Lisa Wilhelm Quartett
In den Vordergrund trommeln? Nicht nötig. Die junge Stuttgarter Schlagzeugerin und Komponistin Lisa Wilhelm - 2023 mit dem Solist*innen Preis des Jungen Deutschen Jazzpreises ausgezeichnet - versteht es, ihr Quartett sensibel aus dem Hintergrund heraus zu führen und überrascht mit ihren feinfühligen Kompositionen und Songs. Unaufdringlich, elegant und mit ganz eigener Handschrift.

Gegründet hat sich das Quartett 2020, als alle zeitgleich an der HMDK Stuttgart studierten. Ihr Debüt Album „Potpourri - quoted not stolen“ wurde u.a. vom WDR zu einem der Jazzalben 2023 ernannt und war zudem im Februar 2023 NDR Jazzalbum der Woche. Im Mai 2025 erschien das zweite Album „So Close“, bei dem das Quartett durch ein Streichquartett und drei Stimmen erweitert wurde. Das neue Album wurde zu einer genreübergreifenden Einladung, näher zusammenzurücken, eine Mischung aus lyrischem Jazz und träumerischer Popmusik, melancholischen Melodien und treibenden Feels.

Lisa Wilhelm zog es auf ihrem musikalischem Weg einmal quer durch Europa - über Hamburg nach Dinkelsbühl (Berufsfachschule für Musik), wo sie vor allem ihren Wurzeln der Popmusik folgte. Ihre Vorliebe für den Jazz brachte sie zurück nach Stuttgart, wo sie 2018 an der HMDK ihr Jazzschlagzeug Studium begann und 2023 ihr Bachelorstudium abschloss. 2021 führte sie ihr Studium am Royal College of Music nach Stockholm, bevor sie nach Lissabon zog, um ein weiteres Semester an der Escola Superior de Música zu absolvieren. Sie spielte auf internationalen Bühnen ebenso wie in renommierten deutschen Jazzclubs. 2021 war sie Teil der „Elbphilharmonie Jazz Academy“ in Hamburg und teilte dort die Bühne mit international gefeierten Künstler:innen wie Matt Brewer, Melissa Aldana, Yaron Herman, Theo Croker, Ziv Ravitz und Julia Hülsmann.

Diogo Azevedo Quintet

Dies ist in der an ungewöhnlichen Projekten sicherlich nicht arme Geschichte unserer "Young Jazz Ahead"-Reihe sicherlich eines der ungewöhnlichsten. Nicht nur, weil es sich erstens um eine portugiesische Band handelt. Und zweitens wahrscheinlich um die jüngste Band, die jemals außerhalb der Bandfabrik-Treffen auf der Club-Bühne stand (alle Mitglieder sind bis auf eine Ausnahme 20 bzw. 19 Jahre alt). Sondern auch, weil das erste Konzert, das die junge Truppe um den Ausnahme-Vibraphonisten Diego Azevedo (19) außerhalb ihres Heimatlandes Portugal spielt, auf recht ungewöhnliche Weise zustande kam. YJA-Mentor Klaus Merkel lernte Diego beim Internationalen Jazzkurs 2025 in Burghausen kennen und war von seinem Talent geflasht, nicht minder der Vibraphon-Dozent des Kurses Tim Collins (München). Beide zusammen setzten alle Hebel in Bewegung, um einen Deutschlandtrip mit zwei Konzerten in Minden und München auf die Beine stellen zu können - und die Gremien spielten mit. Und da sind sie nun. Wer weiß, vielleicht beginnt damit ja eine ähnliche Karriere wie einst bei Jakob Manz, der auf der Mindener YJA-Bühne sein erstes Konzert außerhalb Baden-Württembergs spielt.

Diogo beschreibt den Stil seiner musikalischen Unternehmung selbst als Modern Jazz. Der Kern der Band - neben ihm Trompeter Vasco Silva (20) und Drummer Hugo Santos (20) - kennt sich seit dem 8. Schuljahr, in dem sie begannen, gemeinsam Musik zu machen. Den Rest der Band gewannen sie auf der portugiesischen Musikhochschule ESMAE (Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo) hinzu, die sie alle gemeinsam absolvierten. Pianist Vicente Almeida (19) und Bassist Gonzalo Cravinjo (25) machten den Bandsound und die musikalische Energie einfach rund, so Diogo - und nach mehreren Sessions beschloss man, zusammen weiterzumachen und Original-Musik zu spielen und aufzunehmen. Das musikalische Konzept verwendet ausschließlich Original-Kompositionen von Diogo, inspiriert von persönlichen Erfahrungen, Emotionen und Lebensepisoden – was das Repertoire sehr ausdrucksstark, erzählerisch und emotional direkt macht. Die Band verbindet zeitgenössische Jazzsprache mit Improvisation, Klangfarben und Erzählkunst.

Einlass 20:00 Uhr

Vom Jazz zu Country zu Rhythm & Blues – Robin McKelle hat ihre gesamte Karriere darauf aufgebaut, den unermesslichen Reichtum US-amerikanischer Musik zu erkunden.
Auf der Bühne zieht sie das Publikum mit ihren Interpretationen von Jazzstandards in ihren Bann. Ihre sanfte Stimme fließt mühelos durch die Melodien und haucht den klassischen Liedern Leben ein. Sie fesselt das Publikum mit ihrer warmen Präsenz und schafft gleichsam eine intime Atmosphäre. Begleitet von ihrer talentierten Band, kombiniert sie reiche Harmonien und dynamische Rhythmen und ihre stimmlichen Nuancen wecken tiefe Emotionen. McKelle ist eine Hommage an Jazzlegenden und fügt gleichzeitig ihren eigenen Stil hinzu. Die Übergänge zwischen lebhaften Tempi und gefühlvollen Balladen lassen das Publikum nicht mehr los. Gefeiert für ihre Kunstfertigkeit, weckt sie Nostalgie und erkundet gleichzeitig neue Wege. Jeder Auftritt ist eine denkwürdige Reise durch das Herz des Jazz. Das Publikum verlässt sie mit einem Lächeln, verzaubert von ihrer Energie und ihrem Talent.
2006 erforschte das Debüt Introducing Robin McKelle ein Dutzend zeitloser Standards der Swing-Ära wie „Come Rain or Come Shine“, „Night and Day“ oder „On the Sunny Side of the Street“. Ihr aktuelles Album schöpft dagegen aus lediglich einer Quelle, die vermutlich auch ihr größter künstlerischer Einfluss ist: Ella Fitzgerald. „Das Konzept, Ellas Musik aufzunehmen, beruht darauf, dass sie meine erste Begegnung mit Vocal Jazz war. Ich habe so viel von ihrem Gesang gelernt. Der Style ihres, Swing Feels‘ und überhaupt ihre Art zu Singen finden einen starken Widerhall in mir!“
„Meine Stimme ist reifer geworden, und ich bin auch als Frau sehr gewachsen. Ich habe das Gefühl, dass ich an einem Punkt in meinem Leben angekommen bin, wo diese Texte mit mir resonieren und ich diese Stories singen kann, weil ich sie erlebt habe. Das war nicht mehr mein Ich als zwanzigjährige Sängerin, die das wirklich noch nicht verstehen konnte, weil sie den Verlust wahrer Liebe zu diesem Zeitpunkt ihres Lebens noch nicht erlebt hat. Deshalb hatte ich das Gefühl, mit meinem jetzigen Alter und meiner jetzigen Reife zu dieser Musik zurückkehren zu müssen.“

Besetzung:

Line up :
Robin McKelle – Gesang
Jonathan Thomas – Piano
Blake Meister – Bass
Diego Ramirez - Schlagzeug

Einlass 20:00 Uhr

Da sind sie (endlich) wieder! Lange hat man von den Nighthawks, der deutschen NU Jazz-Band schlechthin, nicht mehr viel gehört. Ihr letztes Album "Next to the Roxy" veröffentlichten sie 2019. In Minden konnten wir sie zuletzt im September 2017 im Club sowie 2022 während der Corona-Phase auf der Bühne im BZA präsentieren, beide Konzerte waren ausverkauft. Jetzt haben sie "Paris-Dakar" mit durchgehend neuem Songmaterial herausgebracht - und wir wussten endlich, mit welcher Band wir gern den für uns nicht ganz risikofreien (und deshalb im Gegensatz zu allen anderen Terminen der Konzertsaison 25/26 eigentlich nicht verplanten ) Ostersamstag besetzen wollten. Wir freuen uns mega, dass das dann tatsächlich auch geklappt hat.

Die Agentur beschreibt das neue Live-Programm (und den Inhalt des Albums) so:

Mag man bei der Titelgebung des neuen Live Programms unweigerlich an die Rally Paris-Dakar denken, so ist die französische Metropole samt der Hauptstadt des Senegals nur eine weitere Koordinate im Nighthawks- Musikkosmos. Die Musik streift den afrikanischen Kontinent, so wie in der Vergangenheit Inspiration in Brasilien oder auch auf dem Balkan gesucht wurde.

Mit offenen Ohren und Herzen begeben sich die fünf Musiker auf Reisen. Und diese Reise überrascht beständig aufs Neue mit erbaulicher Ambivalenz: Nighthawks-Songs gehen an der Oberfläche gut-verständlich rein und bieten gleichsam Tiefgang. Die Band straft vollkommen unangestrengt den Trugschluss Lüge, demzufolge Musik ausschließlich qualitativ hochwertig ist, wenn der Zuhörer immerzu herausgefordert wird. An die Stelle des Verkopften setzen die Nighthawks beinahe tabulos-allumgreifende Musikalität - inklusive sublim vermitteltem Humor.

Seit weit über 20 Jahren ist diese musikalische Formel ohne Gleichen in der Musiklandschaft. Jazz Rock oder Rock Jazz? Das Verbindende der Nighthawks-Kompositionen bringt zusammen, was in der Kunst und im Leben elementar zusammengehört: Erinnerungen, Erfahrungen, Liebgewonnenes definieren den Istzustand und die Zukunft der Musik. Herb Alpert winkt mit seiner ewig juvenil triumphierenden Tijuana Brass stellvertretend für eine offenherzige Jazz-Epoche wohlwollend ins „Paris Dakar“-Geschehen hinein. Der große kamerunische Musiker Manu Dibango wird geehrt und der Maler Gerhard Richter steht im übertragenen Sinn Pate für Myriaden von futuristischen Soundschichtungen. Mitten zwischen den guten Kreativgeistern deklarieren die Nighthawks mit ihrer neuen Standortbestimmung „Paris Dakar“ gütig-verbindlich, wie neuerungsoffen-beweglich ihr Musiksystem bleibt.

Besetzung:

Reiner Winterschladen (trumpet)
Jürgen Dahmen (keys)
Jörg Lehnardt (guit)
Dal Martino (bass)
Thomas Alkier (drums)

Einlass 20:00 Uhr

Das Konzert ist ausverkauft

Peter Gall gehört nicht nur zu den renommiertesten und gefragtesten deutschen
Schlagzeugern seiner Generation, er macht auch als herausragender Komponist und
kluger Bandleader von sich reden und blickt dabei raffiniert und auf sehr persönliche
Weise über den Trommelrand hinaus. 2018 veröffentlichte er sein Album „Paradox
Dreambox“, ein starkes musikalisches Statement, das international für euphorische
Kritiken sorgte und erfolgreiche Tourneen und Festivalgastspiele nach sich zog.
Nun präsentiert Peter Gall sein zweites fulminantes Album LOVE AVATAR, das den
Deutschen Jazzpreis 2025 in der Kategorie „Album des Jahres“ gewann. Seine
neuen Songs erzählen eindrucksvoll Geschichten, malen traumhafte Collagen und suchen
mit großer atmosphärischen Dichte nach faszinierenden musikalischen Galaxien,
emotionalen Eruptionen, der Magie und der Liebe in der Musik.
Mit dabei hat er eine absolute „Dream-Band“: Wanja Slavin, Carl Morgan, Rainer Böhm
und Matthias Pichler gehören zur einflussreichen Crème de la Crème der jungen,
dynamischen und innovativen europäischen Szene. Die perfekt aufeinander eingespielte
Band formt mit ihren starken Charakteren eine verschworene musikalische Einheit, agiert
mitreißend, hochvirtuos, und gefühlvoll zugleich und entfaltet dabei auf der Bühne eine
Kraft, der man sich nur schwer entziehen kann – konsequenterweise gewann das Peter
Gall Quintet 2021 den prestigeträchtigen BMW Welt Jazz Award.
Ein futuristisches Konglomerat aus Jazz, energetischem Fusion, hymnischen Indie-
Sphären, wunderschöner Melancholie, überraschenden Grooves und hypnotisierenden
Beats zieht das Publikum in seinen Bann.

Line-Up:
Wanja Slavin – alto saxophone, synthesizer
Carl Morgan – guitar
Rainer Böhm – piano, synthesizer
Matthias Pichler – bass
Peter Gall - drums

Einlass 20:00 Uhr

„Petros Klampanis is a musician who has always spoken from the heart.“ Wenn ein Journalist des
amerikanischen Fachmagazins DownBeat dem Bassisten bescheinigt, dass seine Musik stets
vom Herzen komme und er mit dem Herzen spreche, dann ist dies mitnichten eine kitschigsüßliche
Phrase à la Poesie-Album. Und wer den Griechen in persona trifft und ihn über Musik
sprechen hört, wird es nur bestätigen können: Sie liegt ihm nicht nur am Herzen, sie ist für ihn
eine reine Herzensangelegenheit.
Unausgesprochenes und Unaussprechliches - dafür Worte zu finden, ist ein urmenschliches
Bedürfnis. Doch so sehr das Ringen um die vermeintlich „passenden“ Worte Spaß machen kann,
so sehr stößt dieses leidenschaftliche Bemühen immer wieder an seine Grenzen. Und das ist auch
gut so.
Latent Info, das neue Projekt des vom Bass Player Magazine als „Bass Ace“ titulierten
Klampanis, mit dem estnischen Pianisten Kristjan Randalu und dem israelischen Drummer Ziv
Ravitz zeigt nun, dass Instrumentalmusik durchaus zum Storytelling fähig ist. Sie erzählt ihre
Geschichte als „latente Information“ eines Stückes, genauso real, aber ungreifbar wie
unausgesprochene Gedanken, unerreichte Ziele oder Blumen im Asphalt, ungesehen und
weitgehend ignoriert.
Um die unerforschten Klanginformationen ins Bewusstsein zu bringen, wurde das am 14

Einlass 20:00 Uhr

Wenn zwei musikalische Weggefährten und Freunde nach fast drei Jahrzehnten Zusammenarbeit ein Album mit dem Titel Who We Are veröffentlichen, ist das mehr als ein Name – es ist ein Statement. Die Sängerin Viktoria Tolstoy und der Pianist und Keyboarder Jacob Karlzon legen mit diesem Album, das am 30. Januar 2026 erscheinen wird, eine Art musikalisches Selbstporträt vor: die Summe aus gemeinsamen Erfahrungen, gegenseitigem Vertrauen und einer künstlerischen Sprache, die nur entstehen kann, wenn zwei Menschen über Jahre hinweg auf derselben Frequenz schwingen. Die gemeinsame Reise der beiden begann Mitte der 1990er-Jahre während einer UK-Tour Tolstoys. Seitdem haben sie immer wieder miteinander gespielt und sechs Alben aufgenommen, zuletzt Letter To Herbie im Jahr 2011 – eine Verneigung vor dem gemeinsamen Idol Herbie Hancock. Und A Moment of Now 2013, ihre erste, vielbeachtete Duo-Einspielung. Durch die enge, jahrzehntelange Zusammenarbeit sind beide an einem Punkt angekommen, an dem sie ihre Geschichte nicht mehr neu erfinden müssen – sie müssen sie nur erzählen. „Zwischen Viktoria und mir gibt es keine Trennung zwischen Solist und Begleiter, wir sind einfach zwei Seelenverwandte auf Augenhöhe“ sagt Karlzon. Diese enge Kommunikation ist das Fundament des Albums – und vielleicht die präziseste Antwort auf den Titel: Who We Are ist ein Zustand. Ein Einverständnis. Ein musikalisches Wir.

Besetzung:

Viktoria Tolstoy, voc
Jacob Karlzon, Piano, Keyboards, programming

Einlass 20:00 Uhr

Fola Dada ist ein Highlight der deutschen Jazz- und Soulszene und gehört zweifellos zu den gefragtesten Sängerinnen Deutschlands. Die deutsch-nigerianische Sängerin schloss ihr Studium in Jazz und Popularmusik an der Mannheimer Musikhochschule ab und ist seither auch eine gefragte Gesangsprofessorin. Als charismatische Frontfrau überzeugt Fola seit geraumer Zeit. Dass sie neben Jazz auch fantastisch Soul interpretiert, blieb nicht unbemerkt. So sang sie unter anderem bei den Söhnen Mannheims und Joy Denalane. Neben Jazz und Blues liebt sie genauso den Afrobeat Nigerias, der Heimat ihres Vaters, oder die alten Blues- und Soul-Schallplatten ihrer deutschen Mutter. Und das macht ihre Stärken aus: Vielseitigkeit und Authentizität. 2022 wurde sie als Vokalistin mit dem Deutschen Jazzpreis ausgezeichnet. Willkommen zurück, Fola!
Sisters & Brothers“, das neue Album von Fola Dada, ist das beste Beispiel für perfektes Timing. Denn die Einspielung kommt zum genau richtigen Zeitpunkt in der Karriere der Trägerin des Deutschen Jazzpreises 2022 – exakt in jenem Moment, in dem sie selbstbewusst sagen und singen kann: „Hier bin ich.“ Dieser klaren Aussage liegt ein langer Prozess zugrunde, der sich aus freudvollen wie schmerzlichen Erfahrungen speist. „Man könnte es auch als Erwachsenwerden bezeichnen“, sagt die 1977 in Stuttgart geborene Sängerin. Mit „Sisters & Brothers“ zeigt sich Dada auf der Höhe ihrer Ausdruckskraft und Vermittlungskunst zwischen wärmendem elektroakustischen Jazz, Soul, R&B, Pop, Reggae und Clubbigem. Obwohl die Aufnahme ungemein lässig herüberkommt, brodelt, gärtt und arbeitet es in den elf Songs.

Besetzung:
Fola Dada - voc
Ulf Kleiner - piano & rhodes
Joscha Glass - bass
Tommy Baldu - drums

Einlass 20:00 Uhr

Horace Silver, Miles Davis, John McLaughlin und das Mahavishnu Orchestra, George Benson, Larry Coryell… Man muss sich nur ansehen, wer schon in der Frühzeit in den späten 60ern und frühen 70ern mit dem blutjungen Billy Cobham (der mit acht Jahren das erste Mal öffentlich auftrat) arbeiten wollte, um sich einen Begriff von Talent und Technik dieses Drummers machen zu können.

Zur Legende wurde er als einer der Väter von Fusion und Jazz-Rock – ja, er mischte – beziehungsweise: trommelte – auch bei „Bitches Brew“ mit. Spätestens seit seinem ersten eigenen Album Spectrum (1973) galt er als Wegbereiter und etablierte einen eigenen Stil zwischen Jazz, Rock und Funk, mit dem er weltweit für Furore sorgte. Aus demselben Jahr stammt übrigens „Also sprach Zarathrustra“, das er mit Deodatu und Stanley Clarke zum Welthit machte.

Genre-Grenzen interessierten Billy Cobham Zeit seines Lebens nicht, er spielte mit Jan Hammer, Grateful Dead oder Peter Gabriel ebenso wie mit den Brecker Brothers oder John Scofield. Später tat er sich immer wieder mit jungen Musikerinnen und Musikern zusammen und tut das für Workshops und musikalische Treffen bis heute, so arbeitet er im April mit dem Jugendjazzorchester NRW in Gronau.

Er spielte für Film- oder Fernsehproduktionen, engagierte sich in sozialen Projekten – und tourt bis heute regelmäßig mit seinen Bands. Aktuell ist das das siebenköpfigen Projekt „Time Machine“ oder das wahlweise daraus besetzte Billy Cobham Quintett, mit dem er auch im Club gastiert – im Gepäck übrigens das brandneue (Januar 2026) Album „Times of my Life“.

Mit dieser hochkarätig besetzten Band bringt der seit vielen Jahren in der Schweiz lebende Drummer, Komponist und Bandleader seine Stücke auf den neuesten Stand und zeigt, dass seine Musik bis heute nichts von ihrer Faszination einbüßt. Mit 81 Jahren strotzt Billy Cobham immer noch vor Kreativität, seine Konzerte sind legendär.

Und sein Quintett hat es in sich: Der britische Keyboarder Gary Husband spielte zuletzt mit Bill Evans 2024 bei uns im Club, er begleitete unter anderem die Karrieren von Barbara Thopmson, Allan Holdsworth, John McLaughlin, Level 42 oder Jack Bruce. Der italienische Jazzgitarrist Rocco Zifarelli begleitete Ennio Morricone mehr als 20 Jahre und spielte unter anderem mit Stefano Di Battista, Danny Gottlieb, Hadrien Feraud, Dario Deidda, dem “Mahavishnu Project“, Defunkt und dem großen Quincy Jones. Saxophonist Björn Arkö ist vor allem in Skandinavien und Japan hoch angesehen. Auf seiner Referenzliste stehen Aufnahmen und Tourneen  mit Dirty Loops, Ulf Wakenius, Seiko Matsuda, EXILE Atsushi, Kiyokiba Shunsuke, Greg Leisz, Per Lindvall, Tim Miller, oder Joel Lyssarides. Victor Cisternas schließlich ist Professor für Bass an der Hochschule in Santiago de Chile, er begleitet Billy Cobham und Tamara y Judith Mateo seit vielen Jahren.

Ein absolutes Highlight bei uns im Club, eine Woche vor Billy´s 82. Geburtstag!

Besetzung:

Billy Cobham, drums
Gary Husband, keyboards
Rocco Zifarelli, Gitarre
Bjorn Arko, Saxophone
Victor Cisternas, Bass

Einlass 19:00 Uhr

Shankland/Torrents/Seemann ist ein interna)onales Trio, das eine )ef verwurzelte improvisatorische
Sprache mit rhythmischer Freiheit und lyrischer Klarheit verbindet und dabei sowohl europäische
Jazzästhe)k als auch zeitgenössische globale Einflüsse aufgreiE. Ihr Sound vereint Jazztradi)onen mit
einem lebendigen, dynamischen Zusammenspiel voller Energie, Spielfreude und musikalischer Tiefe.
Inspiriert von Künstlern wie Sullivan Fortner, Brad Mehldau und Thelonious Monk entwickelt das
Ensemble eine eigene Klangsprache – modern, offen und unverkennbar persönlich.
Der Pianist Ben Shankland, der Bassist Aniol Torrents und Schlagzeuger Finn Seemann vereinen ihre
individuellen musikalischen S)mmen zu einem kraEvollen, vielschich)gen Ensemble. Gemeinsam
traten sie bereits in interna)onalen Clubs und auf Fes)vals auf, darunter im C. Bechstein Centrum
Tübingen, und begeistern ihr Publikum durch krea)ve Energie und musikalische Raffinesse.

In Irina‘s Quartet hat ihre Gitarre eine ähnliche Rolle wie die Gitarre in der Musikgeschichte der letzten 100 Jahre: Sie verbindet und verquickt musikalische Genres, Epochen, Orte und streckt ihre Fühler aus zum nächsten modernen Sound. Irinas Eigenkompositionen sind FUSION im besten Sinne – Fusionen von Powerballade mit Blues-Sounds, Modern Jazz mit Latin, Funk im Jazz-Quartett-Setting, Swing in Rock-Besetzung. Dabei arbeitet Irina mit eingängigen Riffs, Pocket, teils komplexen aber trotzdem intuitiv greifbaren Melodien - präsentiert mit lebhafter und leidenschaftlicher Improvisation und Interaktion der vier Musiker*innen: Irina (Gitarre), Nicholas von der Nahmer (Keys), Jonas Heck (Schlagzeug) und Emil Buchholtz(E-Bass).

Einlass 20:00 Uhr

Vorhang auf für ein ganz besonderes Projekt: Mit "Remembering Roger" erweist die einstige Begleitband des 2016 viel zu früh gestorbenen Roger Cicero dem charismatischen Sänger eine abendfüllende musikalische Reverenz. Für den Gesangspart hat sie das nicht minder begabte Berliner Talent Atrin Madani dazugeholt. Der Jazz Club Minden e.V. findet, das gehört in stilvollem Ambiente auf die große Bühne und hat dafür das Stadttheater gewinnen können. Der Gala-Abend "Remembering Roger" mit der Lutz Krajenski Big Band feat. Atrin Madani findet am Dienstag, 12. Mai um 20 Uhr statt.

„Zieh’ die Schuh’ aus“, „Frauen regier’n die Welt“, „In diesem Moment“- Titel, die den Ausnahmekünstler Roger Cicero unvergesslich machten. Als 2006 dessen Album „Männersachen“ erschien, konnte wohl niemand ahnen,
dass die Kombination aus Big Band-Sound und deutschsprachigen Texten die Musikszene so nachhaltig
beeinflussen würde. Swing in den Popcharts, das hatte es noch nie gegeben. Unvergessen auch der Auftritt beim Eurovision Song Contest 2007.

Eine Tragödie, dass dieser fantastische Sänger nur 47 Jahre alt werden durfte. Sein viel zu früher Tod war damals ein gewaltiger Schock für alle Fans, Kollegen, Familie und Freunde.

2026 jährt sich Roger Ciceros Todestag nun zum zehnten Mal. Anlass genug für die ehemaligen Mitstreiter aus seiner Band, sich musikalisch an die gemeinsamen Zeiten zu erinnern und das Publikum mit auf eine Zeitreise zu nehmen - auch in die Jahre vor „Männersachen“; mit Swing, Soul und Groove und natürlich dem powervollen Big Band-Sound unter der bewährten Leitung und mit den Arrangements von Tastenzauberer Lutz Krajenski.

Als Sänger konnte der wunderbare Atrin Madani gewonnen werden, Berliner Musiker aus einer jungen Generation fantastischer Jazzkünstler, die dieses Genre auf eindrucksvolle Weise neu erfinden und sich doch auch der Tradition verpflichtet fühlen. Im Club hat er mit einem eindrucksvollen Auftritt bereits seine Visitenkarte abgegeben - auch damit übrigens auf den Spuren Ciceros unterwegs, der hier unter anderem als Teil des Soullounge-Ensembles sowie mit seinem eigenen Projekt „After Hours“ iaufgetreten war.

Madani, so sagt er selbst, wurde von Ciceros Musik musikalisch mitgeprägt. Er interpretiert die Songs auf seine ganz eigene Art und Weise - und verbeugt sich damit gemeinsam mit der ehemaligen Begleitband vor einem Musiker, der in der kurzen Zeit seines Lebens so viele Menschen auf und vor der Bühne glücklich machte und bis heute macht.

Line-Up:

Atrin Madani Vocals, Lutz Krajenski Piano, MD
Ulli Orth Altsaxophon, Felix Petry Altsaxophon, Gabriel Coburger Tenorsaxophon, Thomas Zander Baritonsaxophon
Dirk Lentschat Trompete, Axel Beineke Trompete, Erik Konertz Posaune, Andreas Barkhoff; Posaune
Hervé Jeanne Bass, Matthias Meusel Schlagzeug

Einlass 19:00

Die deutsche Jazzmusikerin Nicole Johänntgen (Jahrgang 1981) ist Saxophonistin, Komponistin und Workshopleiterin. Sie hat zahlreiche nationale und internationale Auszeichnungen gewonnen und mit Stars wie Daniel Powter (Bad Day), Roger Cicero, Eric Harland, Aaron Parks, Nils Landgren gespielt. Aktuell ist sie mit ihrer Band auf Präsentations-Tour für ihre CD "Henry III".  Das Album ist funky und erfrischend, einfach und ehrlich gespielt; es groovt und rumpelt imd es zeigt sich rundum vom New-Orleans-Jazz inspiriert.

Die Saxophonistin hat das Album während eines Live-Konzertes im Domicil Pforzheim analog auf Band aufgenommen. Schön nach alter Manier. Da kommt Nostalgie auf. Man spürt, wie vertraut und spielfreudig die vier Musiker sind. „Life“ heisst das erste Stück und soll die Achterbahnfahrt des Lebens vertonen. Gegenüber den anderen beiden Alben des Hnery-Zyklus hat dieses noch mehr den Funk in sich. Mit knackigen Melodien und einigen Trommelwirbeln machen die Musiker kräftig Dampf. Die Kompositionen animieren zum Mitsingen, Mittanzen. Einfach zum Mitmachen. Doch wer genau hinhört, entdeckt auch die tiefsinnige, die herzzerreissende Seite von Henry. Die Seite, die in uns allen schlummert. In Songs wie „Dig Deep“ oder „Guetnachtlied“ ist viel Raum zwischen den einzelnen Melodien, so dass man in einen Dämmerzustand fällt. Ein Zustand, in dem man refektiert. Dinge verarbeitet, die da ganz tief sitzen. Und dann geht es in der Achterbahnfahrt weiter mit Henry,
Auf Instagram und TikTok ist Nicole derzeit eine der erfolgreichsten Saxophonistinnen. Auch die deutsche und internationale Fachpresse zeigt sich rund um den Globus in zahlreichen kritischen Würdigungen ihrer Arbeit beindruckt. Als erste Musikerin wurde sie vom renommierten Gunung Jazz Festival in Indonesien eingeladen, sie hat auch auf zahlreichen weiteren bekannten bekannten Festivals wie dem Stockholm Jazz Festival in Schweden, dem Waiheke Int. Jazzfestial in Neuseeland, Silda Jazz in Norwegen, dem Reykjavik Jazzfestival in Island und vielen weiteren gespielt. Die Verschmelzung verschiedener Kulturen in Form von Musik ist ihre größte Stärke.

Nicole Johänntgens musikalische Karriere begann im Alter von sechs Jahren, als sie begann, klassisches Klavier zu spielen. Jahre später fand sie ihren Weg zum Saxophon und zum Jazz. In Amerika spielte sie mit den Sisters in Jazz, sie war Mitglied des European Swinging Jazz Orchestra und der IASJ International Association of Jazz of Schools. Nicole Johänntgen wurde mehrfach als künstlerische Leiterin ausgewählt, um Festivalbands zusammenzustellen, an denen sie selbst teilnahm. Bis heute hat sie 26 Alben produziert und ihr eigenes Label "Selmabird Records" gegründet. Nicole Johänntgen studierte Jazz/Popmusik an der Staatlichen Musikakademie in Mannheim und lebt seit zwanzig Jahren mit ihrer Familie in der Schweiz.

Besetzung:

Nicole Johänntgen – saxophone
Marc Roos – trombone
Victor Hege – sousaphone
Pius Baschnagel – drums

Einlass 20:00 Uhr

Sieben Instrumentalisten, eine Sängerin, ein Ziel: maximale Energie auf der Bühne. Radius zählt zu den angesagtesten deutschen Funk- & Soul-Bands. Mitreißender Gesang, präzise Bläsersätze und spielfreudige Energie verwandeln jedes Konzert in ein Feel-Good-Fest voller Tanzbarkeit und Groove. Auf der aktuellen Tour stellt die seit mehr als zehn Jahren zusammenspielende Band das neue Album "VLY" vor.

Nach gefeierten Shows als Headliner beim JazzAscona Festival und See More Jazz Rostock sowie als Support für Gregory Porter ist klar: Radius gehört zu den spannendsten Live-Acts der deutschen Szene. Ihr neues Album bringt mit Gastsängern und -sängerinnen wie Leonora und Lewin Blümel frische Farben ins Repertoire – funky, soulig, energetisch. Die Band vereint Musizierende, die bereits mit verschiedenen prominenten Acts und Formationen wie der Die Fantastischen Vier, WDR Big Band, Sarah Connor, Klinke Supreme (TV Total) und Nina Chuba zusammengearbeitet haben.

Die Deutsch-Italienerin Leonora ist einer der aufstrebenden Stars der deutschen Funk-Pop Szene und ein absolutes Ausnahmetalent. Sie erinnert mit ihrer kraftvollen Stimme und erfrischender Leichtigkeit an Künstlerinnen wie Dua Lipa und Lizzo.

Ein Abend mit Radius bedeutet: pure Spielfreude, kollektiver Groove und ein Sound, der das Publikum begeistert.

Besetzung:

Leonora - Gesang
Jonas Vogelsang - Gitarre
Stefan Rey - Bass
Jan Klinkenberg - Keyboards
Alex Bernath - Schlagzeug
Lennart Allkemper - Saxophon
Jonathan Böbel - Posaune
Max Seibert - Trompete

Einlass 20:00 Uhr

Der populäre Liedermacher Gerhard Schöne, der Saxophonist Ralf Benschu, bekannt von seinen Zwischenspielen bei Keimzeit, der Kirchenmusikdirektor und Organist Jens Goldhardt vereinigen unterschiedliche Musizierweisen zu einem außergewöhnlich eindringlichen Konzerterlebnis.

„Lass uns eine Welt erträumen, die den Krieg nicht kennt“ ist eine Liedzeile. Dem Liedermacher Gerhard Schöne war dieses Thema schon immer ein besonderes Anliegen. Gemeinsam mit Ralf Benschu (Saxophon) und Jens Goldhardt (Orgel) hat er ein Programm aus dem großen Repertoire seines Liedschaffens zusammengestellt, dass vom Frieden träumt, den Frieden sucht und zum Frieden aufruft.

Voller Poesie, mal leicht beschwingt und mal mit ernsterem Ton erzählt er seine Geschichten und hört auch in unseren aufgeheizten und kriegerischen Zeiten nicht auf, vom Frieden zu träumen.

Frieden fängt in unseren Herzen an, auch dazu möchte das Konzert ermuntern.
Wieder ein Konzertabend zwischen Würde, Freude und lebensbejahender Ausgelassenheit!

Einlass ab 19 Uhr

Flash! Trip! Kick! Sich eine Dröhnung Botticelli Baby live zu geben, heißt schweißnasses Haar, Muskelkater am nächsten Tag und Dauergrinsen in der Fresse! Wie bereitet man sich darauf vor? Gar nicht! Man kommt wie man ist und lässt die Sau raus!
Um dem wilden Sound das zu geben, was man als eine Mischung aus Jazz, Punk, Blues, Folk und Pop beschreiben muss, benötigt es genau sieben verschiedene ingredients. Und zwar in Gestalt von Musikern und in Form ihrer Instrumente!
Es ist ein Rausch, ein einziges Fest, wenn die Band auftritt. Die sieben Typen wirken wie fest zusammengefügtes Material, unverwüstlich und doch extrem chaotisch. Jedes Instrument bringt seine individuelle Stärke mit und schiebt den gesamten Karren damit auf Mission Ekstase auf irgendeinen fremden Planeten! Wo genau der ist, weiß man nach dem Konzert dann auch nicht mehr…
Und dann macht‘s mit einem mal Peng! – und es beginnt ein fruchtiges Klang-Chaos, das sich dann plötzlich zu einer Allianz zusammenschließt und vor Kraft strotzend in die sowieso schon heruntergefallenen Kinnladen des ebenfalls schweißnassen Publikums geschleudert wird. Punktgenau, wie ein gezielter Golfschlag ins Loch. Klingt übertrieben? Mag sein, aber wer das mitgemacht hat, weiß wovon hier die Rede ist!
Die Band vermag es, eine Art gesunden und lange vermissten Schmutz in die Jazzmusik zurückzuführen. Und das Publikum reibt sich gerne damit ein – und zwar von der Tschechischen Republik über Deutschland bis nach Spanien und Portugal! Bandintern und für das zweite Album namensgebend, nennen die Sieben ihren Sound übrigens “JUNK”. Und ob man sich damit jetzt einreibt, es im Ganzen verschlingt oder sich mitten hinein wirft, ist einem selbst überlassen – ein Booster für das eingeschlafene Tanzbein ist es in jedem Fall!

Einlass 20:00 Uhr