Performance language: English

Credits:
Adapted by T.J. Yacap
Director: Bailey Hubbs
Cast: Sofia Arvanitaki, Anna Banica, Kellani Marilyn, Vova Novak, Anna Paukša, T.J. Yacap
Assistant Director and Stage Manager: Miriam Gurguta;
Creative Producer: T.J. Yacap
Executive Producer: Anna Banica;
Dramaturgy: Sofia Arvanitaki, T.J. Yacap
Choreographer: Kellani Marilyn
Costume and Set Design: Bailey Hubbs
Light Design: Katarzyna Gulinska
Video & editing: Anna Banica, Bailey Hubbs
Animations: Chris Pinnock
Original score by Bailey Hubbs and Rusty Hubbs

Special thanks to Jacob Wolf Lefton, our Acting Coach

Poster photo by Miriam Gurguta

Running time: 90 mins, no break

Show description:
War is a devastating, inhumane, torturous experience - and we can only begin to understand its consequences by hearing and seeing the stories of those truly affected by it. Unfortunately, war continues to spread trauma and loss across the whole world, which is why Euripides’ tragedy is somehow still as relevant today, nearly 2500 years after its original production in ancient Athens.

The play starts at the end of Trojan War, where the widowed women of Troy huddle around Queen Hecuba, struggling to survive as they wait for the Greek herald, Talthybius, to unveil their faith. In this scenery, Hecuba has to maintain her authority, resilience and status around the women, while dealing with the loss of her children, her home, her throne and her heirs. Who is really to blame for the Trojan war: the Gods, the Greeks, or Helen’s “face that launched a thousand ships”? We invite spectators to draw their own conclusions, following this challenging and dramatic piece of theater.

Adapted for modern audiences by dramaturg T.J. Yacap and directed by Bailey Hubbs, Expat Theater’s ensemble will present a post-tragedy play that delves into the idea of grief through the lens of the divine feminine, while remaining faithful to the original text. The play examines how storytelling and satire bring much needed light and hope in a destitute landscape devastated by war. The action happens in an imagined bunker, where the war-stricken women take shelter, surrounded by all sorts of remains and objects they could gather to aid their survival. Our company hopes to breathe new life into this timeless production by showing war and degradation repetitive in nature, regardless of place and time and how society’s ideas of “womanhood”, “duty”, “motherhood” and “hope” can have many different layers in the face of tragedy.

About the artists:
Expat Theater is a collective of professional, international artists based in Berlin founded in 2023. Our cast and crew members immigrated to Germany within the past few years from countries such as Romania, Latvia, Greece, the United States of America, Sweden and Poland, in order to get an education and pursue a career in the arts. Our company came together out of our need to feel represented within Berlin’s multicultural scene and English-speaking audiences.

“Trojan Women” is only the first example of the type of work we are envisioning to create. Our mission is to represent Berlin’s international community and provide a growing performance space in English, for artists with immigration background, whose voices need to be heard.

Kassenöffnung um 18:00 Uhr

Mit seinem speziellen Humor, der ihn gleichermaßen liebevoll wie amüsiert auf seine zahlreichen "seltsamen Angewohnheiten" blicken lässt, hat er sich längst einen festen Platz auf den Bühnen der Hauptstadt erspielt. Man kennt ihn, obwohl er zu den Jüngsten im Berliner Comedy-Underground zählt: Ivan Thieme. Nun präsentiert er mit "Fühl ich" sein erstes, abendfüllendes Solo.

Am liebsten erzählt er in seinen Jokes aus seinem Alltag - und wirkt dabei gern mal etwas unbeholfen oder sogar ein bisschen verlegen. Allerdings trügt der Schein. Zumindest ein bisschen. Denn Ivan hat nicht nur eine ganz eigene Sicht auf die Welt, sondern hat es auch faustdick hinter den Ohren. Als scharfsinniger Beobachter trifft er mit seinen selbstironischen Schilderungen, die oft unerwartete, Wendungen nehmen, regelmäßig ins Schwarze: Ob sprachliche Hürden, hoffnungslose Tinder-Experimente oder peinliche Begegnungen in der Eisdiele, die Auswirkungen von Corona auf Beziehungen und Dating, das Leben in der Großstadt oder die Erziehungsmethoden der ukrainischen Mutter - Ivan vermag allem und jedem mindestens eine hervorragende Pointe abzugewinnen. Seine Betrachtungen sind einerseits sehr subjektiv, aber gleichzeitig so universell, dass man sich fast schon zwangsläufig in ihnen wiederfindet und deshalb nicht über, sondern mit ihm lachen kann. Vielleicht ist Ivan (noch) zu jung, um sarkastisch oder zynisch zu sein. Wahrscheinlicher ist allerdings, dass es ihm einfach nicht liegt. Er spottet. Leidenschaftlich. Aber er verhöhnt nicht. Wie er sich selber und die Szenen, in denen er sich wiederfindet, wahrnimmt, ist irgendwie sanft. Und zugetan. Deshalb kann es auch vorkommen, dass Ivan auf der Bühne genauso lachen muss, wie sein Publikum im Saal. Und das amüsiert sich garantiert - auf eine ganz besondere, da herrlich leichte und unbeschwerte Art.

Foto: Kathrin Reichel

Kassenöffnung um 19:00 Uhr

Mit seinem speziellen Humor, der ihn gleichermaßen liebevoll wie amüsiert auf seine zahlreichen "seltsamen Angewohnheiten" blicken lässt, hat er sich längst einen festen Platz auf den Bühnen der Hauptstadt erspielt. Man kennt ihn, obwohl er zu den Jüngsten im Berliner Comedy-Underground zählt: Ivan Thieme. Nun präsentiert er mit "Fühl ich" sein erstes, abendfüllendes Solo.

Am liebsten erzählt er in seinen Jokes aus seinem Alltag - und wirkt dabei gern mal etwas unbeholfen oder sogar ein bisschen verlegen. Allerdings trügt der Schein. Zumindest ein bisschen. Denn Ivan hat nicht nur eine ganz eigene Sicht auf die Welt, sondern hat es auch faustdick hinter den Ohren. Als scharfsinniger Beobachter trifft er mit seinen selbstironischen Schilderungen, die oft unerwartete, Wendungen nehmen, regelmäßig ins Schwarze: Ob sprachliche Hürden, hoffnungslose Tinder-Experimente oder peinliche Begegnungen in der Eisdiele, die Auswirkungen von Corona auf Beziehungen und Dating, das Leben in der Großstadt oder die Erziehungsmethoden der ukrainischen Mutter - Ivan vermag allem und jedem mindestens eine hervorragende Pointe abzugewinnen. Seine Betrachtungen sind einerseits sehr subjektiv, aber gleichzeitig so universell, dass man sich fast schon zwangsläufig in ihnen wiederfindet und deshalb nicht über, sondern mit ihm lachen kann. Vielleicht ist Ivan (noch) zu jung, um sarkastisch oder zynisch zu sein. Wahrscheinlicher ist allerdings, dass es ihm einfach nicht liegt. Er spottet. Leidenschaftlich. Aber er verhöhnt nicht. Wie er sich selber und die Szenen, in denen er sich wiederfindet, wahrnimmt, ist irgendwie sanft. Und zugetan. Deshalb kann es auch vorkommen, dass Ivan auf der Bühne genauso lachen muss, wie sein Publikum im Saal. Und das amüsiert sich garantiert - auf eine ganz besondere, da herrlich leichte und unbeschwerte Art.

Foto: Kathrin Reichel

Kassenöffnung um 19:00 Uhr

Das Stück basiert auf langen Interviews, die zu Monologen verkürzt worden, ohne die Art und Weise zu verändern, wie sich die Interviewpartner*innen ausgedrückt haben. Berührende menschliche Geschichten machen den Klimawandel greifbar, sichtbar und hörbar. Voller Bilder und Details.

Aufführung in englischer Sprache mit deutscher, arabischer und französischer Übertitelung

Die Mittelmeer-Monologe von Regisseur Michael Ruf erzählen von Menschen, die den riskanten Weg über das Mittelmeer auf sich nehmen, in der Hoffnung, in Europa in Sicherheit leben zu können – von libyschen Küstenwachen, italienischen Seenotrettungsstellen und deutschen Behörden, die dies verhindern und von Aktivist*innen, die dem Sterben auf dem Mittelmeer etwas entgegen setzen.
Es ist, als ob die Schauspieler*innen die Menschen im Publikum direkt ansprechen, ihnen die Hand reichen und sie reinziehen in eine Welt, die die Zuschauer*innen von nun an nicht mehr kalt lassen wird: verwickelt, verschlungen, verbunden und vernetzt mit den Protagonist*innen der Mittelmeer-Monologe folgt das Publikum gespannt den Wegen der erzählten Geschichten. Wenn die Schauspieler*innen flüstern, schweigen, behutsam ein Wort in den Raum werfen, dann und wann lauter werden, fordernd oder wütend die Stimme anheben, einmal sogar beinah schreien, dann dringen die Töne nicht abstrakt zu den Zuschauer*innen, dann wird das Publikum ganz direkt und in all ihrer Körperlichkeit von dem Gesagten getroffen und berührt. Wenn die Schauspielerin das Publikum anschaut, dann wird dieses in das Geschehen einbezogen, von dem es weiß und glaubt, dass es so in Wirklichkeit stattgefunden hat.
Im Anschluss jeweils Publikumsgespräche mit Aktivist*innen.
— Übertitel in arabisch, englisch und französisch

Mit englischer, arabischer und französischer Übertitelung

M.C. Escher hat einige der geistig anregendsten Bilder aller Zeiten geschaffen. Seine Werke beschäftigen sich mit der Darstellung perspektivischer Unmöglichkeiten, ihren Ursprung haben sie im Paradoxen, der optischen Täuschung oder der Doppeldeutigkeit. Escher rüttelt an Gewissheiten und vermeintlichen Sicherheiten und lädt ein, gesellschaftliche Realitäten kritisch zu betrachten und zu hinterfragen. In einer bildgewaltigen Tanz-Performance spürt die Choreographin Linda Weißig Eschers Erbe nach. Gemeinsam mit der Sound- und Videodesignerin Adi Kum werden seine komplexen Bilderwelten in Bewegung und Klang übersetzt.

M.C. Escher hat einige der geistig anregendsten Bilder aller Zeiten geschaffen. Seine Werke beschäftigen sich mit der Darstellung perspektivischer Unmöglichkeiten, ihren Ursprung haben sie im Paradoxen, der optischen Täuschung oder der Doppeldeutigkeit. Escher rüttelt an Gewissheiten und vermeintlichen Sicherheiten und lädt ein, gesellschaftliche Realitäten kritisch zu betrachten und zu hinterfragen. In einer bildgewaltigen Tanz-Performance spürt die Choreographin Linda Weißig Eschers Erbe nach. Gemeinsam mit der Sound- und Videodesignerin Adi Kum werden seine komplexen Bilderwelten in Bewegung und Klang übersetzt.

Die Mittelmeer-Monologe von Regisseur Michael Ruf erzählen von Menschen, die den riskanten Weg über das Mittelmeer auf sich nehmen, in der Hoffnung, in Europa in Sicherheit leben zu können – von libyschen Küstenwachen, italienischen Seenotrettungsstellen und deutschen Behörden, die dies verhindern und von Aktivist*innen, die dem Sterben auf dem Mittelmeer etwas entgegen setzen.
Es ist, als ob die Schauspieler*innen die Menschen im Publikum direkt ansprechen, ihnen die Hand reichen und sie reinziehen in eine Welt, die die Zuschauer*innen von nun an nicht mehr kalt lassen wird: verwickelt, verschlungen, verbunden und vernetzt mit den Protagonist*innen der Mittelmeer-Monologe folgt das Publikum gespannt den Wegen der erzählten Geschichten. Wenn die Schauspieler*innen flüstern, schweigen, behutsam ein Wort in den Raum werfen, dann und wann lauter werden, fordernd oder wütend die Stimme anheben, einmal sogar beinah schreien, dann dringen die Töne nicht abstrakt zu den Zuschauer*innen, dann wird das Publikum ganz direkt und in all ihrer Körperlichkeit von dem Gesagten getroffen und berührt. Wenn die Schauspielerin das Publikum anschaut, dann wird dieses in das Geschehen einbezogen, von dem es weiß und glaubt, dass es so in Wirklichkeit stattgefunden hat.
Im Anschluss jeweils Publikumsgespräche mit Aktivist*innen.
— Übertitel in arabisch, englisch und französisch

Mit englischer, arabischer und französischer Übertitelung

M.C. Escher hat einige der geistig anregendsten Bilder aller Zeiten geschaffen. Seine Werke beschäftigen sich mit der Darstellung perspektivischer Unmöglichkeiten, ihren Ursprung haben sie im Paradoxen, der optischen Täuschung oder der Doppeldeutigkeit. Escher rüttelt an Gewissheiten und vermeintlichen Sicherheiten und lädt ein, gesellschaftliche Realitäten kritisch zu betrachten und zu hinterfragen. In einer bildgewaltigen Tanz-Performance spürt die Choreographin Linda Weißig Eschers Erbe nach. Gemeinsam mit der Sound- und Videodesignerin Adi Kum werden seine komplexen Bilderwelten in Bewegung und Klang übersetzt.

M.C. Escher hat einige der geistig anregendsten Bilder aller Zeiten geschaffen. Seine Werke beschäftigen sich mit der Darstellung perspektivischer Unmöglichkeiten, ihren Ursprung haben sie im Paradoxen, der optischen Täuschung oder der Doppeldeutigkeit. Escher rüttelt an Gewissheiten und vermeintlichen Sicherheiten und lädt ein, gesellschaftliche Realitäten kritisch zu betrachten und zu hinterfragen. In einer bildgewaltigen Tanz-Performance spürt die Choreographin Linda Weißig Eschers Erbe nach. Gemeinsam mit der Sound- und Videodesignerin Adi Kum werden seine komplexen Bilderwelten in Bewegung und Klang übersetzt.

Inzwischen zur festen Größe in der Region hat sich der „Jedermann“ gemausert. Jährlich wird das „Spiel vom Sterben des reichen Mannes“ von Hugo von Hofmannsthal aufgeführt, inzwischen ist es nach fulminantem Start in Altlandsberg im Rüdersdorfer Museumspark etabliert. Das regionale Ensemble begeistert rund um den ›Jedermann‹, der kurz vor seinem Tod sein ausschweifendes Leben bereut, den fast schon komödiantischen ›Tod‹ sowie die erotische ›Buhlschaft‹ mit einer frischen, bunten Inszenierung des Klassikers – mit eigens komponierter Musik von Thomas Heyn. Aufgeführt wird an der im Schatten liegenden Uferwiese am Uhrenturm, einem traumhaften Ort zu Pfingsten.

An award-winning production by Brokentalkers exploring mental health and human rights in the Irish prison system.

The Examination is the outcome of a 12-month research period, that saw Brokentalkers’ directors Gary Keegan and Feidlim Cannon hold theatre workshops and interviews with life sentence prisoners and former prisoners in various settings including Mountjoy Prison and PACE Training and Education Services. They have also drawn on wider historical analysis undertaken by Associate Professor Catherine Cox (UCD) and Professor Hilary Marland.

Kindly Supported by Culture Ireland

Best Production – Irish Times Theatre Awards 2020
Best Soundscape (Denis Clohessy) – Irish Times Theatre Awards 2020
Best Production – Dublin Fringe Festival 2019
Best Performer (Willie White) – Dublin Fringe Festival 2019

An award-winning production by Brokentalkers exploring mental health and human rights in the Irish prison system.

The Examination is the outcome of a 12-month research period, that saw Brokentalkers’ directors Gary Keegan and Feidlim Cannon hold theatre workshops and interviews with life sentence prisoners and former prisoners in various settings including Mountjoy Prison and PACE Training and Education Services. They have also drawn on wider historical analysis undertaken by Associate Professor Catherine Cox (UCD) and Professor Hilary Marland.

Kindly Supported by Culture Ireland

Best Production – Irish Times Theatre Awards 2020
Best Soundscape (Denis Clohessy) – Irish Times Theatre Awards 2020
Best Production – Dublin Fringe Festival 2019
Best Performer (Willie White) – Dublin Fringe Festival 2019

An award-winning production by Brokentalkers exploring mental health and human rights in the Irish prison system.

The Examination is the outcome of a 12-month research period, that saw Brokentalkers’ directors Gary Keegan and Feidlim Cannon hold theatre workshops and interviews with life sentence prisoners and former prisoners in various settings including Mountjoy Prison and PACE Training and Education Services. They have also drawn on wider historical analysis undertaken by Associate Professor Catherine Cox (UCD) and Professor Hilary Marland.

Kindly Supported by Culture Ireland

Best Production – Irish Times Theatre Awards 2020
Best Soundscape (Denis Clohessy) – Irish Times Theatre Awards 2020
Best Production – Dublin Fringe Festival 2019
Best Performer (Willie White) – Dublin Fringe Festival 2019

Nein, entgegen anders verlauteter Berichte: Es wurde auch viel gelacht in der DDR. Über die Arbeit, über gar keine Arbeit, über Beziehungen, außerehelich und ehelich, über Versorgungsengpässe, Bananen, Autoersatzteile, tragbare Kleidung etc. Auch wenn es mitunter nur aus Schadenfreude, aus Sarkasmus oder aus purer Verzweiflung war - aber gelacht wurde.
Schäfer hat als gelernter DDR-Bürger einige dieser Geschichten ausgewählt und wird sie mit sozialistischer Standhaftigkeit (eine der Tugenden eines DDR-Bürgers) zum Besten geben.
Und Achtung: „Es wurde auch gelacht“ ist KEIN Ostalgie-Programm und deshalb auch (gerade) für nicht gelernte DDR-Bürger geeignet. Unser Beitrag zur Völkerverständigung 😉
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