„Fassen wir zusammen:“ Das neue Progamm der Stachelschweine! Premiere am 27.8.22!

Wie macht man die Welt zu einem besseren Ort? Wie enteignet man Facebook, Amazon und Google - und bringt gleichzeitig die eigene Frau dazu, einem mal wieder zuzuhören? Und wird damit über Nacht berühmt?
Ganz einfach: Indem man das Internet abschaltet. Digital Detox für alle. Denken sich die Hacker-Aktivistin Pepsi-Carola und der grüne Hinterbänkler Lars Kugelreiter. Tatsächlich gelangen sie in den Kellerraum, wo alle Kabel zusammenlaufen. Der historische Moment ist da. Das Bekennervideo ist abgedreht. Zurück in die analogen 80er ...
Dumm nur, dass Lars’ Frau Bianca die Aktion um jeden Preis verhindern will, um die 200.000 Follower ihres Youtube-Kanals nicht zu verlieren. Und leider wird die Schaltzentrale auch noch von der Berliner Polizei videoüberwacht ...
Ein irrer Parforceritt durch das Metathema unserer Zeit – politisch, zeitgenössisch, gnadenlos. Offline-Kabarett mit richtigen SchauspielerInnen und viel Musik. Influencer ab 200.001 Followern haben freien Eintritt.

MIT: Jenny Bins, Steven Klopp, Santina Maria Schrader
REGIE: Frank Lüdecke
TEXT: Frank Lüdecke und Sören Sieg
KOMPOSITIONEN: Luca Fazioli
ARRANGEMENTS: Martin Rosengarten
MUSIKALISCHE EINSTUDIERUNG: Sören Sieg
BÜHNE: Adrian Ochse
KOSTÜME: Ina Segler
CHOREOGRAFIE: Steven Klopp
FILME: Axel Martin
PARODIST: Tobias Hanf
NACHRICHTENSPRECHER: Raiko Thal
FOTOS: Dirk Dehmel
REGIEASSISTENZ: Celina Schneider
REQUISITE: Andrzej Kotowicz
TECHNIK: Rabea Sliman

Einlass:19 Uhr

KI ist zu einem wirtschaftlich und strategisch hoch relevanten Faktor geworden. Doch wie steht es um praktisch relevante Eigenschaften wie Verlässlichkeit, Effizienz und Transparenz?

Gäste: Prof. Dr. Wojciech Samek und Dr. Jackie Ma, beide Fraunhofer Heinrich-Hertz-Institut (HHI)

Moderation: Mia Heresch

Inspiriert von der griechischen Mythologie widmen sich 4 Choreograf*innen mit viel Kreativität dem Thema des Minotaurus – ein Fabelwesen eingesperrt in einem Labyrinth, verkannt als Monster. Ein Irrgarten voller Emotionen, Tragödien und Abenteuern. Wieviel Zeitgeist steckt in diesem epischen Stoff?

I trip in darkness waiting for an idea
Waiting for the idea

My deadline is set
My labyrinth has limits
And although I have traveled these dark corridors again and again
My path is always new

I am stronger than my maze
If in need, I will break a wall and make a new
This made made for me
Is also made by me

The labyrinth is mine
I am its master

When the idea comes I will seize to exist
Light will be spread to the maze
And the twirls and turns of its halls
Will become a straight line

The journey
The intellect
The effort
Of the monster
Will merge with the idea

And few will be able to perceive
That before the idea
There was darkness
A labyrinth

And a monster

Dauer:
100 Minuten (inkl. Pause à 10min)

ENGLISCH:
Inspired by Greek mythology, 4 choreographers dedicate themselves with great creativity to the theme of the Minotaur - a mythical creature imprisoned in a labyrinth, misjudged as a monster. A maze full of emotions, tragedies and adventures. How much zeitgeist is there in this epic material?

I trip in darkness waiting for an idea
Waiting for the idea

My deadline is set
My labyrinth has limits
And although I have traveled these dark corridors again and again
My path is always new

I am stronger than my maze
If in need, I will break a wall and make a new
This made made for me
Is also made by me

The labyrinth is mine
I am its master

When the idea comes I will seize to exist
Light will be spread to the maze
And the twirls and turns of its halls
Will become a straight line

The journey
The intellect
The effort
Of the monster
Will merge with the idea

And few will be able to perceive
That before the idea
There was darkness
A labyrinth

And a monster

Duration:
100 min (Break à 10min included)

Julia Koch – Choreografin – Tänzer*innen der Excellenz-Klasse
Cristiana Casadio – Choregrafin – Tänzer*innen: Student*innen des 3. Studienjahres
Zoe Gyssler – Choreografin – Tänzer*innen: Student*innen des 2. Studienjahres
Alessio Trevisani – Choreograf – Tänzer*innen: Student*innen des 1. Studienjahres

DANCEWORKSberlin gGmbH, Tanzraum Wedding GbR

Heiße Fragen werden bearbeitet: Wie kann Frau ihren Mann halten? Wie kann eine in die Jahre gekommene Ehe rundum erneuert werden? Wie kehren in den Beziehungswinter die Frühlingsgefühle zurück? Und über allen Antworten liegt ein Augenzwinkern.

„Die Männerfalle“ ist die Fortsetzung des Theaterstücks „Männerschlussverkauf“ und der Vorgänger des dritten Teils „Mein Mann- und tschüss!“.

Es spielen Marion Martinez und Sina Haarmann



Und dann: viel Spaß beim Schauen! :-)

1/2 Std. vorher Einlass

Die Künstlergruppe General Idea forderte die Kunstwelt, aber auch die Gesellschaft im Allgemeinen heraus – und übt mit ihrem wegweisenden, 25 Jahre umfassenden Schaffen bis heute bleibenden Einfluss aus. In der bisher größten Retrospektive des Trios zeigt der Gropius Bau mehr als 200 Arbeiten aus den späten 1960er bis frühen 1990er Jahren.

Die 1969 in Toronto gegründete Gruppe, bestehend aus Felix Partz (1945–1994), Jorge Zontal (1944–1994) und AA Bronson (geb. 1946), hinterfragte die Produktion, Verbreitung und den Konsum von Bildern durch eine Vielzahl von Medien. Dabei nutzte General Idea häufig Humor und satirische Strategien, um den Blick auf verschiedene Aspekte von Konsumkultur, Massenmedien, sozialen Ungleichheiten, queerer Identität, Kunstwirtschaft und der AIDS-Krise zu lenken.

Die in enger Zusammenarbeit mit AA Bronson entwickelte Ausstellung im Gropius Bau versammelt zentrale Installationen, Publikationen, Videos, Zeichnungen, Gemälde, Skulpturen sowie Archivmaterial und gibt einen Überblick über die Entwicklung der künstlerischen Praxis von General Idea.

Kuratiert von Adam Welch für die National Gallery of Canada und Beatrix Ruf, in Zusammenarbeit mit Zippora Elders, für den Gropius Bau
Organisiert von der National Gallery of Canada in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau
 

Mo, Mi, Do, Fr 11:00–19:00 Sa, So 10:00–19:00 Di geschlossen

Das erste Programm des Gropius Bau zum Thema Künstliche Intelligenz (KI), das sowohl online als auch offline stattfindet, konzentriert sich auf die utopischen und poetischen Möglichkeiten von Künstlicher Intelligenz. Ab Juni 2023 beginnt mit Ether’s Bloom der erste Teil des Programms zu Künstlicher Intelligenz (KI) mit einer Reihe neuer Projekte. Dazu gehören ein*e Writer in Residence, künstlerische Auseinandersetzungen mit KI, ein Podcast, Vorträge und Gespräche. Den zweiten Teil des Programms bildet die Entwicklung einer App mit besonderem Schwerpunkt auf Vermittlung und Barrierefreiheit.

Das Programm Ether’s Bloom

Der Titel Ether’s Bloom ist inspiriert von Writer in Residence K Allado-McDowell. Aktuelle KI-Modelle neigen dazu, zu halluzinieren und Antworten zu geben, anstatt Fragen zu formulieren, obwohl Fragen und Spekulationen für die kreative Arbeit und den Diskurs von zentraler Bedeutung sind. Ether’s Bloom konzentriert sich auf künstlerische Entwürfe und Spekulationen zu KI in enger Zusammenarbeit mit Künstler*innen, Autor*innen und Wissenschaftler*innen.

Der KI-Podcast Beyond and Within: AI Talks nimmt Hörer*innen mit auf eine Reise aus Fragen, Vorstellungen und Untersuchungen und fördert dabei gemeinsames Lernen und Austausch. Er erforscht die unterschiedlichen Perspektiven auf die schnell weiterentwickelnden Technologien und thematisiert Gefühle, institutionelle Räume und Kunst sowie Verkörperung und Fragen zum zukünftigen Zusammenleben mit Technologie.

Ether’s Bloom soll Diskussionen über künstliche Intelligenz, ihre Ethik und Praktiken eröffnen und dabei einen generationenübergreifenden und intersektionalen Blickwinkel einnehmen.

Entwicklung einer KI-gestützten App

Der zweite Teil des Programms besteht aus der Entwicklung einer App, die zum Teil KI-gestützt ist. Sie bietet strukturelle Tools um den Besuch des Gropius Bau zugänglicher zu machen. Die App, die in Teilen aus den verschiedenen Aktivitäten im Kontext von Ether’s Bloom hervorgehen wird, legt den Schwerpunkt auf Zugänglichkeit und verschiedene Formen von Intelligenzen und ist als wichtige Ergänzung zum bestehenden Vermittlungsprogramm des Gropius Bau konzipiert. Sie unterstützt die Nutzbarkeit und das gemeinsame Lernen von Nutzer*innen und Besucher*innen und bietet eine Infrastruktur für KI-basierte Vermittlungsformate, die nachhaltig und zukunftsfähig ist.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr An Feiertagen ist der Gropius Bau von 10:00 bis 19:00 Uhr geöffnet.

Eine Besonderheit des Gropius Bau ist seine Lage. Sie ist ein wichtiger Bezugspunkt für die inhaltliche Ausrichtung des Hauses. Die Öffnung des Hauses für seine verschiedenen Nachbar*innen steht dabei an vorderer Stelle. Wie können wir das Ausstellungshaus als Ort der Gemeinschaft denken? Und welcher Praktiken bedarf es dafür? Das Neighbour in Residence-Programm ist eine Fortführung des seit 2020 bestehenden Austauschs mit interkulturellen, generationenübergreifenden und queeren Nachbarschaftsinitiativen. Ein wichtiger Wegbegleiter in dieser Zeit war der interdisziplinär arbeitende Schriftsteller hn. lyonga. Als erster Neighbour in Residence am Gropius Bau wird er sich in der zweiten Jahreshälfte 2023 mit seinem Programm becoming neighbours der Frage widmen, wie nachbarschaftliche Beziehungen in institutionellen Räumen bestehen können.

becoming neighbours
becoming neighbours ist eine Reihe von vier Workshops (Nachbarschaften, Ruhen, Pflanzen, In der Welt sein). Der erste Workshop (Nachbarschaften) ist ein aktiver Versuch, einen Raum für die Abwesenden zu schaffen und sich mit der Durchlässigkeit institutioneller Räume zu befassen. Der zweite Workshop (Ruhen) greift die Möglichkeiten des Zusammenkommens und des gemeinsamen Ausruhens als Akt des Widerstands auf. Der dritte Workshop (Pflanzen) nimmt Bezug auf Praktiken der Landwirtschaft und des Pflanzens, wodurch Nachbarschaften als Lebensräume betrachtet werden, in die wir uns hineingeben. Der letzte Workshop (In der Welt sein) befasst sich mit der zeremoniellen Tradition des Schreibens als ein Ritual, das üblich und entscheidend für das Festhalten von Erzählungen ist, die in einer Nachbarschaft existieren.

Das Programm findet in den kostenlos zugänglichen Bereichen (Gropius Hain, Lichthof, Resonanzraum) des Gropius Bau statt.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr An Feiertagen ist der Gropius Bau von 10:00 bis 19:00 Uhr geöffnet.

Soundshapes – In Between Frequencies (Zwischen Frequenzen) aktiviert die beiden Eingänge des Gropius Bau mit Soundarbeiten von Kapwani Kiwanga und Janine Jembere. Durch diese architektonische Intervention wird eine akustische Verbindung zwischen dem im Stil der Neorenaissance gestalteten zentralen Eingangsportal und dem stufenfreien Eingang geschaffen. Ausgehend von dem Potential von Porosität, beschäftigt sich das Projekt mit der Monumentalität und Statik des Gebäudes, um die Trennung zwischen Innen und Außen zu destablisieren. Soundshapes – In Between Frequencies wurde von Julia Grosse und Carolin Köchling konzipiert und kuratiert.
Kapwani Kiwanga: 500ft
31. Juli bis 16. Oktober 2023
Wie kontrolliert Architektur das körperliche Verhalten und den psychischen Zustand von Menschen? In ihrer Soundarbeit 500ft bringt Kapwani Kiwanga verschiedene disziplinierende Mittel gebauter Umgebungen und koloniale Strategien der Separation in Verbindung. Anhand von öffentlichen Institutionen wie Krankenhäusern, Gefängnissen sowie urbanen Räumen zeichnet die Künstlerin nach, wie über verschiedene Zeiten und Geografien hinweg disziplinierende Architekturen geschaffen und fortentwickelt wurden. Ein wiederkehrendes Motiv ist die Gestaltung des Innenraums in Reaktion auf das Außen, in dem Bestreben, menschliches Verhalten und Natur zu beherrschen. Der Titel der Arbeit bezieht sich auf den Mindestabstand zwischen den Gebieten der lokalen Bewohner*innen und denen der europäischen Siedler*innen in den französischen Kolonien, der in der International Conference on Colonial Urbanism (Paris, 1931) festgelegt wurde.
 

Janine Jembere: endurance – a sound shower
18. Oktober 2023 bis 1. Januar 2024
Für Soundshapes – In Between Frequencies entwickelt die Künstlerin Janine Jembere eine klangliche Umarmung, eine Dusche aus Wörtern in möglichst vielen Sprachen. 

„Die Worte, die mir gesagt wurden, hallen in meinem Kopf nach, bis ich anfange, sie mir selbst zu erzählen. Um die Kraft zum Rebellieren zu finden, zum Kämpfen und zum Ertragen, brauche ich diese Worte, um meine Wut und meine Liebe zu nähren. Das sind die Worte, die ich hören muss, das sind die Worte, die ich euch hören lassen will.“
— Janine Jembere

 
Eintritt frei

Mo, Mi, Do, Fr 11:00–19:00 Sa, So 10:00–19:00 Di geschlossen

In diesem Auftakt zu Pallavi Pauls bevorstehender großer Einzelausstellung im Gropius Bau im Jahr 2024 taucht eine Szenografie rund um die Drei-Kanal-Videoinstallation Cynthia Ke Sapne / The Dreams of Cynthia (2017) den historischen Schliemannsaal in einen Dämmerzustand zwischen Wachsein und Schlaf.
Die filmische Arbeit bezieht sich auf das gleichnamige zeitgenössische Gedicht von Anish Ahluwalia und befasst sich mit Sphären der Liebe und Zärtlichkeit sowie mit der Brutalität staatlicher Gewalt. Im Zentrum stehen dabei drei Protagonist*innen: ein Henker, eine trans Künstlerin und die literarische Figur Cynthia. Während sich die Leben der ersten beiden in einer postindustriellen Umgebung in Indien verweben, erscheint Cynthia als eine imaginative und sich ständig wandelnde Figur, die sich durch verschiedene Räume und Traumlandschaften bewegt.

Der künstlerische Ansatz von Pallavi Paul, Artist in Residence 2023 des Gropius Bau, lässt sich an der Schnittstelle von Kino, Literatur und anhaltenden politischen Konfliktlinien verorten. Sie nutzt die Kamera, um zu hinterfragen, wie spirituelle, technologische und politische Regime von „Wahrheit“ im öffentlichen Leben produziert und aufrechterhalten werden. In ihrer multidisziplinären Praxis, die sich über die Bereiche Film, Installation, Performance, Zeichnung und Text erstreckt, interessiert sich Paul insbesondere für die Spannung zwischen dem Dokument und seiner ästhetischen Ausdrucksform – dem Dokumentarfilm.

How Love Moves: Prelude wird von dem Programm Six Days of Love begleitet, das sich zwischen Sommer 2023 und Frühjahr 2024 als eine Reihe von filmischen Lesungen, Gesprächsformaten, Performances und akustischen Aktivierungen entfaltet.

Mo, Mi, Do, Fr 11:00–19:00 Sa, So 10:00–19:00 Di geschlossen

Wir lieben uns, wir vertrauen uns und wir dachten, wir wüssten alles von uns! Doch manch ein Geheimnis schläft in unserer Brust. Und dieses hat das Publikum uns eingeflüstert. Ein Improvisationsformat von Michael Wolf, bei dem das Publikum fast göttliche Macht- und Entscheidungsbefugnisse erhält.

Vorstellungsdauer ca. 2x50 Minuten zzgl einer 15minütigen Pause

Das Konzert mit dem Titel WILLKOMMEN steht für das Zusammentreffen von Sängerinnen und Sängern am ersten Abend des CHORALSPACE Festivals. Hier lernen Sie verschiedene Ensembles des Festivals kennen. Diesmal sind dabei Chór Cantata Elbląg aus Polen, Varna Boys and Youth Choir aus Bulgarien sowie STAL-kören Finspång und Östgöta Kammarkör aus Schweden.

20:30

Am 30. Dezember 1922 wurde im Moskauer Bolschoi-Theater die Union der Sozialistischen Sowjetrepubliken gegründet. 100 Jahre später konzipiert die Kritikerin, Kuratorin und Theatermacherin Marina Davydova das “Museum der ungezählten Stimmen”. Sie zeigt, wie die Grenzen der Nationalstaaten innerhalb der UdSSR entstanden sind, warum sich diese Grenzen heute als Zeitbomben entpuppen und inwiefern sich die Kulturen der Länder, die einst die Sowjetunion bildeten, schon immer unterschieden haben. Die Besucher*in nen betreten einen zum Museum stilisierten Raum, der vor ihren Augen zum Leben erweckt wird, sich verwandelt und einen Parcours durch komplexe Zusammenhänge anbietet. Von einer scheinbar objektiven Geschichtsschreibung führt der Weg hin zum Widersprüchlichen, zum existenziell Biografischen. Als offene Opponentin des Krieges Russlands gegen die Ukraine leb Marina Davydova derzeit im Berliner Exil. Nach der gefeierten Uraufführung bei den Wiener Festwochen zeigt sie die HAU-Auftragsarbeit erstmals in Berlin. Anlässlich der Berlin-Premiere diskutieren Davydova, die Schauspielerin Valery Tscheplanowa und Dmitry Vilensky vom Kollektiv Chto Delat am 29. September über die Gegenwart sowjetischer Vergangenheit.
___________________

The Union of Soviet Socialist Republics was founded in Moscow’s Bolshoi Theatre on 30 December 1922. 100 years later, the critic, curator, and theatre maker Marina Davydova has conceptualised the “Museum of Uncounted Voices”. She shows how the borders of the national republics within the USSR came into being, why those borders today have proved to be time bombs, and to what extent the cultures of the countries that once made up the Soviet Union have always differed. Visitors enter a space stylised as a museum that then comes to life before their eyes, transforming itself and offering an expedition through complex contexts. The itinerary itself proceeds from an apparently objective historiography to the contradictory and the existentially biographical. As an open opponent of Russia’s war against Ukraine, Marina Davydova lives in exile in Berlin. After the celebrated premiere at the Wiener Festwochen, the HAU commissioned work is shown for the first time in Berlin. On the occasion of the Berlin premiere, Davydova, the actress Valery Tscheplanowa, and Dmitry Vilensky from the collective Chto Delat will discuss the present of the Soviet past on 29 September.

Ev. Restkarten an der Abendkasse

Am 30. Dezember 1922 wurde im Moskauer Bolschoi-Theater die Union der Sozialistischen Sowjetrepubliken gegründet. 100 Jahre später konzipiert die Kritikerin, Kuratorin und Theatermacherin Marina Davydova das “Museum der ungezählten Stimmen”. Sie zeigt, wie die Grenzen der Nationalstaaten innerhalb der UdSSR entstanden sind, warum sich diese Grenzen heute als Zeitbomben entpuppen und inwiefern sich die Kulturen der Länder, die einst die Sowjetunion bildeten, schon immer unterschieden haben. Die Besucher*in nen betreten einen zum Museum stilisierten Raum, der vor ihren Augen zum Leben erweckt wird, sich verwandelt und einen Parcours durch komplexe Zusammenhänge anbietet. Von einer scheinbar objektiven Geschichtsschreibung führt der Weg hin zum Widersprüchlichen, zum existenziell Biografischen. Als offene Opponentin des Krieges Russlands gegen die Ukraine leb Marina Davydova derzeit im Berliner Exil. Nach der gefeierten Uraufführung bei den Wiener Festwochen zeigt sie die HAU-Auftragsarbeit erstmals in Berlin. Anlässlich der Berlin-Premiere diskutieren Davydova, die Schauspielerin Valery Tscheplanowa und Dmitry Vilensky vom Kollektiv Chto Delat am 29. September über die Gegenwart sowjetischer Vergangenheit.
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The Union of Soviet Socialist Republics was founded in Moscow’s Bolshoi Theatre on 30 December 1922. 100 years later, the critic, curator, and theatre maker Marina Davydova has conceptualised the “Museum of Uncounted Voices”. She shows how the borders of the national republics within the USSR came into being, why those borders today have proved to be time bombs, and to what extent the cultures of the countries that once made up the Soviet Union have always differed. Visitors enter a space stylised as a museum that then comes to life before their eyes, transforming itself and offering an expedition through complex contexts. The itinerary itself proceeds from an apparently objective historiography to the contradictory and the existentially biographical. As an open opponent of Russia’s war against Ukraine, Marina Davydova lives in exile in Berlin. After the celebrated premiere at the Wiener Festwochen, the HAU commissioned work is shown for the first time in Berlin. On the occasion of the Berlin premiere, Davydova, the actress Valery Tscheplanowa, and Dmitry Vilensky from the collective Chto Delat will discuss the present of the Soviet past on 29 September.

Die Künstlergruppe General Idea forderte die Kunstwelt, aber auch die Gesellschaft im Allgemeinen heraus – und übt mit ihrem wegweisenden, 25 Jahre umfassenden Schaffen bis heute bleibenden Einfluss aus. In der bisher größten Retrospektive des Trios zeigt der Gropius Bau mehr als 200 Arbeiten aus den späten 1960er bis frühen 1990er Jahren.

 

Die 1969 in Toronto gegründete Gruppe, bestehend aus Felix Partz (1945–1994), Jorge Zontal (1944–1994) und AA Bronson (geb. 1946), hinterfragte die Produktion, Verbreitung und den Konsum von Bildern durch eine Vielzahl von Medien. Dabei nutzte General Idea häufig Humor und satirische Strategien, um den Blick auf verschiedene Aspekte von Konsumkultur, Massenmedien, sozialen Ungleichheiten, queerer Identität, Kunstwirtschaft und der AIDS-Krise zu lenken.

Die in enger Zusammenarbeit mit AA Bronson entwickelte Ausstellung im Gropius Bau versammelt zentrale Installationen, Publikationen, Videos, Zeichnungen, Gemälde, Skulpturen sowie Archivmaterial und gibt einen Überblick über die Entwicklung der künstlerischen Praxis von General Idea.

Kuratiert von Adam Welch für die National Gallery of Canada und Beatrix Ruf, in Zusammenarbeit mit Zippora Elders, für den Gropius Bau
Organisiert von der National Gallery of Canada in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau

Mo, Mi, Do, Fr 11:00–19:00 Sa, So 10:00–19:00 Di geschlossen

Madre ®
Es ist nie zu spät für eine glückliche Kindheit

Das Stück Madre von Marta Barceló i Femenías reflektiert auf humorvolle Weise, wie Beziehungen zwischen Menschen entstehen, was eine Familie auszeichnet, was von bestimmten Verwandtschaftsverhältnissen erwartet wird, welche Auswirkungen ein Gefühl der Verlassenheit oder des Verlusts der Familie auf jemanden haben kann, die unerwarteten Auswirkungen kapitalistischer Logik, Geschäfte mit der Liebe und die Erfindung neuer Formeln für persönliche Beziehungen.

Zum gegebenen Anlass bieten wir allen Töchtern und Müttern ein gemeinsames Ticket zum Preis von 15,00 Euro pro Person an. Die Karten funktionieren allerdings nur in der Mutter-Tochter-Kombination (gilt natürlich auch für mehrere Töchter) – Also, nehmen Sie Ihre Mutter an die Hand, tun Sie sich beiden was Gutes, kaufen Sie zwei Tickets – und besuchen Sie gemeinsam MADRE® (Väter und Söhne sind hier mitgemeint).

Einlass: 19:20 Uhr / Kein Nacheinlass

Wir alle konsumieren und wirtschaften, als hätten wir zwei bis drei Erden zur Verfügung. Alle? Nicht alle!
Es gibt bereits Initiativen und Projekte, die nachhaltig und fair arbeiten und dabei die Grenzen der Erde respektieren. Lernen wir sie kennen!

Exkursionsleitung: Kathrin Scheurich, Natur- und Umweltpädagogin.

Treffpunkt: Genossenschaft in der alten Königstadtbrauerei eG, Saarbrücker Str. 24, 10405 Berlin, Hofeinfahrt erreichbar über U-Bhf. Senefelderplatz + 5 min. Fußweg

Eintritt frei, Anmeldung bitte an highart@urania-berlin.de

Wir alle konsumieren und wirtschaften, als hätten wir zwei bis drei Erden zur Verfügung. Alle? Nicht alle! Es gibt bereits Initiativen und Projekte, die nachhaltig und fair arbeiten und dabei die Grenzen der Erde respektieren. Lernen wir sie kennen!

Exkursionsleitung: Kathrin Scheurich, Natur- und Umweltpädagogin.

Eintritt frei, Anmeldung bitte an highart@urania-berlin.de

Treffpunkt: KlimaWerkstatt, Mönchstraße 8, 13597 Berlin zu erreichen über U-Bhf. Altstadt Spandau.

Ist da ein Raum, in dem andere Kräfteverhältnisse herrschen? Ein anderes Universum, Multiversen, ein gleichzeitiges Drehen mit verschiedener Richtung und Geschwindigkeit im Omniversum?

Diese Welt ist starr, sie wird starrer. Die zunehmende Wirkmacht rechts- radikaler, nationalistischer Positionen verhärtet die binären, christlich und weiß dominierten Ordnungen. Die Bewegung muss beginnen, beschleunigt, Wärme verbreiten. Sie hat schon begonnen, ohne Anfang und Ende. In andere Multiversen.

Bishop Black sucht die Dekolonisierung. Bewegung für Bewegung, Bild für Bild, Wort für Wort arbeitet Bishop Black gegen den alten Mythos von „Am Anfang war die Reinheit“. Mit jedem Soundlayer und jeder Muskel- bewegung sucht they dem Druck der alten polaren Achsenmächte von sexual identity und racial identity zu widerstehen und das Gravitationsfeld zu einem dritten, offenen, unbekannten Pol zu öffnen.

Becoming my body ist der Weg wider die Kolonisierung durch Sexualitäts- konzepte und Fashion, durch eurozentrische Kosmologie und Epistemologie. Becoming my body ist ein performatives, getanztes, synthetisches Schreiten zu einem Raum, in dem andere Kräfteverhältnisse herrschen, Bishop Blacks Einladung in seine Multiversen.

Mit Becoming my body zeigt Bishop Black die erste abendfüllende Solop- erformance - als Bündelung der eigenen Strategien in Video, Sound, Tanz, Dragshow und Performance.

Konzept/Choreografie/Performance: Bishop Black; Musik: TRV NI ; Lichtdesign: Emilio Cordero Checa; Dramaturgie/Video: Jasco Viefhues; Choreografische Beratung: Caritia Abell; Mitarbeit Choreografie: Kysy Fischer

Eine Produktion von Kultursprünge im Ballhaus Naunynstraße gemeinnützige GmbH. Erstproduktion im Rahmen des Festivals Postcolonial Poly Perspectives, gefördert durch den Haupstadtkulturfonds. Wiederaufnahme gefördert aus Mitteln des Landes Berlin und der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt, im Rahmen des Festivals Black Berlin Black - United Polyphonic. Foto: © Zé de Paiva

Die Künstlergruppe General Idea forderte die Kunstwelt, aber auch die Gesellschaft im Allgemeinen heraus – und übt mit ihrem wegweisenden, 25 Jahre umfassenden Schaffen bis heute bleibenden Einfluss aus. In der bisher größten Retrospektive des Trios zeigt der Gropius Bau mehr als 200 Arbeiten aus den späten 1960er bis frühen 1990er Jahren.

 

Die 1969 in Toronto gegründete Gruppe, bestehend aus Felix Partz (1945–1994), Jorge Zontal (1944–1994) und AA Bronson (geb. 1946), hinterfragte die Produktion, Verbreitung und den Konsum von Bildern durch eine Vielzahl von Medien. Dabei nutzte General Idea häufig Humor und satirische Strategien, um den Blick auf verschiedene Aspekte von Konsumkultur, Massenmedien, sozialen Ungleichheiten, queerer Identität, Kunstwirtschaft und der AIDS-Krise zu lenken.

Die in enger Zusammenarbeit mit AA Bronson entwickelte Ausstellung im Gropius Bau versammelt zentrale Installationen, Publikationen, Videos, Zeichnungen, Gemälde, Skulpturen sowie Archivmaterial und gibt einen Überblick über die Entwicklung der künstlerischen Praxis von General Idea.

Kuratiert von Adam Welch für die National Gallery of Canada und Beatrix Ruf, in Zusammenarbeit mit Zippora Elders, für den Gropius Bau
Organisiert von der National Gallery of Canada in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau

Mo, Mi, Do, Fr 11:00–19:00 Sa, So 10:00–19:00 Di geschlossen