Monet Quintett

Daniela Koch, Flöte

Johanna Stier, Oboe

Nemorino Scheliga, Klarinette

Theo Plath, Fagott

Marc Gruber, Horn

„Ihr Spiel ist von musikalischem Witz, großem klangsinnlichem Empfinden und technischer Virtuosität geprägt. So macht diese Musik einfach Laune.“ (klassik-heute.de)

György Ligeti Six Bagatelles

1923-2006

Maurice Ravel           Le tombeau de Couperin

1875-1937

Roger Hanschel        Uraufführung für Monet Quartett  

*1964

Valerie Coleman       Tzigane

*1970

Paul Taffanel             Bläserquintett g-Moll

1844-1908

Die Musiker des Monet Quintetts lernten sich als Mitglieder des Bundesjugendorchesters kennen. Ihr Ensemble gründeten sie 2014, als sie bereits an verschiedenen Musikhochschulen studierten. Regelmäßig ist das Ensemble bei renommierten Kammermusikfestivals wie dem Heidelberger Frühling oder dem Davos Festival in der Schweiz zu Gast. Neben einem Preis beim Internationalen Kammermusikwettbewerb in Lyon wurde das Ensemble beim Deutschen Musikwettbewerb gleich zweimal mit einem Stipendium ausgezeichnet und 2016 sowie 2019 in die „Bundesauswahl Konzerte Junger Künstler“ aufgenommen.

Alle fünf Musiker sind auf Solopositionen in renommierten Orchestern tätig und Preisträger nationaler und internationaler Wettbewerbe. Im Jahr 2020 erschien die viel beachtete Debüt-CD des Ensembles mit Werken von Paul Taffanel, Gustav Holst, Jean Françaix und Charles Dubugnon.

Anthony Caro – Sculptures
2. März bis 14. Juli

Seit Beginn der 1960er-Jahre arbeitete der britische Bildhauer Anthony Caro (1924-2013) mehr als ein halbes Jahrhundert lang an der radikalen Erweiterung unserer Vorstellung von Skulptur. Beeinflusst durch künstlerische und theoretische Impulse aus den USA überwand der ehemalige Assistent Henry Moores die seine eigene Ausbildung noch prägenden figurativen Ansprüche und widmete sich konsequent der Exploration neuer Gestaltungsmittel und -methoden. Bezeichnend für sein Werk sind dabei abstrakte Assemblagen teils großflächiger Stahlbleche geworden, die sich mal zu massiven, tonnenschwereren Gebilden schließen, mal zu filigranen Konstrukten arrangieren. Die häufig verwendeten Schrottteile aus Metall ergänzte Caro auch um weitere Materialien wie Holz oder Acrylglas und ließ sie bisweilen metallisch glänzend in Erscheinung treten oder lackierte ihre Oberflächen in farbigen Kontrasten.

Wenige Tage bevor Anthony Caro 100 Jahre alt geworden wäre, eröffnet der Skulpturenpark Waldfrieden die dem Bildhauer gewidmete Ausstellung Sculptures. In zwei Ausstellungshallen werden dabei Werke aus fünf Jahrzenten gezeigt. Zusätzlich zu den Arbeiten im Innenraum werden einzelne Werke im Außenbereich präsentiert, wie etwa das über acht Meter lange „Double Tent“ (1987-1993) aus Edelstahl. Die Präsentation in den Pavillons erlaubt auch die Thematisierung der architektonischen Fragestellungen einiger Arbeiten Caros, wie etwa im Falle der Arbeit „Child’s Tower Room“ (1983-1984) aus japanischer Eiche.

Sir Anthony Caro (1924-2013) gilt als bedeutender britischer Bildhauer des 20. Jahrhunderts. Nach anfänglichem Ingenieursstudium studierte er Bildhauerei am Regent Street Polytechnic, London, und Royal Academy Schools, London. Von 1951-1953 war er Assistent von Henry Moore. Beeinflusst durch den US-amerikanischen Kunstkritiker Clement Greenberg und Künstler wie David Smith entwickelte Anthony Caro ab 1960 sein eigenständiges Werk. Zwischen 1953 und 1981 lehrte er an der St. Martin’s School of Art, London. 1966 vertrat er neben anderen Künstlern Großbritannien auf der Biennale von Venedig. Große Retrospektiven wurden ihm u.a. 1975 im Museum of Modern Art, NY, 1995 im Museum of Contemporary Art, Tokyo, sowie 2005 in der Tate Britain, London, gewidmet. Seit 2020 wird sein Nachlass vom Anthony Caro Centre, London, verwaltet.

Eine künstlerische Auseinandersetzung mit der Utopie des grenzenlosen Wachstums.
Wir laden Sie und Ihre Freunde herzlich ein zur Ausstellungseröffnung

NICOLAS GROSPIERRE, Photography Degrowth

am Freitag, den 17. Mai 2024, um 19.00 Uhr

Galerie des Polnischen Instituts Düsseldorf, Citadellstr. 7, 40213 Düsseldorf

Der Künstler ist anwesend

Kurator der Ausstellung: Adam Mazur

Öffnungszeiten im Institut während düsseldorf photo+ Wochenende

FR 17. Mai, 18 – 21 Uhr

SA 18. Mai, 12 – 16 Uhr: um 12 Uhr Führung mit Künstler und Kurator

SO 19. Mai, 12 – 16 Uhr

Dauer der Ausstellung: 18.05 – 9.08.2024

Öffnungszeiten der Galerie: Di – Fr 11.00 – 17.00 Uhr

https://www.duesseldorfphotoplus.de/

Nicolas Grospierre gehört zu den bedeutendsten polnischen Gegenwartskünstlern. Er kam 1975 in Genf zur Welt, wuchs in Paris auf und lebt in Warschau. Er wird vor allem mit der Fotografie assoziiert, die er seit fünfundzwanzig Jahren betreibt, doch sein Werk umfasst auch Installationen, Objekte, Kunstbände und Videofilme. Ein Thema, das Grospierre beschäftigt, ist die Utopie des grenzenlosen Wachstums. Am deutlichsten zeigt sich das Illusorische der modernistischen Ideale in Architektur und Stadtplanung, die einen zentralen Gegenstand von Grospierres Interesse bilden. Dafür erhielt er zahlreiche Preise, darunter den Goldenen Löwen der Architektur-Biennale in Venedig (zusammen mit Kobas Laksa). Sie führten zu der Publikationsreihe Modern Forms im Prestel Verlag sowie Ausstellungen in renommierten Institutionen wie der Architecture Association in London.

Die in Photography Degrowth formulierte Kritik ist keine totale, es geht nicht um die Zerstörung oder Abschaffung des Kapitalismus, sondern vielmehr um vertiefte Reflexion, einen Moment des Nachdenkens darüber, wohin unsere Zivilisation führt, was verändert werden muss und was beibehalten werden kann, weil es großartig und inspirierend ist.

Die Ausstellung Photography Degrowth versammelt eine Reihe von ikonischen Fotografien und Objekten Grospierres, die ergänzt werden durch neue, im Polnischen Institut erstmals präsentierte Arbeiten. Jedes der gezeigten Werke bezieht sich auf eine seltsame und nicht offensichtliche Weise auf die Idee des Postwachstums und kreist dabei um Architektur. Neben Werken wie Kolekcja, która rośnie (Die Sammlung, die wächst, 2014 und fortlaufend) oder Dom, który rośnie (Das Haus, das wächst, 2012) werden die Objekte BBL Unltd (2020) und Axonocity (2018) gezeigt. Zu den erstmals öffentlich gezeigten Arbeiten gehören Tetranoi (2021) und Carceri Imaginari (2022).

Jede Einzelausstellung Grospierres ist eine aus einzelnen Elementen komponierte autonome Ganzheit, die dem Besucher das Gefühl vermittelt, eine andere räumliche und mentale Dimension zu betreten. Dieses Gefühl ist nicht leicht in Worte zu fassen, aber anders als es die von Pressetexten begleiteten flachen Reproduktionen von Architektur-Fotografien vermitteln können, handelt es sich um eine sinnliche und einzigartige Erfahrung. Das gilt auch für Photography Degrowth, die Präsentation von Fotografien in einer Spirale, die „rückwächst“, sich entfaltet, zusammenfällt und mäandert, sich den Raum der Galerie aneignet und überwältigt und fasziniert wie die Idee des grenzenlosen Fortschritts und Wachstums.

Adam Mazur Kurator

Aus dem Polnischen von Bernhard Hartmann

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Nicolas Grospierre, Photography Degrowth

Nicolas Grospierre is one of the most outstanding contemporary Polish artists. He was born in Geneva in 1975, grew up in Paris and lives in Warsaw. He is primarily associated with photography, which he has been practising for twenty-five years, but his work also includes installations, objects, art books and video films. One theme that has preoccupied Grospierre since the beginning of the 21st century is the utopia of limitless growth. The illusory nature of modernist ideals is most evident in architecture and urban planning, which form a central object of Grospierre’s interest. He has received numerous awards for his work, including the Golden Lion at the Architecture Biennale in Venice (together with Kobas Laksa). They resulted also in the publication series Modern Forms by Prestel Verlag and exhibitions at renowned institutions such as the Architecture Association in London.

The critique formulated by Grospierre in Photography Degrowth is not a total one, it does not concern either the destruction or abolition of capitalism. It is rather a deeper reflection, a moment of thought about where all this is leading, what needs to be changed and what can be kept because it is great and inspiring.

Each of the exhibited works relates in a subversive and non-obvious way to the idea of post-growth while circulating around architecture. In addition to works such as The Collection that Grows (2014 and on-going) and The House that Grows (2012), there will be also presented BBL Unltd (2020) and Axonocity (2018). Among the works being shown for the first time are Tetranoi (2021) and Carceri Imaginari (2022).

The Photography Degrowth exhibition collects a number of Grospierre’s iconic photographs and objects, which are complemented by new realisations premiered at the Polish Institute Düsseldorf.

Each individual exhibition by Nicolas Grospierre is an autonomous whole composed of individual elements, giving the feeling of entering another spatial and mental dimension. This feeling is not easy to put into words, but unlike the flat reproductions accompanied by press releases, it is a sensual and unique experience. This is also the case with Photography Degrowth, the presentation of photographs in a spiral that „grows back“, unfolds, collapses and meanders. Overtaking the gallery space it stunnigly fascinates like the idea of limitless progress and growth.

Adam Mazur, curator

Translated from Polish by Andrzej Koliński

MO-FR 11.00 - 17.00 Uhr

Migrating Chopin

Frédéric Chopin: Werke und Bearbeitungen

Freitag, 7. Juni 2024, 19.00 Uhr 

Erholungshaus Leverkusen 

Alle Informationen und das aktuelle Programm gibt es unter  www.kultur.bayer.de/startfestival 

https://shop.derticketservice.de/start-festival/details/?evid=2931003&referer_info=&tId=&forwardingTicket=

Antoni und Mary Komasa-Łazarkiewicz & Guests (Komposition)

Mary Komasa-Łazarkiewicz (Gesang) https://www.marykomasa.net/

Was geschieht, wenn sich eine hyperkreative Singer/Songwriterin polnischer Herkunft das Werk des Nationalkomponisten ihrer Heimat vornimmt? Wir wissen es nicht. Denn wir haben Mary Komasa alle Freiheiten gegeben, Frédéric Chopin in ihre Klangwelt zu überführen. Beim stARTfestival lassen wir uns gerne selbst überraschen. In Warschau mit Klassik aufgewachsen, war sie in Paris in der Hip Hop-Szene aktiv. Jetzt lebt sie im Melting Pot Berlin und kennt keine Genregrenzen mehr. Ihr feinsinniger Art-Pop elektrisiert ihre Instagram-Gemeinde – und ist auch in Filmen gefragt. Das Programm „Migrating Chopin“ entwickelt sie mit dem Filmkomponisten Antoni Komasa-Łazarkiewicz, ihrem Ehemann – ein musikalisches Traumpaar.

Seit 1907 hat sich Bayer der Kultur verschrieben. Steingewordenes Bekenntnis: die Heimspielstätte von Bayer Kultur, das Erholungshaus in Leverkusen. Mit der stARTacademy fördert die Abteilung seit 2009 aufstrebende Künstler. Mit dem Programm frühstART engagiert sich Bayer Kultur in der Musikvermittlung. 

Weil die Geschichte auch Neuanfänge braucht, wurde 2020 das stARTfestival ins Leben gerufen. Seitdem ergänzt es jeden Frühling die sich wandelnden Bedürfnisse des Publikums in Leverkusen, Wuppertal, Berlin und an weiteren wechselnden Bayer-Standorten in Deutschland. Neben etablierten Stars soll das Festival auch eine Plattform für die Künstler*innen der stARTacademy sein.