsweisen vertreten, weben eine Choreografie, die das Wesen der Gastfreundschaft herausfordert.
Aktuelle politische Verwicklungen wie die Kriminalisierung von Gastfreundschaft in vielen Teilen der Welt sowie Konzepte von Jacques Derrida und Anne Dufourmantelle und utopische Gemeinschaftsräume fanden ihren Weg in das Projekt. Gemeinsam begeben sich Alesandra Seutin und Stephanie Thiersch auf eine Reise, den Begriff „zu Hause“ zu dekonstruieren und die Möglichkeiten der Kultivierung eines gemeinsamen Gartens in einem Geflecht aus Kontinuität, Zyklen und sich verbindender Fäden.

Mit dem Performance-Konzert HELLO TO EMPTINESS war Stephanie Thiersch mit MOUVOIR 2022 zuletzt am tanzhaus nrw. Authentisch wie experimentell verhandeln die vielschichtigen Inszenierungen von MOUVOIR die wesentlichen Bereiche unseres modernen Lebens. Als kompromisslose Beobachterin seziert Stephanie Thiersch mit MOUVOIR ihre Umwelt: Popkultur, Philosophie und Bildende Kunst sind ihre Werkzeuge. Thiersch sieht ihre choreografische Arbeit in einem weiter gefassten Verständnis von interdisziplinärer Bewegungsforschung, die aktuell vor allem Musik in das choreografische Denken miteinbezieht.

Until the Beginnings entstand in einer transkontinentalen Kollaboration mit École des Sables und Alesandra Seutin. Die École des Sables ist ein internationales Zentrum für traditionellen und zeitgenössischen afrikanischen Tanz, eine Schule für theoretischen und praktischen Unterricht, ein Forschungslabor und ein Ort für Begegnungen und Austausch, Konferenzen und künstlerische Residenzen für Tänzer*innen und Choreograf*innen aus Afrika, der afrikanischen Diaspora und verschiedenen Kulturen aus der ganzen Welt. Seit 2020 ist Alesandra Seutin die künstlerische Leiterin der École des Sables. Die internationale Performerin, Choreografin und Dozentin wurde in Harare, Simbabwe, geboren. Sie studierte Tanz in Europa, Afrika, Asien und den Vereinigten Staaten. Außerdem absolvierte sie eine Ausbildung an der École des Sables in Senegal, wo sie Schülerin von Germaine Acogny war, die ihre Technik an sie weitergegeben hat. Heute ist Alesandra Seutin eine Botschafterin dieser Technik, die sie an der École des Sables und in der ganzen Welt unterrichtet.

Dauer: 75 Min.
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To begin again

Isn’t to go backwards

But to decide to go on.

(Amanda Gorman)

Beneath the canvas of global rhythms, Until the Beginnings orchestrates a vibrant dance-poem that brings together an international team of eight dancers from Senegal, Germany and France along with musicians from the field of percussion and rap.
The directors Alesandra Seutin (Artistic Director École des Sables, Senegal) and Stephanie Thiersch (Artistic Director MOUVOIR, Germany) of diverse realms, weave a choreographic tapestry challenging the essence of hospitality.
Current political enfoldings of the criminalisation of hospitality in many parts of the world as well as concepts of Jacques Derrida and Anne Dufourmantelle and utopian common spaces found their way into the project. Together, they embark on a journey of deconstructing the notion of "at-home" and exploring the possibilities of cultivating a shared garden in the tapestry of continuity, cycles, and interconnected threads.

Stephanie Thiersch and MOUVOIR most recently guested at tanzhaus nrw presenting performance concert HELLO TO EMPTINESS in 2022. Authentic as well as experimental, MOUVOIR´s multi-layered productions negotiate modern life’s essential fields. As an uncompromising observer, Stephanie Thiersch dissects her environment with MOUVOIR: pop culture, philosophy, and visual arts are her tools. Thiersch sees her choreographic work within a broader conception of interdisciplinary movement research, which currently primarily incorporates music into choreographic thinking.

Until the Beginnings was created in a transcontinental collaboration with École des Sables and Alesandra Seutin. École des Sables is an international centre for traditional and contemporary African dance, a school for theoretical and practical teaching, a research laboratory, and a place for encounters and exchanges, conferences and artistic residencies for dancers and choreographers from Africa, the African diaspora, and different cultures from around the world. Alesandra Seutin has been the artistic director at École des Sables since 2020. The international performer, choreographer, and lecturer was born in Harare, Zimbabwe. She studied dance in Europe, Africa, Asia, and the United States. She also completed her training at École des Sables in Senegal, where she was a student of Germaine Acogny, who passed on her technique. Today, Alesandra Seutin is an ambassador of this technique, which she teaches at École des Sables as well as around the globe.

Duration: 75 min.

In English, Wolof, Malagasy und French.

To begin again

Isn’t to go backwards

But to decide to go on.

(Amanda Gorman)

Auf der Leinwand globaler Rhythmen inszeniert Until the Beginnings ein energiegeladenes Tanzgedicht, das ein internationales Team von acht Tänzer*innen aus dem Senegal, Deutschland und Frankreich mit Musiker*innen aus den Bereichen Perkussion und Rap zusammenbringt. Die Regisseurinnen Alesandra Seutin (künstlerische Leiterin der École des Sables, Senegal) und Stephanie Thiersch (künstlerische Leiterin von MOUVOIR, Deutschland), die verschiedene Arbeitsweisen vertreten, weben eine Choreografie, die das Wesen der Gastfreundschaft herausfordert.
Aktuelle politische Verwicklungen wie die Kriminalisierung von Gastfreundschaft in vielen Teilen der Welt sowie Konzepte von Jacques Derrida und Anne Dufourmantelle und utopische Gemeinschaftsräume fanden ihren Weg in das Projekt. Gemeinsam begeben sich Alesandra Seutin und Stephanie Thiersch auf eine Reise, den Begriff „zu Hause“ zu dekonstruieren und die Möglichkeiten der Kultivierung eines gemeinsamen Gartens in einem Geflecht aus Kontinuität, Zyklen und sich verbindender Fäden.

Mit dem Performance-Konzert HELLO TO EMPTINESS war Stephanie Thiersch mit MOUVOIR 2022 zuletzt am tanzhaus nrw. Authentisch wie experimentell verhandeln die vielschichtigen Inszenierungen von MOUVOIR die wesentlichen Bereiche unseres modernen Lebens. Als kompromisslose Beobachterin seziert Stephanie Thiersch mit MOUVOIR ihre Umwelt: Popkultur, Philosophie und Bildende Kunst sind ihre Werkzeuge. Thiersch sieht ihre choreografische Arbeit in einem weiter gefassten Verständnis von interdisziplinärer Bewegungsforschung, die aktuell vor allem Musik in das choreografische Denken miteinbezieht.

Until the Beginnings entstand in einer transkontinentalen Kollaboration mit École des Sables und Alesandra Seutin. Die École des Sables ist ein internationales Zentrum für traditionellen und zeitgenössischen afrikanischen Tanz, eine Schule für theoretischen und praktischen Unterricht, ein Forschungslabor und ein Ort für Begegnungen und Austausch, Konferenzen und künstlerische Residenzen für Tänzer*innen und Choreograf*innen aus Afrika, der afrikanischen Diaspora und verschiedenen Kulturen aus der ganzen Welt. Seit 2020 ist Alesandra Seutin die künstlerische Leiterin der École des Sables. Die internationale Performerin, Choreografin und Dozentin wurde in Harare, Simbabwe, geboren. Sie studierte Tanz in Europa, Afrika, Asien und den Vereinigten Staaten. Außerdem absolvierte sie eine Ausbildung an der École des Sables in Senegal, wo sie Schülerin von Germaine Acogny war, die ihre Technik an sie weitergegeben hat. Heute ist Alesandra Seutin eine Botschafterin dieser Technik, die sie an der École des Sables und in der ganzen Welt unterrichtet.

Dauer: 75 Min.
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To begin again

Isn’t to go backwards

But to decide to go on.

(Amanda Gorman)

Beneath the canvas of global rhythms, Until the Beginnings orchestrates a vibrant dance-poem that brings together an international team of eight dancers from Senegal, Germany and France along with musicians from the field of percussion and rap.
The directors Alesandra Seutin (Artistic Director École des Sables, Senegal) and Stephanie Thiersch (Artistic Director MOUVOIR, Germany) of diverse realms, weave a choreographic tapestry challenging the essence of hospitality.
Current political enfoldings of the criminalisation of hospitality in many parts of the world as well as concepts of Jacques Derrida and Anne Dufourmantelle and utopian common spaces found their way into the project. Together, they embark on a journey of deconstructing the notion of "at-home" and exploring the possibilities of cultivating a shared garden in the tapestry of continuity, cycles, and interconnected threads.

Stephanie Thiersch and MOUVOIR most recently guested at tanzhaus nrw presenting performance concert HELLO TO EMPTINESS in 2022. Authentic as well as experimental, MOUVOIR´s multi-layered productions negotiate modern life’s essential fields. As an uncompromising observer, Stephanie Thiersch dissects her environment with MOUVOIR: pop culture, philosophy, and visual arts are her tools. Thiersch sees her choreographic work within a broader conception of interdisciplinary movement research, which currently primarily incorporates music into choreographic thinking.

Until the Beginnings was created in a transcontinental collaboration with École des Sables and Alesandra Seutin. École des Sables is an international centre for traditional and contemporary African dance, a school for theoretical and practical teaching, a research laboratory, and a place for encounters and exchanges, conferences and artistic residencies for dancers and choreographers from Africa, the African diaspora, and different cultures from around the world. Alesandra Seutin has been the artistic director at École des Sables since 2020. The international performer, choreographer, and lecturer was born in Harare, Zimbabwe. She studied dance in Europe, Africa, Asia, and the United States. She also completed her training at École des Sables in Senegal, where she was a student of Germaine Acogny, who passed on her technique. Today, Alesandra Seutin is an ambassador of this technique, which she teaches at École des Sables as well as around the globe.

Duration: 75 min.

In English, Wolof, Malagasy und French.

To begin again

Isn’t to go backwards

But to decide to go on.

(Amanda Gorman)

Auf der Leinwand globaler Rhythmen inszeniert Until the Beginnings ein energiegeladenes Tanzgedicht, das ein internationales Team von acht Tänzer*innen aus dem Senegal, Deutschland und Frankreich mit Musiker*innen aus den Bereichen Perkussion und Rap zusammenbringt. Die Regisseurinnen Alesandra Seutin (künstlerische Leiterin der École des Sables, Senegal) und Stephanie Thiersch (künstlerische Leiterin von MOUVOIR, Deutschland), die verschiedene Arbeitsweisen vertreten, weben eine Choreografie, die das Wesen der Gastfreundschaft herausfordert.
Aktuelle politische Verwicklungen wie die Kriminalisierung von Gastfreundschaft in vielen Teilen der Welt sowie Konzepte von Jacques Derrida und Anne Dufourmantelle und utopische Gemeinschaftsräume fanden ihren Weg in das Projekt. Gemeinsam begeben sich Alesandra Seutin und Stephanie Thiersch auf eine Reise, den Begriff „zu Hause“ zu dekonstruieren und die Möglichkeiten der Kultivierung eines gemeinsamen Gartens in einem Geflecht aus Kontinuität, Zyklen und sich verbindender Fäden.

Mit dem Performance-Konzert HELLO TO EMPTINESS war Stephanie Thiersch mit MOUVOIR 2022 zuletzt am tanzhaus nrw. Authentisch wie experimentell verhandeln die vielschichtigen Inszenierungen von MOUVOIR die wesentlichen Bereiche unseres modernen Lebens. Als kompromisslose Beobachterin seziert Stephanie Thiersch mit MOUVOIR ihre Umwelt: Popkultur, Philosophie und Bildende Kunst sind ihre Werkzeuge. Thiersch sieht ihre choreografische Arbeit in einem weiter gefassten Verständnis von interdisziplinärer Bewegungsforschung, die aktuell vor allem Musik in das choreografische Denken miteinbezieht.

Until the Beginnings entstand in einer transkontinentalen Kollaboration mit École des Sables und Alesandra Seutin. Die École des Sables ist ein internationales Zentrum für traditionellen und zeitgenössischen afrikanischen Tanz, eine Schule für theoretischen und praktischen Unterricht, ein Forschungslabor und ein Ort für Begegnungen und Austausch, Konferenzen und künstlerische Residenzen für Tänzer*innen und Choreograf*innen aus Afrika, der afrikanischen Diaspora und verschiedenen Kulturen aus der ganzen Welt. Seit 2020 ist Alesandra Seutin die künstlerische Leiterin der École des Sables. Die internationale Performerin, Choreografin und Dozentin wurde in Harare, Simbabwe, geboren. Sie studierte Tanz in Europa, Afrika, Asien und den Vereinigten Staaten. Außerdem absolvierte sie eine Ausbildung an der École des Sables in Senegal, wo sie Schülerin von Germaine Acogny war, die ihre Technik an sie weitergegeben hat. Heute ist Alesandra Seutin eine Botschafterin dieser Technik, die sie an der École des Sables und in der ganzen Welt unterrichtet.

Dauer: 75 Min.
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To begin again

Isn’t to go backwards

But to decide to go on.

(Amanda Gorman)

Beneath the canvas of global rhythms, Until the Beginnings orchestrates a vibrant dance-poem that brings together an international team of eight dancers from Senegal, Germany and France along with musicians from the field of percussion and rap.
The directors Alesandra Seutin (Artistic Director École des Sables, Senegal) and Stephanie Thiersch (Artistic Director MOUVOIR, Germany) of diverse realms, weave a choreographic tapestry challenging the essence of hospitality.
Current political enfoldings of the criminalisation of hospitality in many parts of the world as well as concepts of Jacques Derrida and Anne Dufourmantelle and utopian common spaces found their way into the project. Together, they embark on a journey of deconstructing the notion of "at-home" and exploring the possibilities of cultivating a shared garden in the tapestry of continuity, cycles, and interconnected threads.

Stephanie Thiersch and MOUVOIR most recently guested at tanzhaus nrw presenting performance concert HELLO TO EMPTINESS in 2022. Authentic as well as experimental, MOUVOIR´s multi-layered productions negotiate modern life’s essential fields. As an uncompromising observer, Stephanie Thiersch dissects her environment with MOUVOIR: pop culture, philosophy, and visual arts are her tools. Thiersch sees her choreographic work within a broader conception of interdisciplinary movement research, which currently primarily incorporates music into choreographic thinking.

Until the Beginnings was created in a transcontinental collaboration with École des Sables and Alesandra Seutin. École des Sables is an international centre for traditional and contemporary African dance, a school for theoretical and practical teaching, a research laboratory, and a place for encounters and exchanges, conferences and artistic residencies for dancers and choreographers from Africa, the African diaspora, and different cultures from around the world. Alesandra Seutin has been the artistic director at École des Sables since 2020. The international performer, choreographer, and lecturer was born in Harare, Zimbabwe. She studied dance in Europe, Africa, Asia, and the United States. She also completed her training at École des Sables in Senegal, where she was a student of Germaine Acogny, who passed on her technique. Today, Alesandra Seutin is an ambassador of this technique, which she teaches at École des Sables as well as around the globe.

Duration: 75 min.

In English, Wolof, Malagasy und French.

Programm
Vive la France
mit Werken von Gabriel Fauré, C. Debussy, C.Saint-Saens

Julia Weissmann, aufgewachsen in St. Petersburg, absolvierte ihr Konzertexamen an der Tschaikowski Musikhochschule Moskau. Sie war Konzertmeisterin in mehreren deutschen Sinfonieorchestern und arbeitet seit 2004 als freischaffende Konzertviolinistin und gefragte Musikpädagogin.

Olga Andryushchenko legte ihr Konzertexamen an der Hochschule für Musik und Theater Hannover ab. Sie gewann bedeutende Auszeichnungen auf internationalen Wettbewerben, konzertiert mit bekannten Orchestern und Drigenten, spielt zahlreiche CDs ein und ist ständiger Gast bei wichtigen Musikfestivals.

Einlass:14:30

Einlass: 19:00 Uhr

Duo.Popp.Roß
Jochen Roß, Mandoline
Jens-Uwe Popp, Gitarre

„Durch Raum und Zeit“
Werke von Johann Sebastian Bach, John Dowland, Enrique Granados, Jens-Uwe Popp, Jochen Roß und anderen

„Zwei Seelen – vier Hände – ein Klang…“ (Schleswig-Holsteinische Landeszeitung)


Mit Mandoline und Gitarre begibt sich das Duo.Popp.Roß auf eine Reise „Durch Raum und Zeit“. Seit 1997 reisen der Gitarrist Jens-Uwe Popp und der Mandolinist Jochen Roß musikalisch durch Jahrhunderte und über Kontinente - fasziniert von neuen Klangwelten, die sich für ihre Instrumente eröffneten. Die beiden Musiker verbindet eine grenzenlose Freude am Zu-spielen, Vertiefen, Verwerfen und Entwickeln musikalischer Gedanken. Diese enge Verbundenheit ist im aktuellen Programm in der Auswahl ihrer Lieblingsstücke zu hören, die organisch ineinanderfließen. Tänzerisch wandeln die beiden Instrumentalisten von John Dowland zu Enrique Granados, spannen einen Bogen von Eigenkompositionen zu Jazz-Meisterwerken von Jan Johansson und Esbjörn Svensson und lassen Epochengrenzen scheinbar ver-schwinden. Geprägt von Virtuosität, Eleganz, Dynamik und Tiefe entführt ihr bewundernswert ruhiges und intensives Spiel in Sphären der Ruhe und Besinnlichkeit.

Abendkasse ab 19 Uhr, Einlass ab 19:30 Uhr

HATCHED ENSEMBLE ist ein poetisches und emotional eindringliches Stück, es arbeitet mit diversem musikalischen Bewegungsmaterial aus der klassischen westlichen Tanzgeschichte und afrikanischen Tanzstilen und Vokalpartituren. HATCHED ENSEMBLE ist, wie der Titel andeutet, ein großes Gruppenstück. Das Ensemble aus zehn Tänzer*innen mit klassischer Ballettausbildung, einer Opernsängerin und einem Live-Musiker widmet sich dem zutiefst persönlichen und herausfordernden Themenkomplex der Körperpolitik. Nyamza und ihre Performer*innen entmystifizieren und dekonstruieren (Geschlechter-)Normen, sie entlarven sexistische und rassistische Zuschreibungen. Wer schon einmal einen Konflikt mit oder eine Verunsicherung der eigenen Identität gespürt hat, wird sich von HATCHED ENSEMBLE besonders angesprochen fühlen.
Die Choreografin, Tänzerin und Aktivistin Mamela Nyamza gehört zu den eigenwilligsten Stimmen der Tanzszene Südafrikas. Ihre expressiven und mutigen Arbeiten sind meist von dringenden, gesellschaftlichen Themen getragen. Mit HATCHED ENSEMBLE adaptiert Nyamza ihr vielbeachtetes Solostück HATCHED aus dem Jahr 2007, eine autobiografische Arbeit, in der die Choreografin ihre widerständige Biografie als lesbische Mutter und Künstlerin zwischen (Tanz-)Kulturen und Identitäten, zwischen Tradition und Transformation reflektiert.

“HATCHED ENSEMBLE powerfully conveys challenging issues of tradition. An insightful, thought-provoking, and deeply moving production” (Daily Dispatch, Sivenathi Gosa)

“Embracing Complexity and Identity in HATCHED ENSEMBLE: The mastery of the performance is its contrast” (CUE, VILIA DUBE)

Dauer: ca. 70 Min.
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HATCHED ENSEMBLE is a poetic and emotionally intense piece: it works with diverse musical movement material from classical Western dance history as well as African dance styles and vocal scores. HATCHED ENSEMBLE is, as the title suggests, a large group piece. The ten-strong dance ensemble with a background of classical ballet training, an opera singer and a live musician pursue the deeply personal and challenging topic of body politics. Nyamza and her performers demystify and deconstruct (gender) norms, exposing sexist and racist ascriptions. Anyone who has ever felt a conflict with or uncertainty about their own identity will feel particularly addressed by HATCHED ENSEMBLE.

Choreographer, dancer, and activist Mamela Nyamza is one of the most idiosyncratic voices on South Africa´s dance scene. Her expressive and courageous works are usually carried by urgent social issues. With HATCHED ENSEMBLE, Nyamza adapts HATCHED, her highly acclaimed 2007 solo piece, an autobiographical work in which the choreographer reflects on her resistant biography as a lesbian mother and artist between (dance) cultures and identities, between tradition and transformation.

“HATCHED ENSEMBLE powerfully conveys challenging issues of tradition. An insightful, thought-provoking, and deeply moving production” (Daily Dispatch, Sivenathi Gosa)

“Embracing Complexity and Identity in HATCHED ENSEMBLE: The mastery of the performance is its contrast” (CUE, VILIA DUBE)

Duration: ca. 70 min.

Freitag, 24. Mai 2024, 20 Uhr
Kulturforum Franziskanerkloster, Paterskirche

BachWerkVokal Salzburg
Leitung: Gordon Safari

J. S. Bach im Dialog mit dem katalanischen Barock-Komponisten Francisco Valls

Eine besondere, für das Ensemble aber typische Programmidee; für das Publikum eine spannende Entdeckung: Motetten von Johann Sebastian Bach in Verbindung mit Werken seines heutzutage vergessenen katalanischen Kollegen und Zeitgenossen Francisco Valls (1665-1747). Valls wirkte als Domkapellmeister in Barcelona und experimentierte mit Enharmonik und Chromatik in seinen Motetten und Villanellen, ja sogar mit Vierteltontechnik für Streichinstrumente. Mit seiner 1702 komponierten Messe „Scala Aretina“ und den darin verwendeten modernen Stilmitteln (wie zum Beispiel zahlreichen Dissonanzen) sorgte er seinerzeit für eine langanhaltende Diskussion in der musikalischen Fachwelt. Darüber hinaus komponierte er acht weitere Messen, Oratorien, Litaneien, Instrumentalmusik sowie mehrere mehrstimmige Motetten, von denen im heutigen Konzert eine Auswahl zu hören ist, aufgeführt von acht Sängerinnen und Sängern mit einer Basso-continuo-Begleitung.
Das 2015 gegründete Ensemble „BachWerkVokal Salzburg“ etablierte sich rasch als ein anerkanntes Ensemble für historische Aufführungspraxis in Österreich. Es gastiert regelmäßig in Deutschland, Österreich und der Schweiz. Daheim gestaltet es zudem eine eigene Konzertreihe in der Christuskirche Salzburg. Am Vorbild der Barockzeit orientiert, sind die Musikerinnen und Musiker gleichermaßen Solisten wie Tuttisten und schaffen so einen äußerst transparenten wie brillanten Klang. Ihre ersten beiden CDs wurden für den „Opus Klassik“ wie auch den „Preis der Deutschen Schallplattenkritik“ nominiert.

Einlass ca. 30 Minuten vor Konzertbeginn.

Duo.Popp.Roß

Jochen Roß, Mandoline

Jens-Uwe Popp, Gitarre

 

„Durch Raum und Zeit“

Werke von Johann Sebastian Bach, John Dowland, Enrique Granados, Jens-Uwe Popp, Jochen Roß und anderen

 

 „Zwei Seelen – vier Hände – ein Klang…“ (Schleswig-Holsteinische Landeszeitung)

Mit Mandoline und Gitarre begibt sich das Duo.Popp.Roß auf eine Reise „Durch Raum und Zeit“. Seit 1997 reisen der Gitarrist Jens-Uwe Popp und der Mandolinist Jochen Roß musikalisch durch Jahrhunderte und über Kontinente - fasziniert von neuen Klangwelten, die sich für ihre Instrumente eröffneten. Die beiden Musiker verbindet eine grenzenlose Freude am Zuspielen, Vertiefen, Verwerfen und Entwickeln musikalischer Gedanken. Diese enge Verbundenheit ist im aktuellen Programm in der Auswahl ihrer Lieblingsstücke zu hören, die organisch ineinanderfließen. Tänzerisch wandeln die beiden Instrumentalisten von John Dowland zu Enrique Granados, spannen einen Bogen von Eigenkompositionen zu Jazz-Meisterwerken von Jan Johansson und Esbjörn Svensson und lassen Epochengrenzen scheinbar verschwinden. Geprägt von Virtuosität, Eleganz, Dynamik und Tiefe entführt ihr bewundernswert ruhiges und intensives Spiel in Sphären der Ruhe und Besinnlichkeit.