„Und je länger das kleine Mädchen bei ihnen war, desto unentbehrlicher wurde es ihnen, so unentbehrlich, dass sie nur noch fürchteten, es könnte eines Tages wieder auf und davon gehen.“

Wie aus dem Nichts taucht plötzlich das kleine Mädchen Momo in den Ruinen eines Amphitheaters am Rande eines Dorfes auf. Sie besitzt nichts als das, was sie findet oder was man ihr schenkt, und eine außergewöhnliche Gabe: Sie hat immer Zeit und ist eine wunderbare Zuhörerin. So hat sie bald im ganzen Dorf viele Freundinnen und Freunde gefunden, unter ihnen Gigi und Beppo.

Momo könnte kaum glücklicher sein, wenn nicht eines Tages die mysteriösen 'Grauen' auf den Plan treten würden. Sie vertreten eine „Zeitsparkasse“ und haben es auf die kostbare Lebenszeit der Menschen abgesehen. Schnell lassen sich die Erwachsenen zum „Zeitsparen“ überreden und einzig Momo und ihre Freundinnen und Freunde können den 'Grauen' noch Einhalt gebieten.
Es beginnt ein Wettlauf um die Zeit, den Momo nur gewinnen kann, wenn es ihr gelingt Meister Hora, den Gebieter über die Zeit, zu finden und den Menschen ihre gestohlene Zeit wieder zubringen. Doch bis dahin ist es ein abenteuerlicher und auch sehr einsamer Weg...

An diesem Abend haben die Zuschauer die Macht. Es geht darum, die Hauptfigur der zweiten Hälfte zu ermitteln. In bewegenden Monologen, mitreißenden Liedern und witzigen Szenen werden die verschiedensten Charaktere improvisiert: schräge Vögel, eiskalte Killer, laszive Diven, schusselige Kommissare…, alles ist möglich. Nur 4 schaffen es in die nächste Runde. Nach der Pause dann die entscheidende Abstimmung: Wer bekommt die Hauptrolle? Entscheiden Sie sich!

Vorstellungsdauer ca. 2x50 Minuten zzgl einer 15minütigen Pause

Künstliche Intelligenz ist ein großes Thema unserer Zeit, dem wir als Individuen nicht selten mit Skepsis und Vorurteilen gegenüberstehen. Die Ausstellung »(A)I Tell You, You Tell Me. Drei Begegnungen für Menschen/Maschinen« fügt sich in den aktuellen Diskurs zur KI ein und bietet die Möglichkeit, mit algorithmischen Systemen in Dialog und Austausch zu treten.

In einem interaktiven Handlungsfeld können wir unsere Beziehung zur Technologie intuitiv erkunden, bestehende Vorurteile hinterfragen und über unser eigenes Ich sowie das vermeintlich technologisch Andere reflektieren. Dazu haben wir drei raumgreifende Werke in Auftrag gegeben, die das Erdgeschoss des Lichthof 1+2 einnehmen.

Komplexe Wechselwirkungen zwischen Mensch und Maschine

»(A)I Tell You, You Tell Me« ist ein Ort der Begegnung von Menschen, Ideen und Technologien, ein Ort des Lernens, Experimentierens und Forschens, bei dem gemeinsames Reflektieren und Teilnehmen verstärkt in den Fokus rückt. Das Projekt beleuchtet anhand der ausgestellten Kunstwerke die komplexen Wechselwirkungen zwischen Mensch und Maschine und fragt, was wir aus diesen Begegnungen lernen und welche Schlüsse wir daraus für uns und die Gesellschaft ziehen können.

Disparates oder Proverbios

Francisco de Goya (1746–1828) schuf die 22 rätselhaften Aquatinta-Radierungen des Zyklus Los Disparates (Torheiten, Absurditäten) zwischen 1815 und 1824. Es sind Höhepunkte seines Werks und der Geschichte graphischer Kunst überhaupt. Im Kupferstichkabinett des Herzog Anton Ulrich-Museums sind sie in hervorragenden Drucken vertreten. Goyas Ruf als „Prophet der Moderne“ bezieht sich maßgeblich auf dieses Alterswerk. Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die erste Ausgabe von 1864 (als Los Proverbios, Sprichwörter) und weitere 1877 publizierte Blätter der Folge. Ergänzend gezeigt werden ein seltener Probedruck sowie Beispiele aus Goyas vorangehenden Radierzyklen.

Heller Wahnsinn vor dunklem Grund

Der Zyklus konfrontiert mit aufwühlenden existentiellen Wahrheiten. In fantastisch-alptraumhaften Szenen voll bitterer Komik und zuweilen krasser Grausamkeit beschwört Goya die Vision – oder Realität? – einer der Unvernunft verfallenen Welt. Als Leitmotive erscheinen fließende Gegensätze von Mensch und Tier, Fesselung und Tanz, Maskerade und Enthüllung. Nicht zuletzt geht es um toxische Geschlechterverhältnisse.

Goyas Leben und seine Zeit

Goya wurde 1746 bei Saragossa geboren. 1770/71 reiste er nach Italien. In Madrid betrieb er seit 1774 seinen Aufstieg bis zum Mitglied der königlichen Akademie und zum Hofmaler dreier Könige. Seit 1793 vollkommen ertaubt, löste er sich zunehmend aus offiziellen Verpflichtungen. Vor der Bedrohung durch das reaktionäre Regime von Ferdinand VII. wich er 1824 ins Exil nach Bordeaux aus, wo er 1828 starb.

Der Maler als Radierer

Als leidenschaftlicher und innovativer Radierer nutzte Goya die Technik der in Frankreich in den 1760er Jahren entwickelten Aquatinta-Radierung. Sie ermöglichte ihm die Erschaffung dramatisch-malerischer Kompositionen vor Hintergründen kosmischer Düsternis. Die in die Ausstellung integrierte Veranschaulichung seiner graphischen Technik und seiner Bedeutung als Vorbild für aktuelles Kunstschaffen verdankt sich der Zusammenarbeit mit der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig (HBK), Werkstatt für Radierung. 

Intensiv haben sich Studierende der HBK Braunschweig sowohl mit dem Leben und Schaffen Goyas als auch mit der altmeisterlichen Technik der Aquatinta-Radierung auseinandergesetzt. Die daraus entstandenen Radierungen zeigen in der Sprache der Künstler*innen neu interpretierte Elemente aus Goyas Sujet und setzen diese in einen zeitgenössischen Kontext. Insgesamt sind zehn Radierungen von folgenden Künstler*innen ausgestellt:  Claudia Bartholomäus, Jan-Hendrik Brinkmann, Kayen Eggeling, Wiebke Fischer, Hyeona Kim, Anton Lonius, Tenange Mengesha, Maria Ondrej, Lilith Queisser und Judith Reiner.

Di–So 11–18 Uhr | Mo geschlossen

In einer Bar trifft ein älterer Mann auf eine junge, hübsche Frau. Sie sind sich auf Anhieb sympathisch und schnell ist klar, wo der Abend enden wird. Ehefrau und Sohn verschweigt der charmant-amüsante Don Juan lieber. Aber wen hat er sich da geangelt? Oder ist er womöglich ihr ins Netz gegangen? In seinem Apartment kommt die Wahrheit peu à peu ans Tageslicht. Dabei verdreht die Femme Fatale nicht nur ihm den Kopf, sondern auch dem Publikum. Wer ist die Unbekannte? Ist sie nur auf ein unverbindliches Abenteuer aus? Und was geschah, während er zu schlafen glaubte? Der Abend wird zu einer emotionalen Achterbahnfahrt.

Ständig erreichbar sein war gestern. Lennart Schilgen glänzt mit seinem dritten Programm durch Abwesenheit. Denn wenn er nicht gerade Konzerte gibt und Kleinkunstpreise einheimst, macht er nämlich eines: sich davon. Unter anderem geht’s auf Radtour, ins Kloster und ins kommunistische Sommercamp. Oder auch nur in die Untiefen seiner Gedanken, was oft abenteuerlich genug ist. Herausgekommen sind Lieder über die Ab- und Umwege in der Welt und im eigenen Kopf. Voller Leichtigkeit und Witz, aber auch ohne Scheu davor, sich den düsteren Kapiteln zu widmen.

Anthony Caro – Sculptures
2. März bis 14. Juli

Seit Beginn der 1960er-Jahre arbeitete der britische Bildhauer Anthony Caro (1924-2013) mehr als ein halbes Jahrhundert lang an der radikalen Erweiterung unserer Vorstellung von Skulptur. Beeinflusst durch künstlerische und theoretische Impulse aus den USA überwand der ehemalige Assistent Henry Moores die seine eigene Ausbildung noch prägenden figurativen Ansprüche und widmete sich konsequent der Exploration neuer Gestaltungsmittel und -methoden. Bezeichnend für sein Werk sind dabei abstrakte Assemblagen teils großflächiger Stahlbleche geworden, die sich mal zu massiven, tonnenschwereren Gebilden schließen, mal zu filigranen Konstrukten arrangieren. Die häufig verwendeten Schrottteile aus Metall ergänzte Caro auch um weitere Materialien wie Holz oder Acrylglas und ließ sie bisweilen metallisch glänzend in Erscheinung treten oder lackierte ihre Oberflächen in farbigen Kontrasten.

Wenige Tage bevor Anthony Caro 100 Jahre alt geworden wäre, eröffnet der Skulpturenpark Waldfrieden die dem Bildhauer gewidmete Ausstellung Sculptures. In zwei Ausstellungshallen werden dabei Werke aus fünf Jahrzenten gezeigt. Zusätzlich zu den Arbeiten im Innenraum werden einzelne Werke im Außenbereich präsentiert, wie etwa das über acht Meter lange „Double Tent“ (1987-1993) aus Edelstahl. Die Präsentation in den Pavillons erlaubt auch die Thematisierung der architektonischen Fragestellungen einiger Arbeiten Caros, wie etwa im Falle der Arbeit „Child’s Tower Room“ (1983-1984) aus japanischer Eiche.

Sir Anthony Caro (1924-2013) gilt als bedeutender britischer Bildhauer des 20. Jahrhunderts. Nach anfänglichem Ingenieursstudium studierte er Bildhauerei am Regent Street Polytechnic, London, und Royal Academy Schools, London. Von 1951-1953 war er Assistent von Henry Moore. Beeinflusst durch den US-amerikanischen Kunstkritiker Clement Greenberg und Künstler wie David Smith entwickelte Anthony Caro ab 1960 sein eigenständiges Werk. Zwischen 1953 und 1981 lehrte er an der St. Martin’s School of Art, London. 1966 vertrat er neben anderen Künstlern Großbritannien auf der Biennale von Venedig. Große Retrospektiven wurden ihm u.a. 1975 im Museum of Modern Art, NY, 1995 im Museum of Contemporary Art, Tokyo, sowie 2005 in der Tate Britain, London, gewidmet. Seit 2020 wird sein Nachlass vom Anthony Caro Centre, London, verwaltet.

Seit 1954 gibt es die internationale Jugendbegegnung an der Wewelsburg. Alle zwei Jahre treffen sich jugendliche Tänzer und Musiker aus ganz Europa im Kreis Paderborn, um miteinander zu tanzen und zu musizieren. Im Jahr der 35. Jugendfestwoche zeigt die Sonderausstellung das klangvolle und farbenprächtige Miteinander der mehreren hundert Jugendlichen aus vielen Nationen, das auf der Wewelsburg, auf Gut Böddeken und in der Paderborner Innenstadt erlebbar wird. Im Mittelpunkt der Festwoche stehen die Völkerverständigung sowie das Bekenntnis zum Frieden und zur Toleranz untereinander.

In Kooperation mit der musischen Leitung der Internationalen Jugendfestwoche und Jugendamt des Kreises Paderborn.

Burgsaal | Eintritt frei

Di bis Fr 10-17 Uhr; Sa, So und feiertags 10-18 Uhr; Mo geschlossen

Regie: Guy Roberts. Bühne/Kostüme: Heike Neugebauer. Musik: Patrick Neil Doyle. Regieassistenz. Martina Lübbing.
Mit: Simon Elias, Sabrina Hilde, Tim Lee, Sofie Miller, Erik Roßbander, Kathrin Steinweg.

ENGLISH
HAMLET, by William Shakespeare, is the single play that encompasses the central questions of existence that applies to all humans. The play examines the conflict between private versus public duty and the individual’s obligation to the self and the State. It is rooted in classical principles of examining the essential questions – Who Am I? Why Do I Exist? What Must I Do?
What makes HAMLET unique is that it highlights how in today’s world everyone is Hamlet. 

Aside from the universality of human emotion, the story of Hamlet is compelling in itself. Who can resist a play with eight violent deaths, a ghost, adultery, incest, a mad woman and a fight in a grave? Perhaps what keeps Hamlet fresh and exciting is that these questions remain for each audience: why does Hamlet not immediately avenge his father’s murder? What keeps us from acting on our most base and most immediate impulses - is it social convention or personal morality - or simply the fear of punishment? What keeps us alive when all forces point towards giving up and submitting to death? Is Hamlet a hero? Perhaps - but the ambiguity of his heroic nature is what keeps him so fascinating.

HAMLET will go on being made and re-made by every new generation of theatre-makers, and the melancholy Dane will, in all probability, continue to be seen as one of the ultimate acting challenges, while the play continues to delight, frustrate, confuse and amuse.

DEUTSCH
In seinem Drama HAMLET stellt William Shakespeare die zentralen Fragen der menschlichen Existenz in den Mittelpunkt. Das Stück untersucht den Konflikt zwischen privatem und öffentlichem Pflichtgefühl und der Verantwortung des Einzelnen gegenüber sich selbst und dem Staat. Es entwickelt sich ganz aus den klassischen Methoden der Untersuchung der wesentlichen Fragen „Wer bin ich? Warum existiere ich? Was muss Iih tun?“

HAMLET ist einzigartig, weil es verdeutlicht, dass in der heutigen Welt jeder Hamlet ist. 

Abgesehen von der Universalität menschlicher Emotionen überzeugt Hamlets Drama an sich: Wer kann schon einem Spiel mit acht gewaltsamen Todesfällen, einem Geist, Ehebruch, Inzest, einer wahnsinnigen Frau und einem Kampf in einer Gruft widerstehen? Was Hamlet frisch und aufregend hält, ist, dass sich bestimmte Fragen jedem Publikum stellen: Warum rächt Hamlet den Mord an seinem Vater nicht sofort? Ist es die Last des Gewissens? Was hält uns ab, unseren grundlegenden und unmittelbaren Impulsen zu folgen - ist es gesellschaftliche Konvention oder persönliches Moralempfinden - oder einfach die Angst vor Strafe? Was hält uns am Leben, wenn alle Kräfte darauf drängen, sich aufzugeben und sich dem Tod zu überlassen? Ist Hamlet ein Held? Vielleicht - es ist die Mehrdeutigkeit seines heroischen Charakters, die ihn so faszinierend macht.

HAMLET wird auch in Zukunft von jeder neuen Generation von Theatermachern entdeckt und neu entdeckt werden. Der melancholische Däne wird auch weiterhin als eine der ultimativen schauspielerischen Herausforderungen gelten, während sein Drama weiterhin erfreut, frustriert, verwirrt und amüsiert.