Die Kultshow der Gorillas – seit Bestehen des Ensembles der Dauerbrenner im Ratibor. Drei Regisseur*innen treten in einen Wettstreit. Sie lassen spielen. Sie lassen singen. Sie inszenieren und intrigieren. Sie tanzen selbst. Sie wollen Deine Gunst!

Zwei Kinder am Bahndamm zwischen Abrisshäusern. Eine Frau und ein Mann in einer miesen Absteige. Ein Dichter namens Paradise, dessen Zeit vorbei ist – oder noch nicht gekommen. In seinen zahlreichen, meist wenig bekannten Einaktern zeigt Tennessee Williams einen radikalen, atmosphärisch dichten und unbehaglich aktuellen Blick auf die Wirklichkeit. Jede Gesellschaftsordnung liegt in Trümmern, die Menschen irren umher zwischen dem Vergangenen, das im Sterben liegt, und dem Neuen, das noch nicht geboren ist. Selbst die kleinen Fluchten gelingen nicht mehr. Es ist eine Zeit, die leibhaftige Monstren ebenso hervorbringt wie monströse Paradiese des Illusionären.

Der Dramatiker Tennessee Williams (1911-1983) wurde mit Bühnenstücken wie „Endstation Sehnsucht“, „Die Glasmenagerie“ oder „Die Katze auf dem heißen Blechdach“ weltweit bekannt. Zusammen mit dem Titelstück „Mister Paradise“ bringt das FWT: drei weitere seiner Kurzdramen auf die Bühne: „Die Frau des fetten Mannes“ (beide Deutsch von Inge und Gottfried Greiffenhagen), „Madame Melissengeist“ (Deutsch von Jörn von Dyck) und „Zum Abriss freigegeben“ (Deutsch von Wolf Christian Schröder).

Verlag: Jussenhoven & Fischer, Theater & Medien

MIT Annina Euling, Sven Gey, Brit Purwin
INSZENIERUNG Julie Grothgar
AUSSTATTUNG Philipp Basener, Martina Kock
REGIEASSISTENZ Pit Schaaf

Vier junge Männer in einer Pariser WG, voller Lebenshunger und Verachtung für bürgerliche Lebensentwürfe: Rodolphe, ein erfolgreicher Journalist, der sich lieber als verkannter Dichter sieht. Der Maler Marcel, der unablässig am gleichen „Meisterwerk“ arbeitet, noch mehr Energie jedoch in eine turbulente Liebesbeziehung investiert. Der Philosoph Colline, der alles verachtet außer Bücher, kluge Sentenzen und Männer-freundschaft. Und ein selbstironischer Teufelsgeiger namens Schaunard, der musizierend Papageien ins Jenseits befördert, wenn er zu Geld kommt, aber zu allererst an seine Kumpels und deren leibliches Wohl denkt. Dazu zwei junge Frauen: Die kapriziöse Schönheit Musette mit hohem Männerverschleiß und erfolgreicher Sängerinnenkarriere, aber gutem Herzen. Und Mimi, die einfache Arbeiterin, an Tuberkulose erkrankt, die Teil dieser aufregenden Welt sein will und die auch die Liebe nicht vor dem Tod bewahren kann.

Diese sechs Lebenskünstler*innen, die ihre Existenzen am gesell-schaftlichen Rand mit übergroßen Träumen auszubalancieren suchen, sind die Zutaten von Puccinis unsterblicher Bohème. Matthias Reichwald erzählt Puccinis Meisterwerk voller berückender Melodien nah an den Figuren, ihren Sehnsüchten und Widersprüchen und in deutscher Sprache – damit man nicht nur ergriffen ist, wenn Mimi von berauschenden Orchesterklängen begleitet stirbt, sondern auch das pointenreich-selbstironische Leben der Bohemiens hautnah miterlebt.

Interessierte Schulen und LehrerInnen können sich anmelden bei: andrzej.kolinski@instytutpolski.pl

POLE-POSITION. Der „Polnische Projekttag für NRW-Schulen geht auf eine gemeinsame Initiative des Polnischen Instituts Düsseldorf und des Ministeriums für Schule und Weiterbildung NRW im Frühjahr 2005 zurück. Durch die konsequente Regularität und das Ansprechen aller Schulformen hat das Bildungsprojekt einen Ausnahme-Charakter erreicht.

Die inzwischen oft mehrmals im Monat stattfindende ganztägige – für die Schulen kostenfreie – Veranstaltung richtet sich an SchülerInnen ab der Sekundarstufe II, die sich für Austauschbesuche mit polnischen Schulen bzw. –Klassen vorbereiten wollen, oder die etwas mehr über Polen erfahren möchten. Die Projekteinheiten: Crashkurs durch die polnisch-deutsche Geschichte; Workshops Kulturelle Gemeinsamkeiten und Unterschiede zwischen Polen und Deutschen; Junge Szene in Polen; Polen im Internet; Polnische Literatur; Schnupperkurs Polnisch; Landeskunde Polen; Politik: Polen-Deutschland-EU verschaffen den Schülerinnen und Schülern der weiterführenden Schulen einen attraktiv gestalteten, modernen und zugleich umfassenden Blick auf ihren Nachbarn.

Nach Vereinbarung

Eine künstlerische Auseinandersetzung mit der Utopie des grenzenlosen Wachstums.
Wir laden Sie und Ihre Freunde herzlich ein zur Ausstellungseröffnung

NICOLAS GROSPIERRE, Photography Degrowth

am Freitag, den 17. Mai 2024, um 19.00 Uhr

Galerie des Polnischen Instituts Düsseldorf, Citadellstr. 7, 40213 Düsseldorf

Der Künstler ist anwesend

Kurator der Ausstellung: Adam Mazur

Öffnungszeiten im Institut während düsseldorf photo+ Wochenende

FR 17. Mai, 18 – 21 Uhr

SA 18. Mai, 12 – 16 Uhr: um 12 Uhr Führung mit Künstler und Kurator

SO 19. Mai, 12 – 16 Uhr

Dauer der Ausstellung: 18.05 – 9.08.2024

Öffnungszeiten der Galerie: Di – Fr 11.00 – 17.00 Uhr

https://www.duesseldorfphotoplus.de/

Nicolas Grospierre gehört zu den bedeutendsten polnischen Gegenwartskünstlern. Er kam 1975 in Genf zur Welt, wuchs in Paris auf und lebt in Warschau. Er wird vor allem mit der Fotografie assoziiert, die er seit fünfundzwanzig Jahren betreibt, doch sein Werk umfasst auch Installationen, Objekte, Kunstbände und Videofilme. Ein Thema, das Grospierre beschäftigt, ist die Utopie des grenzenlosen Wachstums. Am deutlichsten zeigt sich das Illusorische der modernistischen Ideale in Architektur und Stadtplanung, die einen zentralen Gegenstand von Grospierres Interesse bilden. Dafür erhielt er zahlreiche Preise, darunter den Goldenen Löwen der Architektur-Biennale in Venedig (zusammen mit Kobas Laksa). Sie führten zu der Publikationsreihe Modern Forms im Prestel Verlag sowie Ausstellungen in renommierten Institutionen wie der Architecture Association in London.

Die in Photography Degrowth formulierte Kritik ist keine totale, es geht nicht um die Zerstörung oder Abschaffung des Kapitalismus, sondern vielmehr um vertiefte Reflexion, einen Moment des Nachdenkens darüber, wohin unsere Zivilisation führt, was verändert werden muss und was beibehalten werden kann, weil es großartig und inspirierend ist.

Die Ausstellung Photography Degrowth versammelt eine Reihe von ikonischen Fotografien und Objekten Grospierres, die ergänzt werden durch neue, im Polnischen Institut erstmals präsentierte Arbeiten. Jedes der gezeigten Werke bezieht sich auf eine seltsame und nicht offensichtliche Weise auf die Idee des Postwachstums und kreist dabei um Architektur. Neben Werken wie Kolekcja, która rośnie (Die Sammlung, die wächst, 2014 und fortlaufend) oder Dom, który rośnie (Das Haus, das wächst, 2012) werden die Objekte BBL Unltd (2020) und Axonocity (2018) gezeigt. Zu den erstmals öffentlich gezeigten Arbeiten gehören Tetranoi (2021) und Carceri Imaginari (2022).

Jede Einzelausstellung Grospierres ist eine aus einzelnen Elementen komponierte autonome Ganzheit, die dem Besucher das Gefühl vermittelt, eine andere räumliche und mentale Dimension zu betreten. Dieses Gefühl ist nicht leicht in Worte zu fassen, aber anders als es die von Pressetexten begleiteten flachen Reproduktionen von Architektur-Fotografien vermitteln können, handelt es sich um eine sinnliche und einzigartige Erfahrung. Das gilt auch für Photography Degrowth, die Präsentation von Fotografien in einer Spirale, die „rückwächst“, sich entfaltet, zusammenfällt und mäandert, sich den Raum der Galerie aneignet und überwältigt und fasziniert wie die Idee des grenzenlosen Fortschritts und Wachstums.

Adam Mazur Kurator

Aus dem Polnischen von Bernhard Hartmann

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Nicolas Grospierre, Photography Degrowth

Nicolas Grospierre is one of the most outstanding contemporary Polish artists. He was born in Geneva in 1975, grew up in Paris and lives in Warsaw. He is primarily associated with photography, which he has been practising for twenty-five years, but his work also includes installations, objects, art books and video films. One theme that has preoccupied Grospierre since the beginning of the 21st century is the utopia of limitless growth. The illusory nature of modernist ideals is most evident in architecture and urban planning, which form a central object of Grospierre’s interest. He has received numerous awards for his work, including the Golden Lion at the Architecture Biennale in Venice (together with Kobas Laksa). They resulted also in the publication series Modern Forms by Prestel Verlag and exhibitions at renowned institutions such as the Architecture Association in London.

The critique formulated by Grospierre in Photography Degrowth is not a total one, it does not concern either the destruction or abolition of capitalism. It is rather a deeper reflection, a moment of thought about where all this is leading, what needs to be changed and what can be kept because it is great and inspiring.

Each of the exhibited works relates in a subversive and non-obvious way to the idea of post-growth while circulating around architecture. In addition to works such as The Collection that Grows (2014 and on-going) and The House that Grows (2012), there will be also presented BBL Unltd (2020) and Axonocity (2018). Among the works being shown for the first time are Tetranoi (2021) and Carceri Imaginari (2022).

The Photography Degrowth exhibition collects a number of Grospierre’s iconic photographs and objects, which are complemented by new realisations premiered at the Polish Institute Düsseldorf.

Each individual exhibition by Nicolas Grospierre is an autonomous whole composed of individual elements, giving the feeling of entering another spatial and mental dimension. This feeling is not easy to put into words, but unlike the flat reproductions accompanied by press releases, it is a sensual and unique experience. This is also the case with Photography Degrowth, the presentation of photographs in a spiral that „grows back“, unfolds, collapses and meanders. Overtaking the gallery space it stunnigly fascinates like the idea of limitless progress and growth.

Adam Mazur, curator

Translated from Polish by Andrzej Koliński

MO-FR 11.00 - 17.00 Uhr

Bitte kaufen Sie ein Ausstellungsticket und finden Sie sich zum Start der Führung im Foyer des Gropius Bau ein.Eine individuelle Führung für eine Gruppe können Sie beim Museumsdienst buchen: +49 30 247 49 888 oder museumsdienst@kulturprojekte.berlin

Treffpunkt: Gropius Bau, Foyer
  
Auch als individuelle Führung für Gruppen buchbar.
  
Die Führung selbst ist kostenlos; Sie benötigen aber ein Ausstellungsticket.

Anthony Caro – Sculptures
2. März bis 14. Juli

Seit Beginn der 1960er-Jahre arbeitete der britische Bildhauer Anthony Caro (1924-2013) mehr als ein halbes Jahrhundert lang an der radikalen Erweiterung unserer Vorstellung von Skulptur. Beeinflusst durch künstlerische und theoretische Impulse aus den USA überwand der ehemalige Assistent Henry Moores die seine eigene Ausbildung noch prägenden figurativen Ansprüche und widmete sich konsequent der Exploration neuer Gestaltungsmittel und -methoden. Bezeichnend für sein Werk sind dabei abstrakte Assemblagen teils großflächiger Stahlbleche geworden, die sich mal zu massiven, tonnenschwereren Gebilden schließen, mal zu filigranen Konstrukten arrangieren. Die häufig verwendeten Schrottteile aus Metall ergänzte Caro auch um weitere Materialien wie Holz oder Acrylglas und ließ sie bisweilen metallisch glänzend in Erscheinung treten oder lackierte ihre Oberflächen in farbigen Kontrasten.

Wenige Tage bevor Anthony Caro 100 Jahre alt geworden wäre, eröffnet der Skulpturenpark Waldfrieden die dem Bildhauer gewidmete Ausstellung Sculptures. In zwei Ausstellungshallen werden dabei Werke aus fünf Jahrzenten gezeigt. Zusätzlich zu den Arbeiten im Innenraum werden einzelne Werke im Außenbereich präsentiert, wie etwa das über acht Meter lange „Double Tent“ (1987-1993) aus Edelstahl. Die Präsentation in den Pavillons erlaubt auch die Thematisierung der architektonischen Fragestellungen einiger Arbeiten Caros, wie etwa im Falle der Arbeit „Child’s Tower Room“ (1983-1984) aus japanischer Eiche.

Sir Anthony Caro (1924-2013) gilt als bedeutender britischer Bildhauer des 20. Jahrhunderts. Nach anfänglichem Ingenieursstudium studierte er Bildhauerei am Regent Street Polytechnic, London, und Royal Academy Schools, London. Von 1951-1953 war er Assistent von Henry Moore. Beeinflusst durch den US-amerikanischen Kunstkritiker Clement Greenberg und Künstler wie David Smith entwickelte Anthony Caro ab 1960 sein eigenständiges Werk. Zwischen 1953 und 1981 lehrte er an der St. Martin’s School of Art, London. 1966 vertrat er neben anderen Künstlern Großbritannien auf der Biennale von Venedig. Große Retrospektiven wurden ihm u.a. 1975 im Museum of Modern Art, NY, 1995 im Museum of Contemporary Art, Tokyo, sowie 2005 in der Tate Britain, London, gewidmet. Seit 2020 wird sein Nachlass vom Anthony Caro Centre, London, verwaltet.

Bitte kaufen Sie ein Ausstellungsticket und finden Sie sich zum Start der Führung im Foyer des Gropius Bau ein.

Eine individuelle Führung für eine Gruppe können Sie beim Museumsdienst buchen: +49 30 247 49 888 oder museumsdienst@kulturprojekte.berlin

Treffpunkt: Gropius Bau, Foyer
  
Auch als individuelle Führung für Gruppen buchbar.
  
Die Führung selbst ist kostenlos; Sie benötigen aber ein Ausstellungsticket.

Kerry Renards Stück wurde 2003 uraufgeführt und erobert seither die Bühnen landauf landab mit einer wunderbaren Mischung aus Travestie und Komödie.

»Ganze Kerle!« erzählt die Geschichte von vier Paketdienstmitarbeitern. Obwohl ihr Chef ständig Druck macht, erledigen die Männer ihren Job gerne. Doch die Zeiten sind hart, einem von ihnen droht die Kündigung, weil er für die Arbeit angeblich zu alt ist. Die Stimmung innerhalb des Teams ändert sich erst wieder, als die Packer erfahren, dass die siebenjährige Betty, die Tochter des Chefs, an einer Erkrankung der Augen leidet. Da haben die Männer die Idee: Warum nicht eine Travestieshow auf die Beine stellen, um so für Betty zu sammeln? Doch vor dem glanzvollen Auftritt der ganzen Kerle in glitzernden Kostümen ist noch manches Hindernis zu überwinden.

Regie: Augustinus von Loë
Bühne: Robert Pflanz
Kostüme: Elissa Liebhardt

mit Alexander Bräutigam, Manuel Köhler, Marc Marchand, Yannick Rey, Anna Schindlbeck

Weit weg oder ganz nah? Die Ausstellung erzählt von den vielschichtigen Verbindungen zwischen Stuttgart, Deutschland und Afghanistan. Sie zeigt historische Objekte, vorislamische und islamische Kunstwerke ebenso wie alltägliche, doch bedeutsame Gegenstände.

Gebühr: EUR 5,- zzgl. Ausstellungseintritt

Übersetzung: Maik Hamburger. Regie: Maja Delinic. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer, Rike Schimitschek. Musik: Clemens Gutjahr. Mit: Simon Elias, Michael Meyer, Sofie Miller, Laila Richter, Petra-Janina Schultz, Markus Seuß.

Im idyllischen Messina, wo Herzog Leonato die beiden Kriegshelden Claudio und Benedick empfängt, entfacht ein Maskenball ein regelrechtes Liebeschaos, in dem keiner mehr weiß, wer wem trauen kann und warum man wen eigentlich liebt. Die scharfzüngige Beatrice und der wortgewandte Benedick liefern sich geistreiche Wortgefechte, während Hero und Claudio von eifersüchtigen Intrigen bedroht werden. Die Liebe entsteht immer vor den Blicken der anderen und ist eingefädelt durch Hörensagen und von Gerüchten. Findet man heutzutage überhaupt noch sein Glück in der Zweisamkeit? Was für eine Rolle spielt die Öffentlichkeit und Gesellschaft für unsere Liebesbeziehungen?

Die Themen von Liebe, Eifersucht, Missverständnisse und die Kunst der Täuschung stehen im Mittelpunkt, aber auch die Frage: Darf man überhaupt noch Lärm machen für das persönliche Glück? »Viel Lärm um nichts« ist eine bunte Komödie, die es in sich hat. Sie trifft genau die wunden Punkte zwischen Männern, die angeblich vom Mars kommen, und Frauen, die von der Venus stammen. Oder ist das auch alles gar nicht wahr?

Regie Rüdiger Trappmann
Bühnenbild: Kornelius Wilkens, Berlin
Musik: Roger Hanschel, Köln

Szenische Lesung mit Barbara Kleyboldt und Rüdiger Trappmann

„Schreiben kann ich nur mit Kaffee und Zigaretten“
So hat er seinen persönlichen Bezug zum Titel seines Buches geschildert.
Ferdinand von Schirach war ein bekannter Strafverteidiger. Von der Schilderung seiner Fälle sind
bekannte Fernsehkriminalfilme gedreht worden, so z.B. Schuld und Verbrechen,
In Kaffee und Zigaretten beschreibt er Eindrücke, Erlebnisse und Beobachtungen von Menschen, Orten und Begegnungen und das alles in einer faszinierenden Sprache. Seine Sprache ist knapp und präzise,alles Überflüssige fehlt , sie lässt Raum für eigene Phantasien. Er spricht in Bildern, ohne zu malen.
Es ist das Unausgesprochene hinter dem Text, das einen sofort in den Bann zieht. Man spürt den Text quasi auf der Haut, wie ein Kribbeln.