Nichts ist so leise wie ein Gedanke – trotzdem macht Marc Gettmann das Unhörbare sichtbar. Ein verblüffendes und überraschendes Erlebnis, das zudem unfassbar lustig ist.
Ihre Gedanken sind der Stoff für seine Show. Aber trotzdem bleiben alle Geheimnisse gewahrt, denn Marc Gettmann will unterhalten und das mithilfe des Publikums. Jede Show ist einzigartig, weil das Publikum nie dasselbe ist. Ein Seiltanz der Mentalmagie bei dem alles möglich ist.
Der preisgekrönte und äußerst charmante Mentalmagier Marc Gettmann tobt sich aus, mit witzigen Gedankenspielen, psychologischen Kniffen und vielen Überraschungen.
Er ist ein Grenzgänger, der Jurist war und seine Passion, die Mentalmagie zum Beruf gemacht hat. Er selbst ist unbekannt, ist aber schon für die bekanntesten Persönlichkeiten aufgetreten.
Gettmann durchdringt die Grenzen der Realität und macht aus dem Übersinnlichen eine Unterhaltung für alle Sinne. Er scheint Ihnen Gedanken zu flüstern und daraus wird der Stoff für eine originelle und einzigartige Show.
Marc Gettmann freut sich auf Sie!

MarcGettmann.de

Einlass ins Schloßcafe 1,5 Std. vorher. Einlass in den Saal ab 15 min vor Showbeginn

Was könnte schöner sein, als im herrlichen Barocksaal zur Livemusik von 5 argentinischen Musikern zu tanzen?!

Das Quintett Éxodo Criollo präsentiert einen Tango in Bewegung, urban und hochaktuell, interpretiert von Musikern mit einem tiefen Verständnis des Genres und breiter Erfahrung. Sie vereinen eine klassische musikalische Ausbildung mit einer großartigen Interpretation von Tangos der klassischen Komponisten, gegenwärtigen Komponisten – und auch eigenen Kompositionen.

Éxodo Criollo erforscht die diversen Möglichkeiten im Timbre und in der Interpretation in seinen Arrangements und bewahrt dabei immer die Essenz des Tangos: den Tanz.

Das 1. Glas argentinischen Rotweins ist im Eintritt enthalten

Einlass ins Schloßcafe 1,5 Std. vorher. Einlass in den Saal ab 15 min vor Konzertbeginn.

Das Quintett Éxodo Criollo aus Buenos Aires verkörpert den Tango in Bewegung – urban, vital und zeitgemäß –, interpretiert von Musikern mit großer Erfahrung. Ihr Konzept? Sie integrieren Criolla-Gitarre und das Guitarrón wieder in die großen Ensembles.

Wunderschöne Arrangements im Stil der alten Orchester mit einer Fülle an Klangfarben! Das Ensemble spielt Tangos von Di Sarli, Troilo, Pugliese, Gobbi, D’Arienzo und erkundet gleichzeitig den aktuellen Tango-Kosmos, spielt neue Tangos und eigene Kompositionen, die die Essenz der großen Kompositionen bewahren und das heutige Leben spiegeln.

Mit ihrer klanglichen und expressiven Vielfalt hat die ungewöhnliche Formation Bühnen und Länder bereist und begeistert – und zugleich die Identität des Tangos bewahrt.

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Tauchen Sie ein in die zauberhafte Welt der Nacht mit dem Pianisten Rafael Gómez-Ruiz. Am 17.5. laden wir Sie zu einem außergewöhnlichen Konzert ein, das den Titel "Nocturne" trägt und sich um das Thema der Nacht dreht.
Nocturnen, benannt nach dem lateinischen Wort für Nacht, sind musikalische Stücke, die die stille und geheimnisvolle Atmosphäre der Nacht einfangen. Doch in den Händen von Komponisten wie Frédéric Chopin werden Nocturnen zu weit mehr als nur ruhigen Nachtmusiken. Chopin schafft es, die Tiefen der menschlichen Seele zu ergründen und bringt nicht nur die Ruhe und Stille, sondern auch die schwebenden Träume und die beunruhigenden Alpträume der Nacht zum Ausdruck. Chopins Nocturnen überraschen immer wieder mit ihrer Vielfalt und Emotionalität.
Rafael Gómez-Ruiz wird Ihnen in diesem Konzert die emotionale Bandbreite der Nocturnen präsentieren und dabei die Zuhörer auf eine Reise durch die Nacht mitnehmen. Neben den bezaubernden Stücken von Chopin wird Rafael auch Werke von Bach, Beethoven, Rachmaninoff und John Field interpretieren. Diese Komponisten haben alle einzigartige Beiträge zur Klaviermusik geleistet und ihre Stücke werden das Konzert zu einem unvergesslichen Erlebnis machen.
Seien Sie dabei, wenn Rafael Gómez-Ruiz die Magie der Nacht musikalisch zum Leben erweckt. Lassen Sie sich von den wunderschönen Melodien der Nocturnen verzaubern und erleben Sie die Nacht in all ihren Facetten – von der stillen Kontemplation bis hin zu den tiefsten Träumen und Emotionen.

Rafael Gómez-Ruiz wurde 1989 in Alicante, Spanien, geboren. Er studierte am Real Conservatorio Superior de Madrid und schloss sein Diplomkonzert mit „summa cum laude“ ab. Im Jahr 2011 wurde er Mitglied der valenzianischen Musikakademie, einer Institution, die sich der kontinuierlichen Entwicklung und Bedeutung der Kunst, Kultur und valenzianischen Musik widmet. 2015 erwarb er einen Master in Klavier solo an der Hochschule für Musik und Theater Rostock bei Prof. Bernd Zack. 2019 folgte ein weiterer Master in Liedgestaltung bei Prof. Karola Theill an derselben Hochschule. Rafael hat zahlreiche Preise bei nationalen und internationalen Klavierwettbewerben gewonnen und spielt als Solist mit Orchestern. Er tritt in renommierten Konzertsälen Spaniens auf, wie dem Auditorio Nacional in Madrid und dem Palau de la Música in Valencia. Darüber hinaus hat er Werke von Chopin und dem spanischen Komponisten Óscar Esplá für den NDR aufgenommen. Rafael Gómez-Ruiz besucht uns ein zweites Mal, nach seinem erfolgreichen Konzert im Schloss Vietgest im Jahr 2023.

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Der Berliner Songschreiber Tobias Panwitz (ehem. Trailhead) lässt Reiseerlebnisse und Begegnungen am Wegesrand in energiegeladenen Folksongs und stimmungsvollen Balladen einfließen. Mit Gitarre, Mundharmonika und Klavier besingt Panwitz Erlebnisse zwischen amerikanischen Landstraßen, spanischen Wegen, lettischen Flüssen und südamerikanischen Landschaften. Beeinflusst von Amerikas klassischen Songwritern der 60er und 70er Jahre verbindet Panwitz seine englischen und deutschen Songs dabei mit Geschichten und Erzählungen über die Orte und Momente in denen sie entstanden.

Ob auf spanischen Caminos, den Hochebenen Norwegens oder in den peruanischen Anden - Panwitz zieht es vor, zu Fuß unterwegs zu sein. „Laufen ist gute Monotonie für mich, Ideen und Songs kommen und gehen, manche bleiben hängen. Und Laufen an sich ist ja purer Rhythmus. Die Schritte allein geben einem schon den Groove für einen Song.“

So sind über die Jahre so viele Songs beim Laufen und über’s Laufen entstanden, dass Panwitz nun viele davon auf seinem neusten, dem Walking-Song-Album „Keep Walking“, und auf "Into The Mountains" vereint hat, seinem neuesten Album, das er auf seiner Wanderung über die Alpen schrieb.

Seit Jahren gehört Tobias Panwitz zur deutschen Folk & Songwriter-Szene, hat fünf von der Presse hoch gelobte Alben eingespielt und ist deutschland- und europaweit mehr oder weniger konstant auf Tournee. Panwitz Musik findet dabei immer wieder ein positives Echo. „Sublime“, „Erstaunlich“, „Exzellent“ und „Überzeugend“ urteilten beispielsweise der Berliner Tagesspiegel, Americana UK, das Tip Stadtmagazin oder Americana Music Times.

Der in Deutschland geborene Gitarrist Krishn Kypke bereiste viele Länder. Unter anderem Indien, China, Malaysia, Uzbekistan oder den Polarkreis. Ziel war es, sich eine Auszeit zu nehmen und keine Musik zu machen. Das mit der Auszeit kam anders als erwartet. So lernte er auf seinen Reisen nicht nur die Kultur, Land und Leute kennen, sondern auch deren Musik und Saiteninstrumente. Die erlebten Abenteuer sind zu Klang und Musik geworden. Seine Konzerte sind für den Zuhörer wahre Erlebnisse in denen Klangwelten entstehen die in dieser Form und Authentizität wohl einzigartig sind. Musik ist eine Sprache die alle Grenzen überwindet. Zur Musik werden Reiserlebnisse erzählt, die mal heiter, mal dramatisch und manchmal auch beides gleichzeitig sind. Es erklingen exotische Instrumente und Melodien aus fernen Ländern. Aber auch Bearbeitungen und eigene Kompositionen die musikalisch von den Reisen erzählen. Ein Konzert auf dem im besten Sinne „Worldmusic“ zu Hören ist. Neben der Gitarre erklingen Sitar, Dutar, Pipa und Tumbi.

Marty Hall ist ein Ausnahmemusiker, der den Blues zu einer Kunstform entwickelt. Wer seine Musik hört, denkt an die hohe Kunst des Minimalismus. Der kanadische Gitarrist Sänger und Komponist schafft es, sein Publikum schon mit den ersten Takten zu fesseln. Blues, Roots, Rock, Balladen, so definiert sich der Markenname honest, raw and direct als Sound von Marty Hall. Sein Gitarrenspiel ist betörend und geradezu hypnotisch. In den Worten des Jazzkritikers Andreas Pernpeintner: Hall, so scheint es, hat eine ganze Band in seine Gitarre gestopft. Alle Stimmen eines kompletten Arrangements sind da zu hören.
200 internationale Konzerte im Jahr brachten Marty Hall Auftritte in Blues & Jazz Clubs, Kulturvereinen, Open Air Festivals, Radio-Fernsehsendungen von Montreal bis Zagreb, Reykjavik bis Palermo und darüber hinaus.
Sehr bedeutsam für Marty Hall war 2017 die Veröffentlichung seines neunten Albums "Platinum Blues". Im Jahr 2021 folgte das 10. Album „Blue Terrain“, eine klassische Bandaufnahme mit Weltstarbesetzung. Mit dabei David Waddell, Billy La Pietra, Keith Whittall und Tobias Kopf.

Ein musikalischer Abend mit Marty Hall wird immer eine Hommage an die 3 Kings - B.B., Freddie und Albert
- beinhalten.

Miguel Bareilles, genialer Komponist und Pianist, eine russische Seele mit lateinamerikanischen Wurzeln, ist seit April „artist in residence“ auf Schloss Vietgest. Zu Pfingsten beschenkt er uns zu mit einem Konzert voller Virtuosität, Romantizismus und Expressivität.

Seine Musik durchquert zwangsläufig verschiedene stilistische und emotionale Territorien. Darin vermischen sich seine lateinamerikanischen Wurzeln mit seinem romantischen Geist und den technischen und harmonischen Komplexitäten seiner Werke, was zu einer exquisiten und einzigartigen Musik führt.

In den letzten Jahren wurden seine Werke mit zahlreichen internationalen Preisen ausgezeichnet: zwei Medaillen bei den "Global Music Awards" (USA, 2019), der zweite Preis beim "International Piano Competition" der "World Piano Teachers Association", Teatro Colón (Buenos Aires, 2018), sowie der erste und dritte Preis des II. Internationaler Rachmaninov-Wettbewerb für Komposition, organisiert von der Internationalen Rachmaninov-Gesellschaft e.V. (Deutschland, 2015-2016)

Sein Pfingstkonzert für Piano Solo lädt zu einer nostalgischen und visionären Reise ein. Originale Kompositionen sind das Ergebnis der kontrastiven Kombination zwischen klassischer Musik, lateinamerikanischer Folklore und Tango. Das klangvolle Ergebnis bestätigt nicht nur den hybriden und zeitlosen Charakter der Musik, sondern hebt auch die oft noch bestehende Trennung zwischen klassischer und populärer Musik auf. Es ist Musik, die unmittelbar berührt - und inspiriert.

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Mit Gitarre und Mandoline sowie seiner unvergleichlichen Stimme, die sanft und kraftvoll zugleich sein kann, nimmt Ben Sands seine Zuhörer mit auf eine besondere musikalische Reise.
Viele seiner gefühlvollen Songs gehen unter die Haut und sind in Irland zu Hits geworden.
"Augen schließen und träumen!´´, könnte Ben Sands´ Empfehlung an seine Zuhörer lauten.
Seine musikalischen Wurzeln liegen in der Folkmusik-Tradition der Grünen Insel.
Doch der Sänger und Songwriter stimmt mitunter auch politische Themen an. Seine Lieder erzählen Geschichten vom Leben, von der Liebe und von den Eigenarten dieser Welt – vorgetragen mit dem für Ben Sands eigenen Humor.
Mit dieser Mischung hat er solo, aber auch gemeinsam mit seinen Geschwistern als "Sands Family" großen Erfolg.
Bereits seit 40 Jahren tourt er durch die Welt und gehört in seinem Heimatland zu den bekanntesten Musikern dieses Genres.
Worte können jedoch kaum beschreiben, wie Ben Sands mit seiner unvergleichlichen Art und Stimme Zuhörer aller Altersklassen verzaubert. Hören Sie also am besten selbst - wenn Sie auf "Listen" klicken, finden Sie viele Songbeispiele.

Als sich im Jahre 2000 fünf ambitionierte Leipziger Musikstudenten zu einem noch namenlosen Blechbläserquintett zusammenschlossen, ahnte wohl keiner von ihnen, dass dieses Ensemble mit heute rund 50 Konzerten pro Jahr einmal einen wesentlichen Teil ihres Berufslebens ausmachen sollte! Ursprünglich waren es die Freude am interaktiven kammermusikalischen Musizieren, die Selbstbestimmtheit (Unabhängigkeit) in Programmwahl und Interpretation sowie auch die solistische Herausforderung jedes Einzelnen, die den Musikern eine erfrischende Abwechslung zum Orchesterspiel bot.

MarkRoseGrooveEnsemble

Grooves to move, improvisierte Musik, Sessions, immer wieder anders. Spaß auf den Brettern, die die Welt umspannen. Mal im Duo, mal als Band, unter anderem mit: Christian Florié, Josa, Stefan Köpke, Torsten Harder, Leo Eisenach, Peter Schmidt, Dirk Homuth, Jens Huth, Theo Bergmann, Rudi Feuerbach, Bert Wenndorff to be continued....

Die schweizerische Cellistin Estelle Revaz ist in diesem kammermusikalischen Projekt eine leidenschaftliche Kooperation mit der französischen Pianistin Anaïs Crestin eingegangen. Die beiden präsentieren sehr lebendige Werke, die von ganz verschiedenen traditionellen Kulturen inspiriert sind und hier miteinander in Dialog treten. Die zündende spanische Folklore eröffnet das Feuer der Leidenschaften – Verführung, Verrat, zärtliche Liebe – mit den Siete canciones populares españolas von de Falla. Mit Pohádka (ein Märchen) von Leoš Janáček betreten wir dann die Märchenwelt der tschechischen Legenden – eine Welt voller Wunder und Phantasmen. Im Anschluß flüstert uns Schumann mit den Fünf Stücken im Volkston, teils sehr intimen Stücken, Geschichten ohne Worte ein. Das Zentrum des Abends bildet die Sonate des argentinischen Komponisten Ginastera, der uns durch die Pampa reiten läßt, vorbei an den Lagerfeuern der Gauchos. Das fulminante Finale ist die Ungarische Rhapsodie von Popper, die mit ihren Zigeunerthemen und ihrer Virtuosität Bilder der ländlichen Geiger entstehen läßt, die ebenfalls am Feuer improvisieren und die Tänzer von Fest zu Fest wirbeln.

Estelle Revaz und Anaïs Crestin haben sich 2012 beim Internationalen Festival von Mendoza in Argentinien kennengelernt. Ihre künstlerischen Wege durch die französischen und deutschen Schulen haben begründeten ganz selbstverständlich eine musikalische und menschliche Übereinstimmung. Seither sind sie regelmäßig gemeinsam in Südamerika aufgetreten.
Estelle Revaz hatte Auftritte bei Radio France, bei der RTBF, beim Deutschlandfunk, beim WDR3 sowie bei der Radio Télévision Suisse. Neulich hat Estelle Revaz 5 Sendungen Estelle et le violoncelle im Schweizer Rundfunk geleitet und dabei 5 Themen präsentiert : Der Klang des Violoncellos, Die Technik des Violoncellos im Dienst des Ausdrucks, Die Interpretation durch die künstlerische Auswahl, Das Violoncello, ein Geschichtenerzähler und Die Zauberei der Inspiration durch die Cellokonzerte.
Nach ihren Anfängen in der Schweiz wurde sie in Frankreich am Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris unter Jérôme Pernoo sowie in Deutschland an der Hochschule für Musik und Tanz Köln bei Maria Kliegel ausgebildet.
Seit 2015 ist Estelle Revaz Mitglied des «Forum des 100»: 100 Persönlichkeiten, die die Zukunft der Schweiz vertreten.
Zur Zeit spielt Estelle Revaz auf einem Violoncello von G. Grancino (1679) und mit einem Bogen von J. Eury (1825). Beides wurde ihr von großzügigen Schweizer Mäzenen zur Verfügung gestellt.
Anaïs Crestin spielt regelmäßig in Europa und Südamerika. In Argentinien, wo sie seit 2008 wohnt, konzertiert sie unter anderem im Teatro Colon, im CCK, in der Usina del arte, beim Festival von Ushuaia, bei den Konzerten des Mozarteums, im Teatro de La Plata, im Teatro von Neuquén oder in der Sala de la Calafate gegenüber der berühmten Eisdiele von Perito Moreno, mit Künstlern und Künstlerinnen wie Sophie Klussmann, Ophélie Gaillard, Claude Delangle, Julien Szulman, Luis Rossi, Estelle Revaz oder dem « Cuarteto Gianneo »,das dreimal den ersten Preis der argentinischen Kritik als bestes Kammermusikensemble erhalten hat.
Ihr Konzertrepertoire reicht von den Klavierkonzerten Mozarts über argentinische Werke wie die « Romanza de Santa Fe » von Carlos Guastavino und eine Auswahl an Tangos bis hin zu zeitgenössischen Werken. Im Jahr 2018 spielt Anais Crestin als erste südamerikanische Uraufführung und mit dem Symphonieorchester von Salta unter Noam Zur die Phantasie für Klavier und Orchester von Nadia Boulanger. Wiederholungen dieses Konzerts sind für 2019 geplant.
2017 nimmt sie mit Sebastián Tozzolla, Soloklarinettist beim philharmonischen Orchester des Teatro Colón, « Bajo templado » beim Label « Pulso 70 » auf. Diese Aufnahme ist die erste von bestimmten Werken für Bassklarinette und Klavier wie die fünf Miniaturen von Sláva Vorlová oder die Sonate von Marc Eychenne. Anaïs Crestin erhielt ihre Ausbildung in Frankreich und Deutschland an der Hochschule für Musik von Detmold bei dem exzellenten Konzertpianisten Jean-Efflam Bavouzet.
Sie gewinnt zahlreiche Preise wie die Erste Medaille des Concours de piano von Brest oder den ersten Preis beim Concours Ginastera.
Anaïs Crestin hat einen Lehrstuhl an der UNA (Universidad de las Artes) und am Konservatorium Piazzolla von Buenos Aires in Argentinien.

Einlass ins Schloßcafe 1,5 Std. vorher. Einlass in den Saal ab 15 min vor Konzertbeginn.

Das Ensemble MezzoCello entführt uns mit einem einzigartigen Klang zu bekannten und unbekannten Orten. Mit der ungewöhnlichen Besetzung von vier Violoncelli, die einen besonders großen Stimmumfang besitzen, und einer Mezzosopranstimme erschafft das Ensemble einen einzigartigen Klang, der alle Stimmen eines Streichquartetts oder sogar eines Kammerorchesters umfasst.
Mit der majestätischen Tiefe der Celli erklingen Werke von Vivaldi, Händel und anderen Meistern der Musikgeschichte ebenso wie eindrucksvolle Arien aus der Oper „Carmen“ von George Bizet. Dabei läßt die ungewöhnliche Instrumentenkombination nicht nur die Stimmen eines Streichquartetts erahnen, sondern verwebt die Klangfarben so, dass sie den Raum mit der Präsenz eines kleinen Orchesters füllen.
Erleben Sie die Faszination eines Ensembles, das klassische Eleganz mit moderner Klangsprache verbindet und dabei einen unverwechselbaren Klang kreiert, der sowohl die Tiefe als auch die Leichtigkeit der Musik zum Leben erweckt.
Katharina Mai - Mezzosopran
Andranik Sargsyan - Violoncello
Mikayel Matnishyan - Violoncello
Skye Morris - Violoncello
Sebastian Jorgensen - Violoncello

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… ein Leben, in dem Rebellion und Selbstbehauptung stets die treibenden Kräfte waren.” (Markus Fitsch – mdr kultur)

“Früher Teenie-Idol, ist IC Falkenberg heute Mahner und Intellektueller. Eine Wandlung in 50 Jahren Musik.“ (Schall Musikmagazin)

“Träumerische Klänge eines kreativen Poeten: ideales Futter fürs Feuilleton… der Mann verfügt über enorme sprachliche und musikalische Möglichkeiten, er sollte gehört werden. (Musikexpress)

„So abstrakt und assoziativ dichtet kaum ein deutscher Sänger.“ (Berliner Zeitung)

“Ein Dichter, der hier singt, in Stücken, die stilistisch so weit weg sind von gewöhnlichen Rocksongs wie der Mond von den Sternen. Falkenberg verbindet die elegische Stimmung mit dem literarischen Anspruch von Leonhard Cohen und Nick Cave.” (Mitteldeutsche Zeitung)

“Unbeeindruckt von den Spielregeln des Musikbusiness liefert IC Falkenberg vielschichtige, atmosphärisch dichte Kompositionen mit sehr klugen Texten, die es zu entschlüsseln gilt.” (Das Magazin)

„Solche Lieder braucht das Land.“ (Süddeutsche Zeitung)

IC FALKENBERG schreibt und singt und spielt Klavier, er reibt sich an den großen Themen und zieht diese in seine reale Welt jenseits der Partyhochburgexzesse. Und er bezieht Stellung. Offen und ohne Ausflüchte.

Über 50 Jahre Bühnenpräsenz und 27 Alben sprechen für sich, ebenso die musikalische Vielfalt von FALKENBERG.

IC FALKENBERG steht seit seinem zehnten Lebensjahr auf der Bühne. In den Achtzigern war er der Sänger, Komponist und Texter von Stern Meissen. Schnell avanciert er, Mitte der 80ziger, unter dem Künstlernamen

IC FALKENBERG zu einem der erfolgreichsten und populärsten Künstler im Osten Deutschlands und verkauft in dieser Zeit von seinen ersten beiden Soloalben jeweils über 250.000 Exemplare.

Die Konzerte von IC FALKENBERG sind nicht wiederholbare Momente, ihre offenherzige Intimität und berührende Melancholie durchwebt er mit humorvollen Geschichten.

Trotz seiner anspruchsvollen Themen bleibt er dabei in einer unaufdringlichen Leichtigkeit. Er meistert den Grat, klingt empfindsam, aber niemals sentimenta

Alternative Nordic Noir ist ein konstanter Fluss ungefilterten Ausdrucks und authentischer Vibes, der Körper und Seele durchdringt und Sie dazu zwingt, sich der Reise anzuschließen und die emotionalen Landschaften Ihres Geistes zu durchsegeln. Von den tiefsten Wurzeln amerikanischer Musiktraditionen bis hin zum wunderschönen Nordic Blue-Ton. Sie fühlen sich in die weiten offenen Räume und die schwere Melancholie der Sümpfe versetzt. Plötzlich schleicht sich die wildeste Liebe aus den Wurzeln Ihrer menschlichen Seele in Ihr Herz. Und durch Bechmanns kraftvollen Gesang werden diese herzlichen und absolut authentischen Lieder Sie erfreuen und Sie inmitten ihres abstrakten Ausdrucks in einem Raum der Bedeutung zurücklassen. Sidenius‘ raffinierte, ruhige und tiefe Rhythmen unterstützen Bechmanns kolossal ausdrucksstarke Gitarre und kreieren ihren eigenen, einzigartigen Sound von Alternative Nordic Noir, ein Format, das man nur sehr selten findet.

Ludwig Wright ist ein deutsch-britischer Singer-Songwriter. der in Berlin lebt.Er sagt von sich: Kürzlich habe ich mit der Filmkomponistin Freya Arde einen Song für die aktuelle Verfilmung von Erich Kästners Roman „Das Fliegende Klassenzimmer“ geschrieben und gesungen. Ich wohne in Berlin und auch wenn ich es liebe, die Geschichten meiner Songs zu verfassen und sie aufzunehmen, liegt meine wahre Leidenschaft beim Spielen von Konzerten und dem, was ich am besten kann: Rock ’n’ Roll und Folk in Einklang zu bringen.
Die Presse schreibt über ihn.„Starke, klare Stimme” „Hochfliegende Melodien und eingängige Refrains”, „Er kreierte Ohrwürmer” „Peppig und sprudelnd” „Kreative Nuance mit einer Dualität der Sprache und Erfahrung, die interessante Resonanzen und Texturen abliefern.“ „Wright besitzt eine ausgezeichnete Stimme , ist ein geschickter Gitarrist.“ und einiges mehr...

Jaspar Libuda nutzt alle Möglichkeiten des Kontrabasses zwischen bogengestrichenen lyrischen Passagen bis in höchste Lagen, perkussiven, gezupften Akkorden, entwickelt wunderschöne Themen und Motive, wechselt rhythmisch und harmonisch zwischen melodieseligem und exotischerem Terrain, oszilliert zwischen dichter Klangfülle und transparenten Passagen und er lässt die Stille ebenso zu wie leuchtend kraftvolle Klanglandschaften. Libudas Stücke entwickeln einen Sog, dem man sich nur schwer entziehen kann."
Olga Hochweis, Deutschlandradio Kultur
"Libuda entwickelt einen Klangsog, der kongenial die Gefühle, den Schmerz und die Liebe, die Idealwelten und Realzwänge begleitet und weiterführt."
Eva-Maria Magel, Frankfurter Allgemeine Zeitung
"Libuda beweist als Komponist und Bassist ein bemerkenswertes Gespür für Melodie, Songstruktur und Klang."
Ulf Drechsel, kulturradio vom rbb


Die Verbindung virtuoser Kontrabasskunst mit elektroakustischer Musik.

Die Musik des Berliner Komponisten und Kontrabassisten Jaspar Libuda befindet sich an der Schnittstelle von Neoklassik, Filmmusik und Soundscapes mit einer Mischung aus festen Arrangements und Improvisation. Er ist bekannt für sein sensibles und virtuoses Bogenspiel auf dem Kontrabass.

Jaspar Libudas Kompositionen sind klassische Klanglandschaften, musikalische Geschichten ohne Worte, eine Liebeserklärung an die Melodie und die tiefen Gefühle, die sie hervorzurufen vermag. Eine Verbindung von virtuoser Kontrabasskunst und elektroakustischer Musik. Unter Verwendung eines speziell für ihn gebauten fünfsaitigen Kontrabasses mit hoher C-Saite, Loopstation und Live-Elektronik erschafft Jaspar Libuda vor den Ohren seines Publikums ein ganzes Ensemble. Schichtet Flächen und Rhythmen übereinander. Verwebt Melodien und Stille zu einer dichten Klangwelt, Gleichzeitig melancholisch und voller Lebenslust. Ein Schwebezustand zwischen Stilen und Genres. Ein Grenzgang zwischen zwischen Klassik, Neoklassik, Jazz, Rock, Pop und Minimal Music. Mit Klangfarben, die an Cello, Perkussion, Gitarre und Oud erinnern. Mehr als 100 Kompositionen sind in den letzten Jahren entstanden. Kompositionen für Kontrabass Solo, für das Jaspar Libuda Trio mit Gitarrist Florian Segelke und Schlagzeuger Sven Tappert sowie das Duo Jaspar Libuda + Daniel Moheit. Kompositionen zu einem imaginären Film mit leuchtenden und dunklen Themen.

2006 gründet der Komponist das Jaspar Libuda Trio. Im selben Jahr erscheint die EP Alambic sowie 2008 sein erstes Kontrabass Solo Album Gideon. 2009 folgt das erste Trio Album Aquarius, das von Kulturradio vom RBB die höchste Bewertung bekommt. 2010 gründet er das Duo Jaspar Libuda + Daniel Moheit sowie 2012 sein eigenes Label cinematic bass music. 2013 erscheint das erste Duo Album Alarm auf der Zeitwacht und das zweite Trio Album Jahrtausendgänger, produziert von Kulturradio vom RBB, unter anderem gesendet im ARD Radio Festival. Zwischen 2013 und 2019 arbeitet Jaspar Libuda an Auftragskompositionen und Filmmusiken, unter anderem für den RBB, die Kulturingenieure und die Von Vietinghoff Filmproduktion, lässt sich seinen fünsaitigen Kontrabass bauen, richtet sich sein eigenes Studio ein und arbeitet an neuen Alben, die ab 2020 erscheinen. Neben seiner bundesweiten und internationalen Tätigkeit als Kontrabassist und Komponist seiner eigenen Projekte ist Jaspar Libuda an zahlreichen Konzert- und CD Produktionen anderer Künstler und Labels beteiligt wie dem RIAS Kammerchor, Nils Frahm, Jan Böttcher, Klez.e, Greg Haines, Ali Al-Asi, Wasteland Green und Orlando (Roland Kunz), Kook Berlin/New York, Ateliermusik Hamburg, Loob Musik, Sonic Pieces. Musikalische Engagements führen ihn u.a. zum Jazzunits Festival, Jazz in den Ministergärten, Rudolstadt Festival, Siebenklang Festival, Magdeburger Songtage, Trinitatiskirche Warschau, Greifswalder Dom.
Jaspar Libudas zweites Soloalbum Die Geburt der stillen Farben erscheint wie auch sein drittes Soloalbum Das Buch der Träume, Band 1 offiziell 2020 bei cinematic bass music.

Jedes Jahr in den Herbstferien widmen sich die Frühstudierenden der Young Academy Rostock (YARO) vier Tage lang intensiv der Kammermusik - seit dem letzten Jahr haben sie Schloss Vietgest als sehr inspirierenden Rahmen entdeckt!
Gemeinsam mit Dozierenden der hmt Rostock werden Werke in verschiedenen Kammermusik-Besetzungen erarbeitet und beim abschließenden Werkstattkonzert erstmalig vor Publikum präsentiert.
Die rund 20 jungen, unfaßbar talentierten und disziplinierten Musiker*innen stellen mit einem bunten Programm von Klassik bis Pop eine breite Vielfalt der Musikwelt vor und eröffnen damit unseren Schlösserherbst.

Einlass ins Schloßcafe 1,5 Std. vorher. Einlass in den Saal ab 15 min vor Konzertbeginn.

Kulinarischer Genuss und drei verschiedene Showakte: Den Gästen im Naturresort Drewitz in Malchow wird einiges geboten: Erlesen serviert, spontan inszeniert: Das Burlesque Dinner - das ist ein köstliches 3-Gänge-Menü mit der passenden Musik und beeindruckenden Licht-und Tontechnik wird für das richtige Ambiente und gute Laune gesorgt.

Welcome to „Burlesque Dinner“! Doch was steht auf dem Menü?

Die neue Dinnershow bietet ein Unterhaltungstheater der Extraklasse, bei der die sinnliche Verführungskunst voller Eleganz, Weiblichkeit und Provokation serviert und mit deftigen Witzen und viel nackter Haut gewürzt wird.

Carlos Coelho, der die Stuttgarter Burlesque Szene seit Beginn mitgestaltet, führt Sie als Moderator durch einen ausgelassenen Abend mit Tanz, Artistik, Musik und erotischen Showeinlagen.

Die Reise des Abends wird Sie ins frühe 20. Jahrhundert und damit zum Ursprung der Burlesque-Kunst führen.
Lassen Sie sich neue Welten aufzeigen und genießen Sie eine humorvolle und glamouröse Show, bei der die talentierten Künstlerinnen mit den geheimen Wünschen und Fantasien der Zuschauer spielen. Schon das Ausziehen der Handschuhe kann dabei zur erotischen Attraktion werden.

Im Wechsel mit drei verschiedenen Showakten wird ein exzellentes 3-Gänge-Menü serviert, das den Abend perfekt abrundet und das Burlesque Dinner zu etwas ganz Besonderem macht. Durch passende Musik und beeindruckende Licht- und Tontechnik wird für das richtige Ambiente und gute Laune gesorgt.

Sie sind auf den Geschmack des Burlesque Dinners gekommen? Dann scheuen Sie sich nicht und lassen Sie uns gemeinsam durch Klatschen und Jubeln für ausgelassene Stimmung und einen erinnerungswürdigen Abend sorgen, bei dem Ihnen ordentlich eingeheizt wird. Sichern Sie sich jetzt Ihr Ticket!

Das verführerische 3-Gänge-Menü wird vom Küchenteam im Naturresort Drewitz serviert und kreiert. Die Dinnershow startet um 19:00 Uhr, Einlass ist ab 18:30 Uhr.

Einlass: 18:30 Uhr / Gänge Menü und Burlesque Show sind im Preis inbegriffen / Tisch- und Sitzplätze werden vor Ort verraten