„Happy New Year” Tour 2025

Über 50 Jahre und über 5000 Konzerte: Canadian Brass sind so bedeutend und historisch, dass sie eigentlich einen Platz im Museum verdient hätten. Aber zum Glück ist das Blechbläser-Ensemble dafür deutlich zu laut und zu lustig. „Musik macht Spaß, und zwar zuallererst einmal ihnen“, so hat der Münchner Merkur einst treffend die ansteckende Spielfreude der fünf Freunde umschrieben. Um bei seiner internationalen Konzerttätigkeit zwischen Carnegie Hall und Sesamstraße immer Bestform zu zeigen, hat das in Toronto gegründete Quintett sich über die Jahrzehnte stets erneuert – auch, was die Besetzung betrifft. Zwei Dinge haben sich aber nie geändert: Es klingt noch immer absolut fantastisch, und die Tuba spielt immer noch Chuck Daellenbach.

Auch die legendären Programme der alljährlichen Neujahrstournee polieren nicht nur die gelobten und geliebten Favoriten, sondern erhalten regelmäßig eine wohldosierte Frischzellenkur. Man darf sich daher auf ein neu gestaltetes Programm freuen, wenn das weltberühmte Bläserensemble zum Jahresbeginn 2025 nach Europa und eben auch zu den Albert Konzerten zurückkehrt. Mit goldglänzenden Instrumenten und Goldgräbergeist ausgestattet, siebt das Ensemble unermüdlich die wertvollsten Stücke aus der Musik von Jahrhunderten. So umfasst das Repertoire speziell arrangierte Werke der Renaissance, des Barock, der Klassik sowie Jazz-Standards und Pop-Songs – immer wieder auch von Weggefährten maßgeschneidert auf das Ensemble und seinen weltberühmten Canadian Brass-Sound.

Programm:
„Happy New Year” Tour 2025

Das Programm wird zu einem späteren Zeitpunkt bekannt gegeben.

EUR 59,- / 49,- / 37,- / 25,- / 19,- inkl. Gebühren

Canadian Brass | Foto © Natalie Endicott

Einlass 16:45 Uhr

Wolfgang Amadeus Mozart:
Idomeneo, Rè di Creta KV 366

Emiliano Gonzalez Toro, Idomeneo
Kateryna Kasper, Elettra
Olivia Vermeulen, Idamante
Polina Pastirchak, Ilia
Mark Milhofer, Arbace
Kresimir Spicer, Gran Sacerdote di Nettuno
Yannick Debus, La Voce

Zürcher Sing-Akademie
Freiburger Barockorchester
René Jacobs, Leitung


Die Freude bei Wolfgang Amadeus Mozart muss groß gewesen sein, als er Anfang 1780 den Auftrag erhielt, für den Münchner Kurfürsten Karl-Theodor eine Oper zu schreiben. Kurz zuvor war der Monarch von Mannheim nach Bayern übergesiedelt, wobei er sein legendäres Orchester, die Mannheimer Hofkapelle, mitnahm. So konnte Mozart bei der Komposition nicht nur auf ein großbesetztes, hervorragendes Orchester zurückgreifen, sondern auch auf eine illustre Sängerriege. Gemeinsam mit dem Librettisten Giambattista Varesco, der Mozart nicht immer zufriedenstellte, schuf er Idomeneo, Rè die Creta.
Die Oper steht singulär in Mozarts Schaffen. Einerseits trägt sie noch die Grundstruktur der traditionellen Opera seria, andererseits weist sie mit ihren umfangreichen Chor-Nummern schon in die Zukunft. Nicht zuletzt deswegen steht die Oper bei Mozart-Fans hoch im Kurs. Auch René Jacobs zählt Idomeneo zu seinen Lieblingsopern des Komponistengenies. Allein dieser Umstand lässt nach dem großen Erfolg von Monteverdis L‘Orfeo in der vergangenen Konzertsaison erneut ein Opernerlebnis der Extraklasse erwarten. Dies garantiert nicht nur ein akribisch forschender und arbeitender Dirigent, sondern auch ein spielfreudiges Orchester und erstklassige Gesangssolisten, die es mit der erwähnten Mannheimer Hofkapelle und der Sängerriege der Uraufführung in München mühelos aufnehmen können.


Ein kostenloser Einführungsvortrag findet um 18.15 Uhr im Rolf-Böhme-Saal statt.

Einführung: 18.15 Uhr, Rolf-Böhme-Saal

Buchbar ab dem 01.Juli 2024

Musikalische Komödie von Murat Yeginer, die die Zuschauer von der ersten Minute an in ihren Bann zieht.


Hamburg, Ende der 40er Jahre. Drei Frauen wollen sich ihren Traum erfüllen: Ein Konzert vor der Queen im Garten des Buckingham Palast. Aber dafür müssen sie einen Gesangswettbewerb gewinnen. Und das kann nur gelingen, wenn Fräulein Wunder mitmacht! Bei einem Vorsingen treffen sie aufeinander: Rosa, Aushilfslehrerin für Deutsch, Käthe, Schneiderin mit Opern-Ausbildung und Hilde, Melkerin und Jodlerin, das reinste Naturtalent. Gegründet werden soll eine Damenkapelle, genauer: eine Damenband, wie Captain John McGintley, der Organisator des »Anglo-German-Swing Festivals«, betont. Eine große Herausforderung - nicht nur für die drei so unterschiedlichen »German Frolleins«. Mit einem Augenzwinkern, überaus humorvoll doch gleichermaßen melancholisch und berührend, angereichert mit zahlreichen Liedern aus den 30er und 40er Jahren gelingt es Murat Yeginer eine Geschichte zu erzählen, die uns in ihren Bann zieht.
Angereichert ist sie mit vielen großen Hits der Swing-Ära, wie »Bei mir bistu scheyn«, »It Don\'t Mean A Thing (If It Ain\'t Got That Swing)«, »Cheek to Cheek« oder »Sing, sing, sing«.

Regie: Murat Yeginer
Aufführungsrechte: Drei Masken Verlag, Berlin

Das Stück ist Teil einer ABO-Reihe, die ab dem 25.6.24 im KulTourBüro verkauft wird, Einzeltickets ab dem 17.9.24 erhältlich.

Antonio Vivaldi:
Concerti per molti strumenti D-Dur RV 562 & F-Dur RV 571
Concerti per archi g-Moll RV 156
Concerto da Camera g-Moll RV 107
Concerti per due trombe C-Dur RV 537 & D-Dur RV 563
Concerto per flauto a-Moll RV 440

Freiburger Barockorchester
Cecilia Bernardini, Violine & Leitung


Mit seinen "Vier Jahreszeiten" schrieb Antonio Vivaldi Musikgeschichte. Doch diese vier Violinkonzerte stellen nur einen klitzekleinen Bruchteil im konzertanten Schaffen von Vivaldi dar. Fast 500 Konzerte verfasste er im Laufe seines Lebens – eine Anzahl, die fast so schwindelerregend ist wie deren Virtuosität. Doch Vivaldi beschränkte sich nicht nur auf Violinkonzerte, sondern schrieb für fast alle Instrumente, die zu seiner Zeit (mehr oder weniger) üblich waren: Fagotte, Trompeten, Flöten, Mandolinen usw.

Überaus reizvoll und abwechslungsreich sind die sogenannten "Concerti per molti strumenti", also Konzerte mit nicht nur einem Solo-Instrument haben, sondern gleich einer ganzen Gruppe, z.B. das Concerto in F-Dur 571, in dem zwei Oboen, ein Fagott, zwei Hörner, eine Violine und ein Cello solistisch mit dem übrigen Orchester wetteifern. Wie kein anderer Komponist seiner Zeit instrumentierte Vivaldi seine Konzerte also mit einer Vielzahl an Instrumenten, wodurch der Farbenreichtum seines Schaffens unerreicht blieb.
Auch in seinen Kammermusikkompositionen blieb Vivaldi dieser Farbigkeit treu, etwa im Kammerkonzert (Concerto da camera) in g-Moll RV 107 für Flöte, Oboe, Fagott, Violine und Basso continuo: trotz der kleinen Besetzung erinnert das Werk an die Extrovertiertheit seiner größer besetzten Konzerte, nicht zuletzt aufgrund der Passacaglia im Schlusssatz, einem hypnotischen Variationssatz, der mit seinen beabsichtigten Unregelmäßigkeiten für eine gewisse Exzentrik sorgt.


Ein kostenloser Einführungsvortrag findet um 19.15 Uhr im Rolf-Böhme-Saal statt.

Einführung: 19.15 Uhr, Rolf-Böhme-Saal

Buchbar ab dem 01.Juli 2024

Solo-Violine und Dirigent: Thomas Zehetmair
Programm: Eroica
Felix Mendelssohn und Ludwig van Beethoven


Felix Mendelssohn Konzert für Violine und Orchester e-Moll op. 64, Ludwig van Beethoven, Sinfonie Nr. 3 Es-Dur op. 55

Beethoven und Zehetmair scheinen seelenverwandt: zwei Getriebene auf der Suche nach den letzten Dingen in der Musik. Dass sich Zehetmair zusätzlich nach langer Zeit intensiv mit dem Mendelssohn-Violinkonzert auseinandersetzt, verspricht musikalischen Hochgenuss und die Chance auf Neuentdeckung eines berühmten Meisterwerks.
Das Stuttgarter Kammerorchester (SKO) wurde 1945 gegründet und ist eines der ältesten Kammerorchester weltweit. Thomas Zehetmair steht seit über zwanzig Jahren auf den Dirigentenpodien internationaler Orchester. Seit der Saison 2017/2020 ist er Chefdirigent des SKO und seit September 2023 Chef principal des Orchestre National d\'Auvergne. Der Österreicher ist auch Violinist und beschäftigt sich neben Werken des klassisch-romantischen Violinrepertoires auch intensiv mit Kompositionen der zeitgenössischen Musik.

Das Konzert ist Teil einer ABO-Reihe, die ab dem 25.6.24 im KulTourBüro verkauft wird, Einzeltickets ab dem 17.9.24 erhältlich.

Packend bis zum letzten Ton – Ein Klaviertrio komponieren? Oh nein, „das übersteigt meine Kräfte. Die Sache ist die, dass ich wegen der Veranlagung meines Gehörs die Verbindung von Klavier mit Geige oder Violoncello solo überhaupt nicht vertrage. Schon allein die Erinnerung an den Klang eines Trios verursacht mir einfach physisches Unbehagen.“ Verblüffende Worte, ausgerechnet von jenem Komponisten, aus dessen Feder keine zwei Jahre später das umfangreichste Klaviertrio seiner Zeit fließen sollte! Die Geburt von Tschaikowskys Trio op. 50 bedurfte eines zwingenden Anlasses, der in einem schmerzlichen persönlichen Verlust lag: Nach dem Tod seines engen Freundes Nikolai Rubinstein warf sich Tschaikowsky in eine Komposition zuvor nicht dagewesener Dimensionen, die „dem Andenken eines großen Künstlers“ nicht zuletzt durch ihren geradezu symphonischen Anspruch gerecht wurde.

Vermutlich hätte Tschaikowsky seine Weigerung auch schon früher aufgegeben, hätte er das Ensemble aus Antje Weithaas, Marie-Elisabeth Hecker und Martin Helmchen vor Ohren gehabt. Das Trio der drei Erzmusiker „ist so perfekt eingespielt, dass es blitzschnell agiert und feinste Kontraste hervorhebt. Der häufige Wechsel zwischen energischer Dramatik und lyrischen Ausdruck durch plötzliches Zurücknehmen erfolgt so dynamisch, dass die Interpretationen bis zum letzten Ton in Atem halten.“ (Lippisches Kultur-Journal) Das Geschick, mit welchem die drei solistisch gefeierten Größen ihre Persönlichkeiten zu einer kammermusikalischen Einheit amalgamieren, verspricht auch Schuberts Klaviertrio in B-Dur zum Erlebnis zu machen: Obwohl krank und beinahe mittellos, erfand das damals unterschätzte Genie noch ein mit melodischen Einfällen, satztechnischen Überraschungen und lyrischen Paradiesaugenblicken gespicktes Meisterwerk.

Programm:
Schubert, Klaviertrio B-Dur D 898
Tschaikowsky, Klaviertrio a-Moll op. 50

Antje Weithaas, Violine
Marie-Elisabeth Hecker, Violoncello
Martin Helmchen, Klavier

EUR 59,- / 47,- / 34,- inkl. Gebühren

Antje Weithaas | Foto © Marco Borggreve, Martin Helmchen | Foto © Ole Schwarz, Marie-Elisabeth Hecker | Foto © Ole Schwarz

Einlass 19:00 Uhr

Georg Philipp Telemann: Ouverture-Suite G-Dur TWV 55:G2 „La Bizarre“
Georg Friedrich Händel: Ah, mio cor! aus Alcina HWV 34 · Where shall I fly aus Hercules HWV 60
Henry Purcell: Curtain tune aus Timon of Athens Z. 632 · Mad Bess of Bedlam
Antonio Vivaldi: Concerto Il Proteo · Alma oppressa aus La fida ninfa RV 714 · Sonata La Follia Op. 1 Nr. 12 RV 63
Jan Dismas Zelenka: Hipocondrie á 7 ZWV 187

Carolyn Sampson, Sopran
Freiburger Barockorchester
Cecilia Bernardini, Violine & Leitung

Sie durfte in (fast) keiner barocken Oper, egal ob in Frankreich, England oder Italien fehlen: die „Mad-Scene“ bzw. die „Mad-Aria“, also eine Wahnsinnsszene bzw. -Arie. In diesen Passagen trieben die Komponisten die Protagonisten ihrer Opern sprichwörtlich in den Irrsinn: wahnhafte Fröhlichkeit wird gepaart mit surrealen Ängsten, der Realitätsbezug kommt den Opernfiguren in diesen Szenen völlig abhanden. Dies bot den Komponisten natürlich mannigfaltige Möglichkeiten, die kompositorischen Konventionen ihrer Zeit zu durchbrechen: harsche Harmonien, abgebrochene Phrasen und zerfahrene Koloraturen prägen die Musik der Mad-Scenes.
Gemeinsam mit der britischen Sopranistin Carolyn Sampson, einer langjährigen Wegbegleiterin und Freundin des FBO, widmen wir uns genau diesen Wahnsinns-Arien mit Werken der Meister Henry Purcell, Antonio Vivaldi und Georg Friedrich Händel.
Doch nicht nur in der Oper spielte der Wahnsinn eine Rolle, sondern auch im Bereich der Instrumentalmusik. Die prominentesten Bespiele hierfür sind sicherlich die zahlreichen Follia-Vertonungen, u.a. von Vivaldi. Daneben existieren weitere Kompositionen, die allerlei Verrücktheiten aufweisen, etwa Jan Dismas Zelenkas "Hipocondrie" oder Georg Philipp Telemanns Ouvertüre "La Bizarre".


Ein kostenloser Einführungsvortrag findet um 19.15 Uhr im Rolf-Böhme-Saal statt.

Einführung: 19.15 Uhr, Rolf-Böhme-Saal

Buchbar ab dem 01.Juli 2024

Gesang, Schweben, Liebe – Was lange währt, wird wundervoll – so könnte man die Entstehung von Jörg Widmanns 2017 vollendetem Klarinettenquintett überschreiben, das erst nach einer Reifezeit von rund acht Jahren zu Papier gebracht werden wollte: „Ich spürte sofort, dass sich das Warten gelohnt hatte, die Musik strömte nur so aus mir heraus.“ Schon 2009 hatte das Hagen Quartett ein gemeinsames Werk angeregt; doch wer die Musik und insbesondere die Klarinettenliteratur so sehr liebt wie Jörg Widmann, reiht sich nicht leichtfertig mal eben bei Mozart, Brahms & Co ein. Und so hört man dem fertigen Werk das Bewusstsein für die Tradition an, in der das große einsätzige Adagio steht und auf die es immer wieder durch motivische und atmosphärische Elemente Bezug nimmt. „Gesang, Schweben, Liebe: in kaum einem anderen Stück habe ich mich diesen Topoi so hemmungslos gewidmet wie in diesem meinem Klarinettenquintett.“

Widmanns Quintett im Konzert mit Mozarts Inspiration liefern dem KV 581 zu kombinieren, bleibt eine geniale Paarung. Nicht nur musikalisch, sondern auch weil sie beide klingende Dokumente von Künstlerfreundschaften darstellen: „Auch das Wissen darum, das Werk gemeinsam mit dem Hagen Quartett zur Uraufführung zu bringen, beflügelte mich“, so Widmann. „Mit wohl keinem anderen Streichquartett verbindet mich eine so innige und intensive gemeinsame Geschichte.“ Musikalisch auf Augenhöhe zu sein, ist in Widmanns Klarinettenquintett um so wichtiger, da die Streicher weniger Begleiter der Klarinette sind, als vielmehr deren angeregte Dialogpartner. Im Falle von Mozart ist bekannt, dass wir das Klarinettenquintett A-Dur seinem Freund und Logenbruder Anton Stadler verdanken: Dessen Fähigkeiten als Klarinettist waren so klare Inspiration, dass das Werk damals schon den Kosenamen „des Stadlers Quintett“ erhielt.

Programm:
Widmann, Klarinettenquintett (2017)
Mozart, Klarinettenquintett A-Dur KV 581 „Stadler-Quintett"

Jörg Widmann, Klarinette
Hagen Quartett

EUR 63,- / 51,- / 37,- inkl. Gebühren

Jörg Widmann | Foto © Marco Borggreve

Einlass 19:00 Uhr

Julias Steckel, Violoncello
Benjamin Shwartz, Dirigen
Programm: Smetana, Dvorak, Bartók

Steckel spielt wie jemand, der etwas Lebendiges zu teilen hat. »Als Interpret vertraue
ich meiner inneren Landschaft immer mehr und lasse das Publikum hinein. Es ist
eine Verwundbarkeit, die einen letztlich aber stärker macht,« beschreibt der Cellist Julias Steckel sein Spiel, das von einer Mühelosigkeit bestimmt ist, die keine technischen Grenzen zu kennen scheint. Steckels Solokarriere startete nach dem Gewinn des ARD Musikwettbewerbs 2010. Seitdem trat er mit zahlreichen bekannten Orchestern weltweit auf. In Lahr ist er nun gemeinsam mit dem Staatsorchester Rheinische Philharmonie zu erleben.
Der 1979 in Los Angeles geborene Benjamin Shwartz ist seit der Spielzeit 2022/23 Chefdirigent des Staatsorchesters Rheinische Philharmonie.
Er studierte am renommierten Curtis Institute in Phila¬delphia. Schon früh kam er in Kontakt mit bedeu¬tenden Diri¬genten, die ihn nach¬haltig beein¬flussten: In Phila-delphia arbeitete er mit Christoph Eschenbach zusammen, in San Francisco mit Michael Tilson Thomas. Als enga¬gierter Verfechter der Neuen Musik hat Shwartz viele Werke von Kompo¬nisten seiner Gene¬ration uraufgeführt.

Das Konzert ist Teil eines Reihenabos, welches ab dem 25.6. im KulTourBüro verkauft wird. Einzelkarten ab dem 17.9. erhältlich.

Solo für zwei – „Einsam fühlt man sich, wenn man allein am Klavier sitzt“, heißt es in einem Interview mit Yaara Tal und Andreas Groethuysen – und warum sollte man sich das antun, wenn es doch gemeinsam viel schöner ist? Seit rund vier Jahrzehnten zaubert das Pianopaar Konzerterlebnisse in perfektem Einklang, der in ihren sympathischen Interviews ebenso greifbar ist wie in der wortlosen Kommunikation ihrer Auftritte. Beim Albert-Abend hat das gefeierte Klavierduo Transkriptionen von Werken Bachs und Mozarts im Gepäck, die von einer bunten Bearbeiterschar stammen – von Nietzsches komponierendem Jugendfreund Gustav Krug über den heute vor allem aus kirchlichem Kontext bekannten Joseph Rheinberger bis zum kaum bekannten Busoni-Schüler Gino ­Tagliapietra.­

Groethuysen betont, dass die Übertragung auf zwei Klaviere auch immer ein künstlerisch schöpferischer Vorgang ist; alle Bearbeitungen stellen „mit ihren Ergänzungen und Zusätzen bereits eine Interpretation dieses Werks dar.“ Während er Klavierfassungen ­orchestraler Werke dabei mit Schwarz-Weiß-Fotografien vergleicht, welche Struktur und Details stärker sichtbar machen, dürfte beim Vergrößern von Werken auf zweivolle Klaviaturen die Farbpalette eher erweitert werden. Ein spannendes Experiment in diesem Feld ist Edvard Griegs Beschäftigung mit den Sonaten seines Lieblingskomponisten Mozart, bei der er den original belassenen Notentext durch die „frei hinzukomponierte Begleitung eines 2. Klaviers“ ergänzte. Dies führte schon bei Zeitgenossen zu Debatten über unzulässige „Norwegisierung“ des Meisters, doch Grieg fand: „Vieles davon klingt hervorragend, in der Tat so gut, dass ich Anlass zur Hoffnung habe, dass Mozart sich nicht im Grabe umdrehen muss.

Programm:
BACH MEETS MOZART. Transkriptionen für zwei Klaviere
Bach, Brandenburgisches Konzert Nr. 6 B-Dur BWV 1051 (arr. Krug)
Mozart, Variationen über „Ein Weib ist das herrlichste Ding“ F-Dur KV 613 (arr. Rheinberger)
Bach, Präludium und Fuge Es-Dur BWV 552 (arr. le Fleming)
Mozart, „Sonata facile“ C-Dur KV 545 (arr. Grieg)
Mozart, Fantasie c-Moll KV 475 (arr. Grieg)
Bach, Passacaglia c-Moll BWV 582 (arr. Tagliapietra)

Yaara Tal & Andreas Groethuysen, Klavier

EUR 59,- / 47,- / 34,- inkl. Gebühren

Tal-Groethuysen | Foto © Michael Leis

Einlass 19:00 Uhr

Johann Sebastian Bach: Johannes-Passion BWV 245

Raphael Höhn, Evangelist
Vox Luminis
Freiburger, Barockorchester
Lionel Meunier, Leitung


Der Komponist Hans Werner Henze urteilte über Johann Sebastian Bachs "Johannes-Passion":
„In dieser Musik kommen Dinge zur Sprache, die bis dahin mit Tönen zu sagen niemand gewagt, niemand vermocht oder auch nur versucht hatte.“ John Eliot Gardiner attestiert außerdem schon dem Eingangschor der Passion eine „unerreichte Bildhaftigkeit.“ Es ist eben diese Bildhaftigkeit, gepaart mit einer hochkomplexen Kompositionskunst, die Bachs Passionen so einzigartig machen. Wenngleich die "Johannes-Passion", die von Bachs Zeitgenossen als zu „opernhaft“ kritisiert wurde, stets im Schatten der Matthäus-Passion stand, kann sie einem direkten Vergleich durchaus standhalten.
Allerdings macht ein Vergleich der beiden Werke nur bedingt Sinn. Während die "Matthäus-Passion" als kontemplativ gilt, wird die "Johannes-Passion" als dramatisch beschrieben. Dies liegt in erster Linie an den verschiedenen Passions-Berichten der beiden Evangelisten. Durch die textliche Vorlage ist die Passion nach Johannes nicht nur kürzer, sondern auch zugespitzter, bisweilen sogar aggressiver.
Doch alle Vergleiche erübrigen sich, wenn man sich ganz der fantastischen Musik hingibt, für die das belgische Vokalensemble Vox Luminis, mit dem wir bereits Bachs "h-Moll-Messe" im Oktober aufführen, der ideale Musizierpartner ist. Die klaren Stimmen der Ensemblemitglieder, die lupenreine Intonation und die präzise Aussprache harmonieren ideal mit Bachs Werken.


Ein kostenloser Einführungsvortrag findet um 17.15 Uhr im Rolf-Böhme-Saal statt.

Einführung: 17.15 Uhr, Rolf-Böhme-Saal

Buchbar ab dem 01.Juli 2024

Das spontane Konzertformat von FBO und Ensemble Recherche in ihrem Probendomizil!

Unter dem Titel „Schlag 6“ gestalten Musiker: innen beider Ensembles als Solisten oder in kleinen oder größeren Formationen einen kurzweiligen musikalischen Abend mit Überraschungsprogramm ohne Pause.
Welches der beiden Ensembles den Abend gestalten wird und mit welchem Programm, wird vorab nicht verraten. Lassen Sie sich überraschen!

Diese Veranstaltung ist kostenlos. Kein Ticketkauf oder Anmeldung notwendig.

Auf Schatzsuche – Dass die Starnberger Cellistin Raphaela Gromes und der Münchner Pianist Julian Riem auf der gleichen Wellenlänge sind, merkten beide schon bei den ersten Takten ihres Zusammenspiels beim Richard-Strauss-Wettbewerb 2012 – nur einem der Wettbewerbssiege der „Rising Star“-Cellistin mit der unwiderstehlich ansteckenden Begeisterung. Gemeinsam betreten sie seither auch Abenteuerpfade durchs Repertoire, wie im aktuellen Programm, das Komponistinnen aus unterschiedlichen Epochen der Musikgeschichte in den Fokus rückt.

Während Nadia Boulanger als die Königmacherin der Moderne anerkannt ist und eine Persönlichkeit wie Lera Auerbach als Komponistin mindestens so hoch geschätzt wird wie als Virtuosin, war seinerzeit bei Clara Wieck alle Sorge des Vaters berechtigt, dass seine genial begabte Tochter ihre Talente den Ambitionen ihres Verehrers Schumann opfern würde. Auch Clara Schumanns Freundin Pauline Viardot-Garcia wurde zwar als maßstabsetzende Opernsängerin gewürdigt – aber wer kennt ihr umfangreiches kammermusikalisches Oeuvre?

Selbst um die Jahrhundertwende war noch viel Aufbauarbeit für die studierte Komponistin und Dirigentin Elisabeth Kuyper übrig, die sich in den 1910er und 1920er Jahren um die Gründungen der ersten vorwiegend mit Frauen besetzten Klangkörper verdient machte. Das Gastspiel von Gromes und Riem bietet daher eine ganze Reihe wertvoller Entdeckungen, handverlesen aus dem Katalog der 23 Komponistinnen aus neun Jahrhunderten, die die Cellistin für das auch als Doppelalbum veröffentlichte Projekt „Femmes“ ausgewählt hat. Und das Presse-Echo ist einhellig: „Femmes ist eine künstlerisch erstklassige Schatztruhe. Und ein entschlossener Schritt für die Musikwelt – nach vorne!“ (hr2-kultur)

Programm:
FEMMES
Lera Auerbach, 6 Präludien für Violoncello und Klavier op. 24
Henriette Bosmans, Sonate für Violoncello und Klavier
Clara Schumann, Drei Romanzen für Violine und Klavier (arr.Riem)
Pauline Viardot-Garcia, 3 Stücke aus Six Morceaux VWV 3003
Elisabeth Kuyper, Ballade
Nadja Boulanger, Trois Pièce

Raphaela Gromes, Violoncello
Julian Riem, Klavier

Mit freundlicher Unterstützung derFreunde und Förderer der Albert Konzerte e.V.

EUR 49,- / 39,- / 27,- inkl. Gebühren

Raphaela Gromes | Foto © wildundleise

Einlass 19:00 Uhr

Georg Friedrich Händel:
Tamerlano, Dramma per Musica HWV 18


Paul-Antoine Bénos-Dijan, Tamerlano
Thomas Walker, Bajazet
Polina Pastirchak, Asteria
Alexander Chance, Andronico
Helena Rasker, Irene
Matthias Winckhler, Leone
René Jacobs, Leitung


Unter Kennern gilt Georg Friedrich Händels "Tamerlano" schon lange als Geheimtipp, der sich vor den berühmteren Opern des Komponisten, v.a. "Giulio Cesare", "Alcina" oder "Rinaldo", keineswegs verstecken muss. Dass es die Oper heute schwerer hat, sich gegenüber ihren „großen“ Schwestern durchzusetzen, hat vielleicht damit zu tun, dass im "Tamerlano" nicht etwa ausladende, halsbrecherische Arien im Zentrum stehen, sondern ausgefeilte, vielgestaltige Rezitative, in denen Händel mit dramaturgischen Meisterleistungen die Handlung vorantreibt und die Personen charakterisiert. So ergibt sich eine Oper, die mehr ein Psychogramm und weniger eine Revue im barocken Sinne ist. Außerdem übergab Händel die (Haupt-)Rolle des Bajazit einem Tenor, nicht wie gewohnt einem Kastraten. Ungewöhnlich ist auch, dass er die Selbstmordszene des vom grausamen Tamerlano gedemütigten Bajazit beinahe auf offener Bühne stattfinden lässt. In teilweise klirrendem Fis-Dur haucht der Held sein Leben aus, bis er sich – gestützt von seiner Tochter Asteria – den Augen des schaudernden Publikums entzieht.
Schon Zeitgenossen bemerkten die ungemeine Qualität der Komposition und lobten besonders die „gefälligen Melodien“ und die „angenehmen Effekte“. René Jacobs selbst, der unsere "Tamerlano"-Aufführungen leiten wird, hebt besonders das Libretto von Nicola Francesco Haym hervor, das er für eines der stärksten Opern-Libretti bei Händel hält.


Ein kostenloser Einführungsvortrag findet um 18.15 Uhr im Rolf-Böhme-Saal statt.

Einführung: 18.15 Uhr, Rolf-Böhme-Saal

Buchbar ab dem 01.Juli 2024