"Folk meets Osnabrück" präsentiert die Band Dewar (NL)

Dewar ist eine keltische Folkband, die die reichen musikalischen Traditionen Schottlands zum Leben erweckt. Unsere Musik ist eine Mischung aus traditionellen und modernen Einflüssen, mit fesselnden Melodien und kraftvollen Texten, die Geschichten von Liebe, Abenteuer und der Schönheit des Lebens erzählen. Neben unserem Repertoire an keltischer Folkmusik spielen wir auch eine Vielzahl eigener Lieder. Wir verwenden authentische Instrumente, darunter Geige, Gitarre und Bodhrán.
Der Kern der Gruppe besteht aus dem in Schottland geborenen Steve Dewar (Gesang, Gitarre und Bodhrán) und der niederländischen Musikerin Lena Dewar (Gesang und Geige).
Dewar tritt oft als Trio auf, mit dem in Irland geborenen Eamonn Kane (Bodhrán, Gesang und Gitarre) aus Dublin, sowie Peter Kelly (Bodhrán und Gesang) und dem Niederländer Dennis Delger (Bodhrán und Cajón).

Copyright: Dewar

Einlass: 18:00 Uhr

Nichts geht über einen hohen Wiedererkennungswert: Mit seiner  Schiebermütze und seinem roten Vollbart ist Marc Broussard  fürwahr eine recht unverkennbare Bühnenerscheinung. Das gilt in  gewisser Weise aber auch für das musikalische Schaffen des  Sängers, Gitarristen und Komponisten aus Louisiana. Denn ganz  gleich aus welchem musikalischen Genre er seine Songs speist – Blues, Country und Folk oder Funk, Rock und Soul – stets verleiht Broussard seinen Songs eine ganz besondere Note, was in gleichem Maße an seinem klassisch geschulten Gitarrenstil wie an seiner warm modellierenden Stimme mit dem Schmelz von salzigem Karamell liegt. Was er macht ist Bayou Soul vom Feinsten.
Mehr als 20 Jahre beglückt Marc Broussard mittlerweile seinen stetig wachsenden Fankreis mit seiner Musik. Legendär sind Marc Broussard’s Coverversionen. Der Solomon-Burke und Dirty  Dancing Klassiker „Cry To Me“ etwa avancierte mit 55 Millionen Klicks zum veritablen YouTube-Hit. Natürlich darf dieser Song, ebenso wie sein US Hit „Home“ auf den Konzerten nicht fehlen.
Für Marc Broussard steht dieser in Walnussbaumrinde geräucherte Song, der ihn über die Jahre begleitete, für alles, was ihm wichtig erscheint - Southern Roots der alten Schule, Heimat, Freunde, Familie, Erdverbundenheit und Authentizität. „S.O.S. 4: Blues For Your Soul“, an dem unter anderem Joe  Bonamassa mitwirkte, schaffte es im letzten Jahr auf Platz eins der US amerikanischen Blues-Charts.
Trotzdem liegt sein Fokus längst auf Tourneen und darauf, dass der Funke zum Publikum dort überspringt. Bei seinen Shows spürt man die Hitze des Südens und die Leidenschaft mit  der Marc Broussard sein abwechslungsreiches Repertoire interpretiert und die Genre verschmelzen lässt.
Freuen wir uns auf schweißtreibende Nächte voller Bayou Soul.

Einlass: 19:00 Uhr

Mit der Bigband der Uni Osnabrück und der Brockhouse Bigband

Zum ersten Mal findet ein Bigband Meeting im Saal der Lagerhalle statt - es spielen die Uni-Bigband unter der Leitung von Jörg Niedderer sowie die Brockhouse Bigband unter der Leitung von Simon Hagen. Das Publikum darf sich freuen auf Instrumentalnummern sowie Arrangements mit Gesang aus den Bereichen Swing, Latin und Funk. Dazu gibt es ein Solo Feature des international bekannten Trompeters Rüdiger Baldauf. Wer Lust hat auf einen vielfältigen Big Band-Sound voller musikalischer Höhepunkte, ist hier an der richtigen Adresse!

Veranstalter: Institut für Musikwissenschaft und Musikpädagogik (IMM)

To All The Ones That I Love Album Tour

+ Support: Amber

Einlass ab 19:30 Uhr

Als es den drei Herren von Dawn of Midi mit ihrem Album »Dysnomia« gelang, den hypnotischen Sog ihrer Musik so auf Tonträger zu bannen, dass er auch in konservierter Form seine volle Wirkung entfalten konnte, sorgte das unter Fans und Fachpresse für eine kleine Sensation. Schon als Studenten im fernen Los Angeles hatten die drei New Yorker in nächtelangen Sessions an ihrem – zumal für ein klassisches Jazz-Klaviertrio – sehr speziellen Sound getüftelt. In völliger Dunkelheit, sprich: in voller Konzentration auf den Hörsinn, entwickelten sie etwas, das man als analogen Minimal-Techno-Jazz mit Anklängen an Steve Reich und Drum ’n’ Bass bezeichnen könnte. Ein hand-geloopter, rein akustischer Minimalismus mit tranceartigen Grooves aus vertrackten rhythmischen Strukturen nord- und westafrikanischer Provenienz. So umwerfend dieses Konzept auf Tonträger auch funktioniert, trifft hier doch noch mehr zu, was ohnehin für alle Musik gilt: letztlich lieber live.
Amino Belyamani (Klavier), Aakaash Israni (Bass), Qasim Naqvi (Schlagzeug)

Foto: Falkwyn Goyeneche

Seit beinahe zwanzig Jahren spielt sich dieses furchtlose Streichquartett durch die Welt der Musik aller Genres, hat unterwegs annähernd 200 neue Werke in Auftrag gegeben und dabei mit so grundverschiedenen Kollegen wie dem iranischen Kamantschen-Meister Kayhan Kalhor (s. o.) und dem irischen Fiddler Martin Hayes, dem Banjo-Virtuosen Béla Fleck, der Mezzosopranistin Anne Sofie von Otter und dem Saxofonisten Joshua Redman zusammengearbeitet. Beim Morgenland Festival rauschen die vier durch die Zeit, mit Werken u. a. von Henry Purcell und Johannes Brahms, Reena Esmail und Kinan Azmeh.
Colin Jacobsen (Violine), Johnny Gandelsman (Violine), Nicholas Cords (Viola), Michael Nicolas (Violoncello)

Foto: Marco Giannavola

Wie beschreibt man den Stil eines der innovativsten und im besten Sinne individuellsten Oud-Virtuosen unserer Zeit? Vielleicht mit diesem Vergleich: Seine Musik zu hören ist wie der Blick durch ein Mikroskop auf eine schier endlose Reihe filigraner Miniaturen - die atemberaubende Schönheit liegt in der Vielfalt der Details, kommt ohne Dramatik und große Geste aus. Issam Rafea entführt uns in der ersten Konzerthälfte in diese, seine musikalische Welt, bevor er in einem eigens für das Morgenland Festival konzipierten Programm auf die junge Saxophonistin Asya Fateyeva trifft, die die Rolle ihres Instruments in der klassischen Musik neu auslotet.

Fotos: Asya Fateyeva: Marco Borggreve, Issam Rafea: Issam Rafea

Es ist nicht übertrieben, François Rabbaths Bedeutung für das Spiel auf dem Kontrabass mit jener Paganinis für die Geige zu vergleichen: Der legendäre syrisch-französische Virtuose hat die Spieltechniken seines großen Instruments revolutioniert und es als Soloinstrument ins Rampenlicht gerückt. Als Autodidakt kam er aus Aleppo über Beirut nach Paris, von wo aus er Mitte der Sechziger seine Weltkarriere startete: Er arbeitete mit Jacques Brel, Charles Aznavour und Gilbert Bécaud, später mit Ornette Coleman, Tülay German und Frank Proto, reüssierte als Solist ebenso wie als Komponist. Und hat sich bis heute eine Energie bewahrt, die ihresgleichen sucht.
Das Morgenland Festival feiert den 94 Jahre jungen Charismatiker mit einem sehr persönlichen Abend. Begleitet von seinem Sohn Sylvain am Klavier, wird François Rabbath Eigenkompositionen und Improvisationen spielen; und im Gespräch mit Kinan Azmeh erzählt er aus seinem faszinierend reichen, langen Leben.

Die Veranstaltung findet im Gartenhaus des Instituts für Musik der Hochschule Osnabrück statt.

Die Veranstaltung ist ausverkauft. Keine Abendkasse.

Allein schon der Titel dieses Projekts evoziert ein starkes Bild: »Radio Afloat« nennt sich die achtteilige Suite der libanesischen Geigerin und Komponistin Layale Chaker – ein Radio, das verschollen auf hoher See umhertreibt. Gemeinsam mit ihrem vierköpfigen Kammerjazz-Ensemble Sarafand erzählt Chaker hier von den miteinander, ineinander verflochtenen Schicksalen der Menschheit und der Natur; ein Kommentar zu Machtpolitik und den Konflikten unserer Zeit, zu aufeinander prallenden Ideologien und der Verwundbarkeit unserer ökologischen Lebensgrundlagen.
Layale Chaker (Violine, Gesang, Komposition), Jake Charkey (Violoncello), Phillip Golub (Klavier, mikrotonales Keyboard), Sam Minaie (Kontrabass), John Hadfield (Perkussion

Foto: Anna Rakhvalova

Christine Zayed ist nicht nur eine berührende Sängerin, sondern ebenso eine Virtuosin auf dem Kanun, einer orientalischen griffbrettlosen Kastenzither. Der helle, zarte, stets leicht entrückt wirkende Klang dieses Instruments grundiert die Lieder der palästinensisch-französischen Künstlerin – und diese Kombination ist keine Selbstverständlichkeit, denn traditionell ist das Spiel auf dem Kanun nicht mit Gesang verknüpft. Auch darüber hinaus führt Zayed als Komponistin mit tiefer Kenntnis der arabischen Musikgeschichte althergebrachte und zeitgenössische Elemente zusammen. In ihrem Trio erzählt sie mit der poetischen Kraft ihrer Stimme, dem melodischen Reichtum des Kanun und den ausdrucksstarken Texturen von Flöten und Perkussion ihre Geschichten, die um ewige und ewig aktuelle Themen kreisen: Identität und Zugehörigkeit, Verlust und Vertreibung, Liebe und die Kraft der Gefühle.
Christine Zayed (Kanun, Gesang), Sylvain Barou (Flöte, Duduk), Habib Meftah (Perkussion)

Foto: Yoan Jaunaud

In seiner Heimat Kanada ist Dinuk Wijeratne einer der meistgespielten zeitgenössischen Komponisten – und einer der vielseitigsten, fühlt er sich doch in der Zusammenarbeit mit Symphonieorchestern ebenso wohl wie mit Tabla-Virtuosen oder DJs. Daneben aber leitet der gebürtige Sri Lanker als Pianist auch sein eigenes Klaviertrio, das nun erstmals durch Europa tourt und dabei auch in Osnabrück Station macht. Die Originalkompositionen dieser Formation sind von der mystischen Poesie Khalil Gibrans ebenso inspiriert wie von den fantastischen Kurzgeschichten Italo Calvinos und den universellen Fragen nach Zugehörigkeit und Heimat.
Dinuk Wijeratne (Klavier), Tom Easley (Kontrabass), Nick Halley (Schlagzeug)

Foto: Michelle Doucette

In ihrem neuen Projekt »Navigating the Divide« sucht Shabnam Parvaresh einmal mehr nach Möglichkeiten, die Kluft zwischen verschiedenen künstlerischen Bereichen zu überwinden. Schon lange verbindet die in Teheran und Osnabrück ausgebildete Klarinettistin verschiedene Elemente der persischen Musik mit Elektronik, Improvisation und Jazz. Nun geht sie noch einen Schritt weiter und navigiert sich durch die Kraftfelder, die sich zwischen Musik, Bildender Kunst und Elektronik aufspannen. In »Navigating the Divide« kombiniert die designierte künstlerische Leiterin des Morgenland Festivals ab 2026 ihre Klarinette mit experimentellen Klanginstallationen und visuellen Projektionen – eine interaktive Erfahrung zwischen Klang und Bild.

Foto: Liudmila Jeremies

Das Cello Octet Amsterdam ist ein abenteuerfreudiges Kollektiv, das sich einem weiten Begriff von zeitgenössischer Musik und interdisziplinären Projekten verschrieben hat. Zudem lebt und arbeitet das Ensemble in der festen Überzeugung, dass Musikerinnen und Musiker im Zentrum der Gesellschaft stehen und die Verantwortung haben, mit ihren Mitteln zu aktuellen Diskussionen beizutragen. Diesen Anspruch lösen die acht Niederländer beim Morgenland Festival gleich zwei Mal ein: mit den Projekten »Vol de nuit« (s. u.) und »Sensing Earth«. Letzteres kombiniert Werke von Komponisten unserer Zeit, die von der Natur, ihrer Liebe zum Leben und ihrer Wut über die Zerstörung unserer Lebensgrundlagen inspiriert sind, darunter Kaija Saariaho, Sofia Gubaidulina, Theo Loevendie, Cristobal Halffter und Ryuichi Sakamoto.

Foto: Anisa Xhmoaqi

Der Titel ist ein Wortspiel, das allein schon viel über dieses faszinierende Programm des Pianisten Tarek Yamani verrät: »Lisãn Al Tarab« nennt sich (in wissenschaftlicher Transliteration) das umfassendste Wörterbuch der arabischen Sprache aus dem 13. Jahrhundert; »Tarab« wiederum, wörtlich »Verzückung«, heißt eines der sogar noch älteren Genres der arabischen Musik, auf das sich Yamani bezieht, wenn er seinen eigenen Stil als »Afro-Tarab« bezeichnet – und damit eine Erkundung der klassischen arabischen Musik mit den Mitteln des Jazz meint. Oder ist es andersherum? Voller Poesie, aber auch mit Sinn für Mystik und Ekstase spürt der in Beirut geborene, in Berlin lebende Pianist mit seinem Trio den Verbindungen zwischen diesen beiden Welten nach, verknüpft die Modi, vierteltönigen Skalen und komplexen Rhythmen der arabischen Musik mit den Ausdrucksmitteln des afro-amerikanischen Jazz. Oder einfacher gesagt: »Lisãn Al Tarab« ist feinster Jazz mit arabischem Akzent.

Tarek Yamani (Klavier), Igor Spallati (Kontrabass), Ugo Alunni (Schlagzeug)

Foto: Lech Basel

»Mayrig«, das heißt »Mutter« auf Armenisch, und im Mittelpunkt dieses Programms für Cello, Elektronik, Klavier und Gesang stehen sogar zwei Mütter – oder besser gesagt: deren Stimmen. Die kanadische Cellistin und Komponistin Karen Ouzounian hat Gespräche mit ihrer Mutter und ihrer Großmutter aufgezeichnet und sie mit Originalarrangements armenischer Musik und den bekannten Chansons von Charles Aznavour verwoben; so entstand ein Strom von Liedern und Geschichten aus Anatolien, der alten Heimat der Familie, und aus dem Libanon, der neuen Heimat nach dem Völkermord. Der estnisch-amerikanische Pianist Lembit Beecher, aber auch Layale Chaker (s. o.), die Flötistin Nathalie Joachim und die Pianistin Niloufar Nourbakhsh schufen dazu Kompositionen, mit denen sie die großen Themen der beiden Mütter reflektieren: die Erfahrungen von Krieg, Trauma und Migration, aber auch von Freude, Kindheit, Verwurzelung und Resilienz.

Foto: Ebru Yildiz

Zwei große Konzertflügel auf der Bühne, Spitz an Spitz aneinander geschmiegt, sodass sich ihre markanten Umrisse ergänzen. Wenn man auf dem Bühnenboden einen Kreis darum zöge, man hätte eine Art Yin und Yang vor sich, zwei gegensätzliche Kräfte, die einander zu einer höheren Einheit vervollständigen. Und noch ein Bild drängt sich auf: An den Tastaturen sitzen sich, wie die beiden Könige auf der Spielkarte, die Pianisten dieses fulminanten Abends gegenüber: Rami Khalifé, gebürtig aus Beirut, beheimatet in Paris, die Tiefe und Wärme der arabischen Tradition im Rücken, und Francesco Tristano, der Luxemburger, der seinem Leitstern Johann Sebastian Bach folgend die Welt der Musik durchstreift (s. o.). Schon seit sich die beiden im Jahr 2000 an der Juilliard School in New York City kennengelernt haben, improvisieren sie gemeinsam an zwei Klavieren. Daraus erwuchs u. a. ihr Album und Live-Programm »Pop Art« (2008), das die beiden stetig weiterentwickelt haben, und auf das sie nun wieder zurückkommen – erweitert um elektronische Elemente und um all die (auch solistischen) Erfahrungen, die sie in den vergangenen knapp zwei Jahrzehnten gesammelt haben.

Foto: Salah Mansouri

Der Titel sagt eigentlich schon alles. Zumindest fast. Alles Weitere? Lassen Sie sich überraschen.

Foto: Ryuya Amao

unbestuhlte Veranstaltung

Zwei musikalische Herzen schlagen in der Brust von Nai Barghouti: eines für die arabische Musik ihrer Heimat, den traditionellen Tarab ebenso wie zeitgenössische Spielarten, und eines für den Jazz. Ihre eigene Musik aber ist eine einzigartige Verbindung dieser beiden Welten. Nicht zuletzt, weil die palästinensische Sängerin für die Symbiose eine spezielle Gesangstechnik entwickelt hat, die von ihren Fans liebevoll die »Naistrumentation« genannt wird: Barghouti verwendet ihre so kraft- wie gefühlvolle Stimme als Instrument, vergleichbar dem Scat-Gesang des Jazz, der statt Wörtern einzelne Silben zu virtuosen Melodien improvisiert. Dank dieser ornamentalen Technik gelingt es ihr gemeinsam mit ihrer vierköpfigen Band, jazzige Einflüsse ganz organisch auf das arabische Repertoire zu übertragen.

Nai Barghouti (Gesang), Tony Roe (Klavier), Khalil Khoury (Kanun), Ruven Ruppik (Perkussion), Diega Alva (E-Bass)

Doppelkonzert im Innenhof (bei schlechtem Wetter im Saal)

Die irische Folk-Musikerin Tricia Collins verbindet mühelos Tradition mit einem frischen, modernen Touch. Tricia verbindet traditionellen irischen Folk mit einem modernen Touch in ihren Texten und Gitarrenmustern und fesselt das Publikum mit ihren herzlichen Darbietungen, ihrer skurrilen Sensibilität und ihrem humorvollen Geschichtenerzählen. Ihr Debüt gab sie mit der Veröffentlichung ihrer ersten EP im Januar 2024 und arbeitet derzeit an ihrem Debütalbum.


Sarah Buckley ist eine aufstrebende Alt-Folk-Künstlerin aus Cork, Irland. Als einzigartige und faszinierende Songwriterin erlangte sie mit der Veröffentlichung ihrer Debütsingle „You´ve Got Me“ (1,3 Millionen Radioimpressionen) sofort Aufmerksamkeit und baute diesen Erfolg mit ihrer von Karl produzierten Debüt-EP „Magic Powers“ im Februar 2023 aus Odlum (David Kitt, Gemma Hayes) und ihre zweite EP „Wind Chimes“ erscheinen im Oktober 2023.

Inspiriert von der erstklassigen Lyrik von Alex Turner, dem introspektiven Songwriting von Matt Berninger und der kompromisslosen Authentizität von Julia Jacklin – gelingt es Sarah, der Falle zu entgehen, ihre Helden nachzuahmen; Stattdessen kanalisieren sie ihren Einfluss in etwas Seltenes und sofort Überzeugendes.

Ihre Geschichte ist nicht die oft erzählte Geschichte der Fünfjährigen mit einer Haarbürste als Mikrofon und einem Lebenstraum. Die Musik kam später in Sarahs Leben und dieser subtile Unterschied unterscheidet sie von vielen ihrer Künstlerkollegen. Dies ist ein Abenteuer einer Frau, die ihre Stimme zuerst im Leben fand, bevor sie sie zum Lied brachte.

Mit jeder Veröffentlichung von Sarah entwickelt und erweitert sie ihren musikalischen Ausdruck weiter und wächst stetig als Künstlerin, die man für die wachsende Alt-Folk-Szene im Auge behält.

Foto: Sarah Buckley

BePhunk ist eine echte Institution im Hot Jazz Club: Seit über zehn Jahren ist die Band aus Münster regelmäßig zu Gast und befeuert mit ihrem Funk-Sound das Publikum. Der treibende Groove, verstärkt durch Bläser-Power, bringt die Luft zum Schwingen. Neu arrangierte Pop-Hits und Funk-Klassiker, aber auch viele Eigenkompositionen, machen ein Live Konzert mit BePhunk zu einem Erlebnis, bei dem es schwer fällt, die Beine ruhig zu halten.

Die Sängerin Lenny Lopez verleiht den Songs einen ganz besonderen Charme. Ihre unverwechselbare, intensive Stimme berührt bei Balladen und sorgt bei uptempo Songs dafür, dass kaum einer stillstehen mag. Die temperamentvolle Frontfrau der Band ist ein Garant für eine unvergessliche jazzy Funkparty.

Einlass: 19:00 Uhr

Vorverkauf beendet. Tickets ggfls. noch an der Abendkasse.