Große Genuss-Tour in Bad Dürkheim und an der Deutschen Weinstraße
Auf der Genuss-Tour „Rosa Ausblicke" nimmt Sie ein historischer Oldtimer-Panoramabus im Komfort der 50er Jahre mit auf die Reise. Die Tour führt Sie vorbei an Weinbergen mit Mandelbäumen und zu malerischen Weinorten. Genießen Sie die Weinberglandschaft, die zur Blütezeit von vielen rosa Mandelblüten bereichert wird und kosten Sie vielfältige Produkte aus der Region rund um Mandeln und Wein.

Leistungen:
- Fahrt im historischen Oldtimer Panoramabus in der Region der Deutschen Weinstraße
- Qualifizierte Reiseleitung mit wissenswerten Informationen über die Pfalz, zur Weinstraße und zur
Mandelblüte
- Verkostung eines regionalen Mandellikörs
- Besuch des Mandelhofs Freinsheim mit Verkostung von heimischen Mandelspezialitäten
- Tütchen gefüllt mit echten Pfälzer Mandeln
- Kaffee und hausgebackene Mandeltorte im gemütlichen Weingut
- Verkostung des Bio Cuvée "Drei Reben" Rosé vom Bio Weingut Egon Schmitt m in Bad Dürkheim
- Gradierbauführung in Bad Dürkheim:
Führung über einen der längsten Gradierbauten Deutschlands mit exklusivem Sekt und Mandelbrot vom Kleinsägmühlerhof (ökologische Landwirtschaft des Lebenshilfe e.V. Bad Dürkheim) mit Bio-Butter und Salinensalz
- Pfälzer Mandelhörnchen vom Kleinsägmühlerhof

Beginn: 13:30 Uhr
Ende: 18:00 Uhr
Dauer: 4,5 Stunden
Zielgruppe: Erwachsene
Anmeldung erforderlich.

Änderungen vorbehalten.
Die Tour kann mangels Teilnehmern abgesagt werden.
Wir bitten um Verständnis, dass wir auf die Blütezeit der Mandelbäume keinen Einfluss nehmen können. Dies liegt alleine in der Hand von Mutter Natur. Bei fehlender Blüte besteht kein Anspruch auf eine Umbuchung oder eine Kostenerstattung.
Die Tour ist für geheingeschränkte Personen ungeeignet, Rollstühle und Rollatoren können nicht transportiert werden.
Leider dürfen Hunde nicht mitfahren.

Bei fehlender Blüte besteht kein Anspruch auf eine Umbuchung oder eine Kostenerstattung.

Dieser Termin ist ausgebucht.

Ein Solo für Ini Dill

Choreographin Jai Gonzales und Tänzerin Ini Dill nehmen sich Bernard-Marie Koltès‘ Theaterklassiker aus den 1980er Jahren vor, um den politischen Diskurs der gängigen Nachrichtensendungen zu durchleuchten: Was ist ein Deal? Mit welchen rhetorischen Mitteln und Handlungsstrategien wird er angebahnt und welche Wirkung kann er entfalten, nachhaltig und verbindlich? Am 21. und 22. März präsentiert das UnterwegsTheater in der HebelHalle ein neues Stück, das den Text mit den Mitteln des zeitgenössischen Tanzes inszeniert und an aktuelle Diskurse anknüpft.

Deals sind allgegenwärtig. Sie prägen die Abendnachrichten und infiltrieren unser Verständnis von Handlungsspielräumen und Machtkonstellationen. Aber was folgt auf einen Deal, wenn die internationalen Reporter ihre Kameras eingepackt haben? Und was liegt ihm zugrunde, das in die Verlautbarungen und Urkunden nicht festgehalten wurde? Wie schlagen sich Gesetze und politische Normen, gesellschaftliche Werte und ethische Orientierungen in ihnen nieder und wie verändern sie den Alltag von Menschen?

Mit diesen Fragen nähert sich Jai Gonzales einem französischen Theaterklassiker aus den 1980er Jahren, der sich auf höchst raffinierte Weise einem Deal widmet: Bernard-Marie Koltès lässt in seinem Zweipersonenstück In der Einsamkeit der Baumwollfelder einen Dealer und seinen Kunden im abendlichen Zwielicht am Rande einer Stadt aufeinander treffen und über Verlangen, Preis und Erfüllung verhandeln. Aber bei Koltès kommt der Deal nicht zum Abschluss, sondern gleicht einem Ritual, einer kreisenden sinnstiftenden Vorbereitung auf etwas, das nicht kommen wird und gerade deshalb Halt gibt, denn hier können Sehnsucht und Begehren, Geben und Nehmen, Anerkennung und Demütigung in immer neuen Schleifen aufeinander treffen und schaffen Verbindungen zwischen zwei Menschen in der Dämmerung.

Ein vollzogener Deal hingegen verkürzt und nivelliert. Und er drängt sich ins Zentrum und kommt als Gruppenphoto und Händeschütteln in die Nachrichten, in einem artifiziellen Setting, beziehungslos und unter Ausschluss all jener, die eigentlich betroffen sind. In ihrer Inszenierung geht Jai Gonzales zusammen mit der Tänzerin Ini Dill dieser medialen Dauerpräsenz von kurz und nüchtern zusammengefassten Deals nach und nutzt Koltès Text, um wieder die Dynamik, Vielschichtigkeit und Emotionalität von Verhandlungen in den Fokus zu nehmen und nach ihrer Bedeutung für das menschliche Zusammenleben zu fragen.

 Ini Dill ist seit über 30 Jahren als Tänzerin und Choreographin tätig und in Heidelberg als Ensemblemitglied im Stadttheater unter Hans Falar und beim UnterwegsTheater bekannt. Ihre eigenen Stücke werden in renommierten Theatern und Festivals wie Sophiensaele, WUK Wien und Tanz im August gezeigt. Die Tänzerin und Choreographin Jai Gonzales gründete gemeinsam mit dem Akrobaten Bernhard Fauser vor 37 Jahren das UnterwegsTheater. Ihre Stücke wurden weltweit unter anderem vom Goethe-Institut präsentiert. In Heidelberg ist das UnterwegsTheater eine prägende Kulturinstitution, die unter anderem mit dem Festival im öffentlichen Raum ARTORT ein großes Publikum erreicht. Für Jai Gonzales und Bernhard Fauser ist Theater gelebte Utopie, offenherzig und gleichzeitig konzentriert auf das Wesentliche.

Einlass 15 Minuten vor Beginn

Eine von Schwedens Top Heavy-Rock-Bands. So etwas gibt es wahrscheinlich nur in Schweden: Aus einem 3000-Seelen-Ort stammt eine der angesagten Heavy Rock-Bands des Landes. Aber obwohl alle drei bisherigen Alben von Corroded die Top 10 der heimischen Charts erreichten, bleibt Sänger und Gitarrist Jens Westin bescheiden. „Wenn mich jemand in einer Bar anspricht und nach meinem Beruf fragt, antworte ich meistens: eine Art professioneller Musiker.“
In ihrem Heimatort Änge kommt so etwas nicht häufig vor, denn dort, im geographischen Mittelpunkt Schwedens, sind die Mitglieder von Corroded weder bunte Paradiesvögel noch Superstars – sie sind einfach Einwohner eines gemütlichen kleinen Dorfes. Auf der einen Seite erdet sie diese Tatsache, auf der anderen klingt deshalb ihre Musik auch nach Aufbruch. Denn Corroded wollen etwas erreichen. Mit ihren bescheidenen Mitteln, wie Westin erneut betont: „Natürlich erfinden auch wir das Rad des Rocks nicht neu, aber wir versuchen, gute Songs zu schreiben, die uns und auch anderen gefallen.“
Musikalisch verwurzelt sind sie in den Siebzigern, als der Heavy Rock von Bands wie Black Sabbath erfunden wurde. Dazu gesellt sich aber auch eine Affinität für modernere Sounds. Soundgarden aus Seattle zum Beispiel haben bei allen in den Neunzigern einen tiefen und prägenden Eindruck hinterlassen. „Wir versuchen, das Beste aus Alt und Neu zusammenzubringen“, beschreibt Westin den Sound seiner Band. „Wenn man so will, prallen bei Corroded Metal und Melodie aufeinander.“ Dass der Name für diesen ‚Versuch‘ nicht treffender hätte ausgesucht werden können, liegt auf den Hand (corroded = zersetzt, korrodiert)
Corroded schaffen den perfekten Spagat zwischen klassischen und modernen Einflüssen, sie haben eine wahnsinnige Bühnenpräsenz und mit Jens Westin einen Sänger, der jede Zeile seiner Texte lebt. Besser geht es nicht. Und das sollte auch die europäische Rock- und Metal-Gemeinde bald erkennen.
Oder wie Westin bescheiden sagt: „Wir lieben es zu touren. Und bis jetzt sind nämlich alle immer wieder gekommen. Sein Geld wollte niemand zurück.“
Ihre sechste Platte, die aktuell noch den Arbeitstitel "Plague" trägt, nahm die Band während der Covid-19-Pandemie auf. Die Metaller berichten: "Das ist unser ganz besonderer Spätentwickler, geboren aus Angst und Langeweile während der Seuche. Und bis auf das Mastering haben wir alles selbst gemacht. Willkommen in der dunklen Seele von CORRODED. Genießt die Reise."
Sänger Jens Westin verrät über die erste Single 'Monster': "Das ist einer der ersten Songs, die wir für das Album schrieben. Und wir wollten, dass der Song die erste Single wird, weil es ein Monster von einem Song ist. Es ist ein grooviger Midtempo-Song, den wir wirklich gern spielen, und wir hoffen, dass ihn die meisten unserer Fans toll finden."

Support: TRANSPORT LEAGUE

Einlass: 18:00 Uhr

Der kleine Mann, Johannes Pinneberg, sucht 1930 seinen Platz in der Gesellschaft. Doch die Weimarer Republik ist ein hartes Pflaster und allmählich verschlingt die Weltwirtschaftskrise die Träume und Wünsche der kleinen Leute. Zwischen Eheglück, drohender Arbeitslosigkeit und unter dem Schatten des aufziehenden Nationalsozialismus erleben die werdenden Eltern Johannes Pinneberg und seine Frau Emma “Lämmchen” Mörschel die höchsten Höhen und die tiefsten Tiefen.
Autor Hans Fallada schreibt von den Sorgen und Wünschen eines Mannes, der nur einer von sechs Millionen ist. Er erzählt, wie er selbst sagt, von einem Niemand und darüber, was dieser Niemand
fühlt und denkt. Dadurch rückt er den vermeintlich Ersetzbaren ins Rampenlicht und zeigt, wie erbarmungslos die Leistungsgesellschaft die Pinnebergs dieser Welt ausnutzt. Die Musik von Erwin Bootz, welche sprichwörtlich die Fassade der heilen Welt vorspielt, gibt dem Stück über den kleinen Mann eine besondere Tragikomik.
Der Roman Kleiner Mann - was nun? erschien 1932 und ist seitdem ein zeitloser Klassiker der deutschen Literatur, der sich besonders heute erschreckend aktuell anfühlt.

nach Hans Fallada, von Tankred Dorst, Peter Zadek
Regie: Robert Arnold
Bühne, Kostüm: Christina Wachendorff
mit: Nicole Schneider ,Katja Schumann, Sophie Weikert, Anna Woll; Martin Geisen, Niklas Schüler
sowie vom Stadtensemble:
Jutta Mack, Doris Püttner, Silvia Gabriele Schäuble; Jochen Ackermann, Alexander Schumann
Dauer: 2 Std. 40 Min. inklusive einer Pause

Hier keine Tickets verfügbar

JOHANN SEBASTIAN BACH
Wachet! betet! betet! wachet! BWV 70
Jesus nahm zu sich die Zwölfe BWV 22

FELIX MENDELSSOHN
Hör mein Bitten

MARIE HENSEL, Sopran
JULIA POSTEL, Alt
LUIS DENZEL, Tenor
BENEDIKT HEISSINGER, Bass
STUTTGARTER KANTATENENSEMBLE
VOCALCONSORT BAD SÄCKINGEN
SEVERIN ZÖHRER, Leitung

Der unerschöpfliche Reichtum von Bachs Kantaten hat Komponisten wie Mendelssohn tief inspiriert und prägt bis heute die Kirchenmusik.
Bach selbst bewarb sich in Leipzig mit der Kantate „Jesus nahm zu sich die Zwölfe“, in der er die Ankündigung der bevorstehenden Passion Jesu vertont. In der Kantate BWV 70 blickt er auf die Endzeit und schafft so ein Werk von großer Dramatik und Tiefe.
Mendelssohn wiederum schrieb „Hör mein Bitten“ als Anthem für Sopransolo und Chor für das englische Publikum – eine kantatenartige Vertonung, die auf Psalm 55 zurückgeht. In diesem Jahr erklingt das Werk in einer neuen, fein instrumentierten Kammerfassung.

Restkarten sind zu einem Aufpreis von 3,00€ an der Abendkasse erhältlich.

Einlass: 17:00 Uhr

Der Augenblick zwischen Winterschlaf und Frühlingserwachen, der Moment des Aufbrechens der Natur, der Sinne, der Gefühle und tiefer Empfindungen - mannigfach in Wort und Musik, in Bild und Gestalt festgehalten - bietet belebenden Stoff für einen szenisch-musikalischen Theaterabend. Vom Freiheitsbegriff bei Sartre über die stürmischen Leidenschaften von La Rochefoucault zu den hübsch herausgeputzten Menschen beim österlichen Familienausflug bei Goethe, verführen wir Sie in Gedanken- und Spielräume auf Schloss Scharfenberg.
Es spielen und musizieren Cordula Hanns, Karolina Petrova, Paul Hoorn und Thomas Förster
Regie: Thomas Förster

Einlass: 18:30 Uhr

Im Herbst und Winter dämmert es früh, schnell tritt die dunkle Nacht ein und in der Altstadt von Dorsten kehrt Ruhe ein. Eine suggestive Atmosphäre für Stadtrundgänge lässt den Charme von vergangenen Jahrhunderten nachempfinden. Begleiten Sie die Nachtwächter im historischen Kostüm durch die Gassen, die Mittelalterge- schichte von Dorsten wird in diesem Rahmen besonders präsent. Entdecken Sie auf diesem Wege die romantische Altstadt von Dorsten.
Als Umtrunk wird Rotwein und Wasser gereicht.
Foto Archiv Stadt Dorsten
Es gilt eine Mindestteilnehmerzahl von 8 Personen.
Bei Absage der Tour durch den Veranstalter wenden Sie sich zur Umbuchung auf einen anderen Termin bitte an die Stadtagentur Dorsten unter Telefon 02362/663066.

Eventuell sind noch Karten in der Stadtagentur Dorsten unter 02362/663066 oder der Abendkasse erhältlich.

Katrin Weber - „Fast wie im Kino“
Katrin Weber ist von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt und behauptet: das schönste am Film ist die Musik! Von Stummfilm bis laut, von der UFA zur DEFA bis Hollywood bieten wir eine Auswahl der erfolgreichsten Filmsongs.

Machen Sie sich ein Bild, wir kümmern uns um den Ton! Filmreife Unterhaltung mit viel Musik, viel Humor und vor allem viel Weber!

Einlass: 19:00 Uhr

Hier keine Tickets verfügbar

Programm:


Georg Friedrich Händel:

Ouvertüre zu "Almira, Königin von Castilien" HWV 1

Arien für Countertenor aus den Opern:
"Serse" HWV 40
"Giulio Cesare in Egitto" HWV 17
"Rinaldo" HWV 7
Concerto grosso g-Moll op. 6 Nr. 6
Concerto grosso B-Dur op. 3 Nr. 1

Arie für Countertenor aus der Oper:
"Alcina" HWV 34
Ouvertüre zu und Sinfonia aus "Rinaldo" HWV 7b

Arien für Countertenor aus der Oper:
"Rinaldo" HWV 7b


Georg Friedrich Händel war einer der erfolgreichsten und bekanntesten Komponisten der Barockzeit. Der gebürtige Deutsche zog in seinen späten Zwanzigern nach England, wo er sich als britischer Staatsbürger etablierte. Obwohl Händel in der englischsprachigen Welt vor allem für seine Oratorien und Orchesterwerke bekannt ist, war er in erster Linie ein Opernkomponist und beherrschte über zwei Jahrzehnte lang die Londoner Opernszene.

Seit seinen frühen Zwanzigern schrieb Händel im Stil der Opera seria, die er mit Elementen aus der französischen Oper und dem Drama anreicherte und dabei ganz der barocken "Poetik des Wunderbaren" folgte. Die Stimmen der Gesangsstars der damaligen Zeit, der Kastraten wie Farinelli & Co, für die Händel seine rasant-virtuosen Opernarien schrieb, passen perfekt zu dieser Poetik: Ihr androgynes Timbre und ihre ungewöhnlichen, geradezu irrealen Klangfarben besaßen jene Künstlichkeit, nach der dieses barocke Musiktheater-Konzept verlangte.

Heute werden diese Arien von Countertenören übernommen, die, anders als Kastraten, mit ihrer Kopfstimme singen: Der hohe Ton entsteht durch die Verwendung des Falsettregisters, wofür es einer besonderen Gesangstechnik bedarf. Dabei sind Countertenöre keineswegs eine moderne Erfindung – Männer, die mit ihrer hohen Kopfstimme singen, gab es über viele Jahrhunderte hinweg, bis sie zu Beginn des 17. Jahrhunderts von den Kastraten verdrängt wurden. Auch in diesem Stimmfach ist die Umsetzung sehr individuell, und entsprechend vielfältig sind Klangfarbe, Volumen, und Umfang der Stimmen.


Mitwirkende:

Valer Sabadus, Countertenor
Bochumer Symphoniker
Georg Kallweit, Violine und Musikalische Leitung


Foto Georg Kallweit : © Stefan Schweiger
Foto Valer Sabadus: © Schneider Photography

Einlass ca. 1 Stunde vor Konzertbeginn

Regie: Angelika Wagner

Nach dem Erfolg von „Frauen. Biografien auf die Bühne“ geht der Theaterspielclub mit dieser Inszenierung in eine neue Runde. „Frauen. Geschichten auf die Bühne“ ist eine szenische Collage mit sieben Darstellerinnen und zwei Darstellern, die der Frage nachspürt, was Frau-Sein bedeutet – damals wie heute. Ausgangspunkt ist die Frage, was an Frauen und ihren Geschichten berührt, fasziniert und interessiert. Das Stück spannt einen Bogen von sehr persönlichen Erfahrungen – dem Gefühl, gleichzeitig „zu viel“ und „zu wenig“ zu sein, bewertet zu werden, und der Sehnsucht, sich davon zu lösen – bis hin zu Körper im Wandel, Älterwerden und der Frage, welchen Platz Frauen in dieser Gesellschaft haben.
Es richtet den Blick auf Frauen als Heldinnen im Alltag: auf die vielen Ebenen, die oft gleichzeitig getragen werden – eigene Entwicklung, Kinder, Arbeit – und die Gewohnheit, für andere mitzudenken. In Stimmen, Bildern, Musik und Bewegung entstehen Geschichten von Frauen – früher und heute. Es geht um das, was über Generationen weitergegeben wird, und um das, was sich endlich ablegen lässt. Um Wünsche und Bedürfnisse, um Träume – erfüllte und unerfüllte – und um Erfahrungen, auch solche, die nie hätten passieren dürfen. Ein Stück, das berührt, zum Lachen bringt, zum Nachdenken anstößt und nachklingen lässt.

Die Premiere findet im Rahmen des internationalen Frauentags im März in Kooperation mit der Gleichstellungsbeauftragten der Stadt Friedrichshafen, dem Medienhaus am See und der Bodenseebibliothek im Stadtarchiv statt.

Die Inszenierung wird auch bei den Theatertage am See (27.-29. März) gezeigt.

Preis: 12 Euro, Ermäßigungen verfügbar

Bild: Kulturbüro Friedrichshafen

Im Zentrum dieser Performance, die von der multidisziplinären Künstlerin Loulou Omer entwickelt wurde, steht eine wandelbare Figur zwischen Mensch und Engel – der Engel der Geschichte, wie ihn Walter Benjamin nach Paul Klees Bild „Angelus Novus“ beschrieb.

Diese Gestalt durchquert Erinnerungen, Orte, Sprachen und künstlerische Ausdrucksformen. Sie lässt Vergangenes und Gegenwärtiges durch Tanz, Sprache, Musik, Archivmaterial und animiertes Filmmaterial ineinander widerhallen.

Ausgehend von einer Hommage an die Wiener Avantgarde-Choreografin Gertrud Kraus, die vor dem Nationalsozialismus nach Israel geflohen war und deren Biografie eng mit jener von Loulou Omer verknüpft ist, bildet Angelus Novus die Verbindung zwischen persönlicher Erinnerung und kollektiver Erfahrung.

Dort, wo sich die Vergangenheit Europas – ihre Schrecken und ihr tragisches Erbe – im heutigen Grauen in Israel – Palästina spiegelt, manifestiert sie sich als neue Tragödie für eine andere Bevölkerung.

Durch die gemeinsame Wahrnehmung der Resonanz der Geschichte in unserer Gegenwart öffnet das Stück einen Raum, in dem Verbundenheit, Hoffnung und die Kraft des Miteinanders spürbar werden.

Inspiriert von der japanischen Praxis des Kintsugi fragt Co-Ballett-Leiterin Inma López in ihrer Choreografie
„Goldene Wunden“, dem ersten Teil dieses zweiteiligen Ballettabends, nach Individualität und dem Wert von Brüchen und Wunden. Kintsugi fügt Zerbrochenes in aufwendigen und langwierigen Prozessen wieder zusammen, ohne die Bruchstellen zu verbergen. Im Gegenteil: Sie stechen als goldene Adern hervor und machen das Unikat erst wertvoll. „Wir leben in einer Tyrannei der Perfektion“, meint die Choreografin, „aber es sind die Risse, die den Wert eines zerbrochenen Stückes ausmachen, die seine ureigene Geschichte erzählen. So sind es auch die Narben, die mich ausmachen und meinen widerstandsfähigsten Teil bilden, meine goldenen Wunden. Ich bin und wir sind die Kinder der goldenen Risse.“

Im zweiten Teil, der den Titel „Fade- Outs“ trägt, stellt der international tätige Choreograf Douglas Lee die Frage von Sichtbarem und Verborgenem in der Theaterpraxis. Was bleibt alles ungesehen und spielt doch eine Rolle? Was rückt ins Scheinwerferlicht, und was tut sich währenddessen dahinter im Dunkeln? Das Theater hat viele Ebenen – jede hat ihre Geschichte. Und auch die ist es wert, erzählt zu werden, um das Ganze zu erfahren.

Goldene Wunden
Choreografie: Inma López
Bühne: Pascale Arndtz, Inma López
Kostüme: Angelo Alberto
Musik von Adrian Berenguer u. Aa.

Fade-outs
Choreografie: Douglas Lee
Bühne: Pascale Arndtz
Kostüme: Angelo Alberto
Musik: Nicolas Sávva

Es gibt Vergleiche ihrer Musik mit der isländischen Landschaft. Es gibt zahllose Adjektive für ihre Musik aus Saxophon, Keyboards, Gitarre, Bass und Schlagzeug. Jazz, Rock, Folk - das ist auch alles hörbar auf ihren bisher 9 Alben. Das dichte und gleichzeitig transparente Klanggeschehen ist aber erst dann wirklich komplett, wenn es auf der Bühne zum Leben erweckt wird. Und genau mit diesem Ziel kommt das Quartett einmal mehr in den District.

Es gibt Vergleiche ihrer Musik mit der isländischen Landschaft. Es gibt zahllose Adjektive für ihre Musik aus Saxophon, Keyboards, Gitarre, Bass und Schlagzeug. Jazz, Rock, Folk - das ist auch alles hörbar auf ihren bisher 9 Alben. Das dichte und gleichzeitig transparente Klanggeschehen ist aber erst dann wirklich komplett, wenn es auf der Bühne zum Leben erweckt wird. Und genau mit diesem Ziel kommt das Quartett einmal mehr in den District.

Einlass: 19 Uhr

Die leitende Bankangestellte Lena eröffnet ihrem Mann Emil in der Neujahrsnacht 2012, dass ihr bestimmte Geschäfte Ihrer Bank unseriös vorkommen. Der gemeinsame Freund Lambert, von Beruf Steueranwalt, klärt Lena auf, dass Steuerbetrug in ungeheurem Ausmaß längst zu den „normalen“ Geschäften vieler Banken und Fonds gehört. Der Staat wird mit dem Geschäftsmodell „Cum-Ex“ aus purer Geldgier systematisch um Milliarden betrogen. Lambert war selber daran beteiligt und will jetzt aussteigen. Lena beschließt, aktiv zu werden. Ihr Mann, ihre beste Freundin Carla und der IT-Berater Benjamin wollen sie dabei unterstützen. Sie müssen allerdings erkennen, dass die Erfinder des Modells offenbar bestens vernetzt sind und Beziehungen bis in höchste Kreise pflegen. Kein leichtes Unterfangen. Aber Lena und ihre Freunde geben nicht auf. Sie setzen Lockvögel, versteckte Kameras und Kronzeugen ein, um den Milliardenbetrug aufzudecken. Bilder: Jeanne Degraa / a.gon Theater

Yumi Ito Solo

Lonely Island

Mit «Lonely Island» veröffentlicht die schweizerisch-polnisch-japanische Musikerin Yumi Ito ihr erstes Soloalbum – und zugleich ihr bislang persönlichstes Werk. Reduziert auf Stimme und Klavier, zwei Instrumente, die sie seit Kindheitstagen begleiten, entstand ein intimes Klangporträt. Im Zentrum beider Instrumente steht die Improvisation. Als klassisch ausgebildete Pianistin, die mit der Suzuki-Methode aufwuchs, schöpft Yumi Ito dabei aus einem Leben des hörenden Lernens.
Zehn Stücke, die Ito über Jahre hinweg begleitet haben, und die sie selbst auf eine einsame Insel mitnehmen würden, erscheinen auf «Lonely Island» in neuem Licht – Songs wie «What Seems To Be», «Old Redwood Tree» oder «Stardust Crystals», verdichtet und auf das Wesentliche reduziert. Was bleibt, ist pure Essenz:
Musik voller Wärme, Tiefe und Ehrlichkeit. «Ich wollte ein Album machen, das sich anfühlt wie ein Hauskonzert. So, als säße man mit mir im Raum – ehrlich, verletzlich, pur.» Yumi Ito Die Stimme ist gereifter und nuancierter denn je, trifft auf ein erzählerisches Klavierspiel, das nicht begleitet, sondern mitgestaltet. So spielt «Old Redwood Tree» mit meditativen 13/8-Ostinati und impressionistischen Akkorden, «Tiki Taka» bringt brasilianische Elemente ein. In der neuen Version von «What Seems to Be» übernimmt Ito zudem die solistische Rolle des einstigen Saxofons oder verwandelt auf anderen Stücken über das Klavier frühere Harfen- und Gitarrenparts in neue Klangbilder. Ein spielerischer wie virtuoser Perspektivwechsel.

Stellenweise klingt der Sound nach Debussy oder Ravel, dann erinnert er an Norah Jones, Fiona Apple oder Tori Amos. Und immer wieder blitzen Filmmusik-Vibes à la Ólafur Arnalds auf. Die Musik flirrt, flimmert, flüstert. Und lässt vergessen, dass alles von einer einzigen Person live eingespielt wurde.
Aufgenommen wurde «Lonely Island» von Lara Persia im Lemura Studio in Montagnola (Tessin, Schweiz), eingebettet in der Natur. Am künstlerischen Prozess waren fast ausschließlich F(L)INTA-Personen beteiligt, von der Musikproduktion bis zum Design. Die Solo-Platte ist damit auch ein Zeichen für Sichtbarkeit und solidarisches Schaffen. «Ich glaube, dass alle die Sprache der Improvisation verstehen können – unabhängig von Herkunft, Geschlecht oder Lebensrealität.» Yumi Ito «Lonely Island» schließt einen Kreis und markiert gleichzeitig einen Neubeginn. Die Platte ist ein Rückzug und zugleich eine Öffnung, hin zu neuen Wegen, neuen Stimmen. So ist für 2026 das nächste Album angekündigt, aufgenommen mit Band. Und eine internationale Tour durch Europa, Asien sowie Nord- und Südamerika ist geplant. Bis dahin lädt Yumi Ito mit «Lonely Island» auf ihre persönliche Insel ein: zu sich selbst, zu ihrer Musik, und zu uns selbst.

Yumi Ito Awarded 2025 Best Artist of the Year Bluebird Reviews

2025 has been another fabulous year of music. The health of this extraordinary art form is now, more than ever, strong and powerful under many aspects, as the caliber of the records reviewed by our website this year clearly confirms. Bluebird Reviews has gathered, remotely, our entire Bluebird Reviews Team across two countries, USA and UK, to decide who the 2025 Award winners are.

Foto: Mady Lykeridou
Design: Maria Jarzyna

Einlass 30 min vor Veranstaltungsbeginn

Berührend und mit wunderbarem Humor lässt die Autorin Noa Lazar-Keinan in ihrem Stück „Kurzschluss“ Alltagssituationen einer im Grunde ganz normalen Familie ablaufen. Die Eltern David und Neta und ihre zwei Kinder Noga und Itamar meistern Kindergarten, Schule, Arbeit, Alltagschaos. Alles läuft irgendwie. Dann kommt die Diagnose Autismus bei Itamar.
Was zunächst wie ein medizinischer Befund klingt, wird schnell zur Zerreißprobe. Die Eltern gehen mit der Diagnose unterschiedlich um. Während einer sofort recherchiert, analysiert und handeln will, hält der andere an Routinen fest und hofft, dass alles halb so wild ist. Zwischen Verdrängung und gut gemeinten Ratschlägen entsteht Reibung, und daraus überraschend komische Momente, in die das Publikum direkt mit einbezogen und angesprochen wird.
„Kurzschluss“ zeigt keine Heldengeschichte, bis auf die fiktive Figur des Superdoktors, und kein pädagogisches Lehrstück. Stattdessen blickt Noa Lazar-Keinan präzise und mit trockenem Humor auf das, was passiert, wenn eine Diagnose wie Autismus plötzlich den Familienalltag strukturiert. Wer muss sich anpassen? Das Kind? Die Eltern? Oder unsere Vorstellungen von Normalität? Ein Stück über Wahrnehmung, Überforderung und die Frage, wie viel eine Elternbeziehung aushält. Direkt, ehrlich und mit Humor, der genau dort sitzt, wo es weh tut.

Der Einlass beginnt 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn.

Konzert und Bewirtung mit finnischem Kaffee, Bier und Gebäck
Das Trio HOT HEROS gründete sich 2015 in Tampere und besteht aus dem Saxophonisten Sami Sippola, dem Kontrabassisten Ville Rauhala und dem Drummer und Percussionisten Janne Tuomi. Alle drei gehören zur Spitze der Jazzmusiker in Finnland. HOT HEROS begannen ihre Karriere mit frei improvisiertem Jazz, änderten dann ihren Sound zu folk-basierten Themen und lyrischeren Kompositionen, auf deren Basis sie zu ihren weit gedehnten, manchmal exstatischen Improvisationen abheben. HOT HEROS haben bereits acht Alben veröffentlicht. Das zweite, Folkjazz From Finland, wurde für den Jazz-Emma in 2018 nominiert. Ihre Musik, die oft von volkstümlichen Traditionen beeinflusst ist, umfasst sowohl ekstatischen, spirituellen Free Jazz als auch lyrische, raffinierte Kompositionen. Das Album „Kammin Jaaretti“ ist inspiriert von der Natur, Mystik, Fantasiewelten und Beatnik-Literatur. Sippola erklärt: „Ich fühlte mich wie Jaaretti, ein musikalisch und materiell bescheidener Volkskomponist, der in einer Torfhütte lebt – eine ländliche Dorfversion von Keith Jarrett.“

In Kooperation mit der Deutsch-Finnischen Gesellschaft Hohenlohe

Ville Rauhala: Kontrabass
Sami Sippola: Saxophon, Klavier, Orgel
Janne Tuomi: Schlagzeug, Percussion

Foto: Hot Heros

Performance
Hochzeitssaal
Englisch
Ca. 60 Min.

Finite Jest ist eine Anatomie des Witzes. Der Witz geht so: Alle sterben. Die Frage ist: Können wir darüber gemeinsam in einem Theater lachen? In dieser neuen Solo-Performance greift Melanie Jame Wolf – mittels Stand-up-Comedy, Shakespeare und der Figur des Narren – auf ihre eigenen Erfahrungen mit Brustkrebs zurück, um gesellschaftliche Skripte dafür zu hinterfragen, wie wir trauern und wie wir über das Sterben nachdenken.

Konzept, Text, Bühnenbild, Ton, Kostümdesign: Melanie Jame Wolf
Performance: Melanie Jame Wolf
Lichtdesign, Outside Eye: Agnė Auželytė
Dramaturgie: Louise Trueheart

Eine Produktion von Melanie Jame Wolf / Savage Amusement in Koproduktion mit Sophiensæle. Mit freundlicher Unterstützung der Schwankhalle Bremen und in Koproduktion in Residenz bei O Espaço do Tempo. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

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Performance
Hochzeitssaal
English
Ca. 60 Min.

Finite Jest is an anatomy of The Joke. The Joke is that everybody dies. The question is: can we laugh about that together in a theater? In this new solo performance – via stand up comedy, Shakespeare, and the figure of the Jester – Melanie Jame Wolf draws on her experience with breast cancer to question social scripts for how we grieve, and how we think about dying.

Concept, text, set, sound, costume design: Melanie Jame Wolf
Performance: Melanie Jame Wolf
Light design, outside eye: Agnė Auželytė
Dramaturgy: Louise Trueheart

A production by Melanie Jame Wolf / Savage Amusement in coproduction with Sophiensæle. Kindly supported by Schwankhalle Bremen and with co-production in residency from O Espaço do Tempo. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.