Ende der 1970er Jahre: Vor fünf Jahren sind Joe und Kate aus London in die ländliche irische Gemeinde gezogen, in der er aufwuchs. Hier, fernab der Hektik der Großstadt, verspüren beide eine tiefe Zufriedenheit, sind voller Optimismus und leben im Einklang mit den Jahreszeiten. Joe ist Schriftsteller, Kate Fotografin, Künstlerin und Mitinhaberin einer Londoner Galerie. Weil die meisten jungen Menschen das Dorf verlassen haben, um anderswo zu arbeiten, sind die übriggebliebenen Einwohner nur noch einige ältere, und zuweilen recht schrullige Persönlichkeiten. Auch wenn scheinbar nichts in dieser Idylle zu passieren scheint, ist das Leben in diesem kleinen Dorf alles andere als grau und eintönig…
Basierend auf dem gleichnamigen Roman von John Mc Gahern entwirft Regisseur Pat Collins ein ebenso besinnliches wie berührendes Bild einer abgeschiedenen Gemeinschaft im Irland Ende der 1970er Jahre.

Rose hat eine enge Beziehung zu ihrem älteren Bruder Sam – sie zieht vorübergehend bei ihm ein, als eine Beziehung scheitert, sie verbringen gemeinsam Sommertage im See oder am Park. Diese Geschwisterbindung scheint unerschütterlich, bis eine schwere Anschuldigung alles infrage stellt. Als Sam der Vergewaltigung beschuldigt wird, gerät das vertraute Band der Geschwister ins Wanken: Rose soll im Rahmen der Ermittlungen gegen den eigenen Bruder aussagen.
Der Film beleuchtet die innere Zerrissenheit einer jungen Frau, die sich zwischen Loyalität und Verantwortung entscheiden muss. Dabei werden die Grenzen zwischen Liebe und Pflicht, Vertrauen und Wahrheit auf eindringliche Weise ausgelotet. „Schwesterherz“ glänzt durch nuancierte Charaktere, subtile Spannungsmomente und eine ruhige, aber intensive Atmosphäre, um eine Geschichte zu erzählen, in der jedes Wort und jede Entscheidung schwer wiegt.

Die 15-jährige Elvira glaubt fest daran, in einer dänischen Fruchtbarkeitsklinik gezeugt worden zu sein und dass ihr leiblicher Vater ein berühmter dänischer Filmstar ist, der ihr irgendwann endlich eine Tür zu einem anderen Leben öffnet. Raus aus dem verschlafenen Nesseby im äußersten Nordosten Norwegens, wo Elvira mit ihrer samischen Mutter Beate lebt, die zu allem Überfluss nun auch noch ihr homosexuelles Coming-out durchlebt. Umso schockierender ist es für Elvira, als plötzlich ihr wirklicher Vater auftaucht und sie sich von jetzt auf gleich mit einem ganz anderen genetischen und kulturellen Erbe konfrontiert sieht...
Feinsinnig und mit viel skurrilem Humor erzählt Egil Pedersens Coming-of-Age-Film, wie seine selbstbewusste junge Heldin die Herausforderung annimmt, sich und ihre Familie neu zu verorten und anzunehmen.

Irgendwo in naher Zukunft: Der Klimawandel ist eingedämmt, die weltweite Armut beseitigt, und alle Arten können auf dem Planeten in Frieden und Gleichheit leben. Voraussetzung für dieses neue Miteinander ist, dass das menschliche Leben mit 50 Jahren endet. Das weltweite Abkommen wird von jungen KünstlerInnen zeichnerisch protokolliert. Für Kiah ist es der erste Arbeitstag als „offizielle Zeugin“: Von ihrem Mentor Daniel lernt sie, wie sie Protokolle über das Ende des Lebens (EOL) für die Neue Weltordnung anfertigt. Sie zeichnet die 50-Jährigen – Menschen, die im Gegensatz zu ihr und Daniel noch Erinnerungen an eine Welt haben, in der Medizin, Infrastruktur und Geld das Leben verlängern konnten. Kiah schafft es, die verschiedenen Emotionen und Geschichten dieser Menschen einzufangen, sie erweckt sie förmlich zu neuem Leben. Zu Hause bereitet sich ihre Mutter derweil auch auf das Ende ihres Lebens vor...
Mit viel Feingefühl zeigt Ann Marie Fleming ihre inspirierende Zukunftsutopie, in der Konsum und Technik keine große Rolle mehr spielen, sondern die gesellschaftliche Verantwortung in den Mittelpunkt gerückt wird. In unaufgeregten und zum Teil animierten Bildern bringt sie ihr Publikum zum Nachdenken: Über das Leben, den Tod und die Bereitschaft der Menschheit, die Zeit selbst für eine nachhaltige Zukunft zu opfern.

Vera Brandes ist jung, rebellisch und eine große Jazzliebhaberin. Mit 18 Jahren setzt sie selbstbewusst und leidenschaftlich alles aufs Spiel, um ihren Traum zu verwirklichen: Gegen den Willen ihrer konservativen Eltern bucht sie auf eigenes Risiko das Kölner Opernhaus, um Keith Jarrett im Januar 1975 für ein Konzert nach Köln zu holen. Vera weiß es noch nicht, aber diese improvisierte Stunde am Klavier, die bis zuletzt zu scheitern droht, wird auf Schallplatte verewigt und von vielen als eines der populärsten Kunstwerke des 20. Jahrhunderts angesehen: Keith Jarretts „The Köln Concert“. Die Plattenveröffentlichung „The Köln Concert“ avanciert mit über 4 Millionen verkauften Exemplaren zum erfolgreichsten Solo-Jazz-Release aller Zeiten...
Inspiriert von wahren Begebenheiten erzählt Regisseur und Autor Ido Fluk in „Köln 75“ die mitreißende und unfassbare Geschichte, die hinter diesem legendären Konzert steht: Es ist die Geschichte von Vera Brandes, einer jungen, zielstrebigen und emanzipierten Frau, die sich in einer männerdominierten Gesellschaft durchsetzt. Eine Frau, die Mut hat und Probleme löst. Mala Emde verkörpert sie brillant als leidenschaftliche Musikliebhaberin und Rebellin, die in den turbulenten Siebzigerjahren unbeirrbar ihren Weg geht.

Die isländische Kirche steckt in einer Krise: Ihr Vorrat an Messwein geht aufgrund der „großen Nachfrage“ zur Neige! Eine überraschende Wendung, denn dieser Wein schmeckt, als sei er mit der Kraft gesegnet, die Gläubigen eher abzustoßen als anzuziehen. In einem kühnen Schachzug schickt der Bischof von Island ein Quartett ahnungsloser Priester nach Rioja auf die Suche nach einem göttlichen Elixier, das den feinen Gaumen der Gemeinde würdig ist – oder zumindest nach etwas, das schmeckt und nicht wie bisher auch als Lackentferner durchgehen könnte. Diese sakralen Sommeliers nehmen ihre Mission sehr ernst, und sie gehen ihrer heiligen Pflicht mit einem Enthusiasmus nach, der normalerweise Wunderheilern vorbehalten ist. Leider sind sie von den spanischen Weinbergen so fasziniert, dass sie die kleinen Wunder um sie herum übersehen – wie die Wiederkunft Christi...
„Divine Remedy | Gudaveigar“ ist eine herrlich erfrischende Komödie aus Island: Mit viel Gefühl und einer gehörigen Portion Humor schicken die Markell-Brüder ihre Protagonisten auf eine ziemlich abenteuerliche spirituelle Suche.

Inmitten der endlosen Weite der Atacama-Wüste träumt die junge Carola von einem Leben am Meer. Doch der Alltag mit ihrem Vater Pacifico ist erbarmungslos: Gemeinsam betreiben sie eine illegale Mine und hüten ein gefährliches Geheimnis – eine Goldader, die sie in nächtlicher Arbeit abbauen. Als einer der anderen Bergmänner die verborgene Fundstelle entdeckt, eskaliert die Situation. Bei einem Schusswechsel wird ihr Vater schwer verletzt, und Carola muss seinen Platz übernehmen. Aber kann sie sich gegen die Feindseligkeit der Männerwelt und ihre eigenen Ängste behaupten?
Ein fesselnder Neo-Western, der in die unglaubliche Weite der Wüste und tief ins Innere der Erde führt, und die Frage stellt: Wie weit würdest du gehen, um deine Träume zu retten? „Der Film hinterfragt eine Welt, in der Besitz über den Sinn des Lebens bestimmt. Carola und Pacifico träumen von einem anderen Leben – doch der Wunsch nach Freiheit führt sie geradewegs in eine Falle.“ (Juan Olea)

Bundeswehrsoldat Isaac ist in der deutschen Provinz stationiert. Bei einem Saufgelage mit den Kameraden trifft er Ilona. Um seine Chancen bei ihr zu erhöhen, versucht Isaac, sich die Zuneigung ihrer mürrischen Schwester Edith mit all seinem Charme zu erarbeiten. Zu spät erkennt er, dass die junge Frau in einem Rollstuhl sitzt. Es kommt zu einem Handgemenge mit einigen Stammgästen, denen die Bundeswehrsoldaten ohnehin ein Dorn im Auge sind. Schambeladen will Isaac das Bild, das die Schwestern von ihm haben, korrigieren. Er bemüht sich um Edith und es entwickelt sich eine unerwartete Freundschaft zwischen den beiden. Seine impulsive Art weckt bei der wankelmütigen jungen Frau neuen Lebensmut und nach anfänglicher Skepsis des Vaters – ein einflussreicher Unternehmer – gewinnt Isaac auch dessen Anerkennung. Doch dann offenbart Edith ihre wahren Gefühle und Isaac gerät unter Druck...
Regisseur Lauro Cress‘ Film basiert auf dem gleichnamigen Roman von Stefan Zweig, den er in die heutige Zeit verlagert: Sein rastloser Protagonist sucht verzweifelt nach Anerkennung und verliert dabei immer mehr sich selbst. „Stefan Zweig beschreibt in seinem Roman von 1939 eine Abgetrenntheit von eigenen Gefühlen, die mir heute aktueller scheint als je zuvor. In einer Zeit, in der man seiner Identität auf Instagram hinterherläuft und Authentizität zur Ware geworden ist, hat man ständig das Gefühl nicht zu reichen, nicht genug zu fühlen, nicht echt zu sein.“ (Lauro Cress)

Nach Bühnenauftritten und Zirkustournee, nach Theaterdirektion und Kinoleitung, nach Grafikbüro und Regieführung, nach einer Auszeit in New York und Bücherschreiben kommt nun der Kinofilm über den Schweizer Kult-Kabarettisten Emil Steinberger. Der Dokumentarfilm bringt Emils unvergessliche Auftritte, seinen Humor und seine Sprache, die Generationen begeistert haben und immer noch begeistern, auf die Leinwand. Der Film geht dabei über den nostalgischen Blick auf die bekannten Bühnen-Figuren hinaus und taucht ein in eine Welt, in der Emil gegen die Schatten seiner Kindheit und den Druck des Erfolgs kämpft, um seinen Platz als gefeierter Komiker zu finden. Nicht zuletzt ist „Typisch Emil“ die Geschichte einer großen, romantischen Liebe.
Regisseur Phil Meyer hat sich zusammen mit dem Filmteam um Emil Steinberger und dessen Frau Niccel durch umfangreiches Archivmaterial gearbeitet und nach bisher nicht erzählten Geschichten geforscht. Entstanden ist ein Film über Mut, Liebe und den unermüdlichen Drang, sich immer wieder neu zu erfinden. Ein bewegender Dokumentarfilm über Emil Steinberger, in dem der unverwechselbare Schalk des Künstlers immer wieder aufblitzt.
„Meine bisherigen Erfahrungen zeigten, dass jeder Dreh zu einem tiefgreifenden Erlebnis wird. ‚Typisch Emil‘ macht da keine Ausnahme. Auch für mich, als 91-Jährigen, waren die Arbeiten am Film eine Lebensschulung. Und doch bin ich im Nachhinein von mir selbst überrascht, mit welcher Leichtigkeit ich im Film von großen Entscheiden in meinem Leben erzähle, als ob es nichts Leichteres gegeben hätte.“ (Emil Steinberger)

Joseph Haydn (1732-1809)
Duett D-Dur Hob.X:11 & XII:3+5

Niccolò Paganini (1782-1840)
Cantabile (arr. von Cello Duello)

Carl Maria von Weber (1786-1826)
Adagio und Rondo (arr. von Piatigorsky/Schmidt)

Adrien-François Servais (1807-66)
Caprice sur motifs de l‘opéra „Le Comte Ory“ de Rossini op. 3

Jacques Offenbach (1819-80)
Duo E-Dur op. 54/2
Allegro - Andante - Polonaise

Niccolò Paganini
Moses-Fantasie (arr. von Cello Duello)
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Cello Duello
Jens Peter Maintz (Violoncello)
Wolfgang Emanuel Schmidt (Violoncello)

„Cello Duello“ – das klingt vielleicht nach Klamauk und bestimmt wird es auch humorvoll zugehen bei diesem Konzert. Doch das ist ganz sicher nicht alles. Die virtuosen Cellisten Jens Peter Maintz und Wolfgang Emanuel Schmidt werden Sie vor allem mit ihrer beeindruckenden Technik und musikalischen Ausdruckskraft begeistern. Jedes Stück des Programms bietet eine einzigartige Klangfarbe und zeigt die Vielseitigkeit des Cellos in verschiedenen musikalischen Stilen und Epochen. Es ist erstaunlich, was sich auf zwei Celli so alles darstellen lässt, insbesondere wenn die beiden Musiker sich die Stücke selbst bearbeiten.

Cello Duello existiert seit inzwischen fast 35 Jahren. Das Duo war bei allen bedeutenden Cellofestivals zu Gast und hat weltweit in bedeutenden Konzerthäusern konzertiert. Jens Peter Maintz und Wolfgang Emanuel Schmidt gründeten ihr Duo als Studenten von David Geringas an der Musikhochschule Lübeck. Ihre Bearbeitung der Moses-Fantasie von Niccolò Paganini über ein Thema von Gioacchino Rossini haben sie übrigens damals schon gespielt.

Passend dazu stehen beim Konzert in Ditzum noch weitere Rossini-Themen auf dem Programm, nämlich aus dessen Oper „Le Comte Ory“. Adrien-François Servais, ein belgischer Cellist, hat darüber eine Caprice geschrieben und dabei neben der Besetzung mit Cello und Klavier auch die mit zwei Celli vorgesehen. Ein Originalwerk für zwei Celli ist auch das Duo E-Dur op. 54/2 von Jacques Offenbach, der ebenfalls selbst ein Cellist war. Freuen Sie sich außerdem auf Werke von Joseph Haydn und Carl Maria von Weber, die für weitere Abwechslung im Programm sorgen.

Während des Zweiten Weltkrieges suchen viele deutsche Juden Zuflucht in der Ferne, auch in Finnland hoffen einige von ihnen auf einen Neuanfang. Durch Finnlands Bündnis mit Nazi-Deutschland droht die Situation jedoch zu eskalieren, als die jüdischen Flüchtlinge gewaltsam in deutsche Arbeitslager deportiert werden sollen. Abraham Stiller, ein angesehenes Mitglied der jüdischen Gemeinde in Finnland, kann nicht tatenlos zusehen. Der Unternehmer setzt alles daran, die geflüchteten Juden in seinen Produktionsstätten unterzubringen, um sie zu retten und gerät dabei immer mehr an seine eigenen Grenzen.
Basierend auf wahren Begebenheiten erzählt der finnische Regisseur Klaus Härö die ergreifende Geschichte von jüdischen Flüchtlingen, die während des Zweiten Weltkrieges in Finnland Schutz suchten – und von einem unerschütterlichen Helden, der alles riskierte, um ihr Leben zu retten. „Never Alone | Ei Koskaan Yksin“ ist ein kraftvoller Film über Courage, Widerstandskraft und Mut.

Die Juristin Frances Ward hat eine Mission: Vor der Westküste Kanadas will sie eine der ersten Seetang-Farmen aufbauen. Sie ist bereit, dafür alles aufzugeben, was sie sich in ihrem bisherigen Leben aufgebaut hat – auch wenn sie wenig Erfahrungen mit Meeresalgen hat. Damit ihr Plan überhaupt eine Chance hat, ist sie auf die Hilfe von Fachleuten aus Praxis, Unternehmen und Wissenschaft angewiesen, die das erstaunliche Potenzial dieses wundersamen Organismus kennen. Der Anbau im wilden Pazifik birgt jedoch eine Menge Herausforderungen und bis zur ersten Ernte ist es ein weiter Weg. Während Frances Schritt für Schritt ihr Ziel verfolgt, erkennt sie, wie die Algen nicht nur unseren Planeten, sondern auch sie selbst verändern können...
Der Dokumentarfilm „Send Kelp!“ begleitet die engagierte Protagonistin Frances bei ihrem Abenteuer: Mit beeindruckenden Unterwasseraufnahmen hält der Film einige Überraschungen bereit und zeigt, wie die Meeresalge zu einem Game-Changer für unsere Welt werden kann.

Janine hat beschlossen, mit ihrem asthmatischen Partner Berlin den Rücken zu kehren und in ihr altes Heimatdorf zu ziehen. Auf den leblosen Dorfstraßen weckt ihre queere Erscheinung vor allem Argwohn und Ablehnung – aber auch verborgene Sehnsüchte, wie beispielsweise bei Nachbar Peter, der mit seiner überforderten Mutter und seinem Bruder Enrico zusammenlebt. Zwischen Janine und Peter entspinnt sich ein sinnliches Spiel aus unbedarfter Übergriffigkeit und voll sexueller Energie – bis der eifersüchtige Bruder zu drastischen Mitteln greift, um Peter zurückzugewinnen.
„‚Janine zieht aufs Land‘ ist ein furchtloser, wüster Film, der begriffen hat, dass es wirklich nicht wichtig ist, von allen gemocht zu werden.“ (Andreas Köhnemann Kinozeit)

Durch einen Zufall treffen die junge Deutsche Melanie (Nora Tschirner) und der depressive Gangster Ray (Rob Knighton) in einer englischen Küstenstadt aufei-nander. Melanie stolpert ziellos durch ihr Leben, sie weiß nicht so recht, wohin mit sich. Sie ist ihrem Verlobten nach England gefolgt, der sie verlassen hat. Jetzt ist sie in einer fremden Stadt, ohne Geld, ohne richtigen Job und Freunde hat sie auch nicht. Ray war lange weg. Nach dem Tod seines Bruders ist sein Leben aus den Fugen geraten. Jetzt ist er für einen zwielichtigen Job zurück in seiner Heimatstadt. Als die beiden verlorenen Seelen aufeinandertreffen, entwickelt sich eine Freundschaft, die beiden Kraft gibt. Instinktiv spüren sie, dass dieser Moment der Wendepunkt in ihrem Leben bedeuten könnte...
„Everyone‘s Going To Die“ ist eine britische Indie-Komödie über zwei sympathische Einzelgänger, zwei Fremde, die durch ihre Freundschaft neuen Lebensmut schöpfen. Ein Film über das Nachhausekommen und die kraftvolle Erkenntnis, nicht allein auf der Welt zu sein.

Elektrikerin, Maschinistin, Obst-Expertin, Optimistin: Wilma ist eine Frau mit vielen Talenten, zahllosen Zertifikaten und palettenweise Enttäuschungen. Bis Ende der 90er-Jahre hat sie im Lausitzer Braunkohlerevier gelebt. Als aber ihr Mann mit einer anderen Frau splitterfasernackt Spaghetti kocht und ihr der Job im Baumarkt gekündigt wird, verlässt Wilma fluchtartig ihre Heimat Richtung Wien. Mit Mitte 40 muss sie hier quasi bei Null anfangen und landet schnell auf dem Handwerkerstrich. Bald schon repariert sie sich durch den Wiener Speckgürtel, landet in einer linken Bohemian-WG, wird Fachfrau für Reparaturen aller Art und sogar Lehrerin in einer Traditions-Tanzschule. Zwischen Walzer und Elektro-Installationen entdeckt Wilma ein Gefühl, das sie längst vergessen hatte: verliebt sein, glücklich sein, die aufgeregte Hoffnung auf etwas Neues. Hineingeworfen in die Unsicherheiten einer Zukunft, in der alles möglich ist, wird Wilma ein anderer Mensch.
„Wilma will mehr“ ist eine charmante, einfühlsam beobachtete und mit schrägem Humor erzählte Tragikomödie, die ebenso genau in der Wirklichkeitsdarstellung ist wie sie in ihrer hoffnungsvollen und berührenden Melancholie optimistisch bleibt.

Paris, 1963: Esther Pérez bringt ihr sechstes Kind zur Welt, den kleinen Roland. Er wird mit einer Fehlbildung am Fuß geboren. Die Ärzte sind sich sicher, dass Roland niemals richtig laufen wird. Doch Esther ist eine starke und sture Frau, die ihrem Kopf und vor allem ihrem Herzen folgt. Entgegen aller Ratschläge verspricht sie Roland, dass er an seinem ersten Schultag wie alle anderen Kinder auf eigenen Beinen in die Schule gehen wird. Und Esther ist eine Mutter, die wahre Wunder vollbringen kann. Alles setzt sie nun daran, ihr Versprechen zu halten und schleppt Roland vom Orthopäden zur Heilerin und wieder zurück. Mit unerschütterlichem Optimismus ist sie niemals um eine neue Strategie verlegen, die ihrem Sohn das Glück bescheren kann, auf eigenen Beinen zu stehen, selbst wenn der liebe Gott dabei eine Rolle spielen muss und ihre jüdische Großfamilie dazu verdammt ist, monatelang den heilsamen Klängen französischer Chansons zu lauschen.
„Mit Liebe und Chansons“ ist die unglaubliche, aber wahre und mit viel Humor erzählte Geschichte von der größten Liebe, die es geben kann: der Liebe einer Mutter zu ihrem Kind. Ken Scott gelingt eine großartige Familiensaga über die Hingabe und Kraft, die darin liegt, sich dem Schicksal gemeinsam zu stellen. Eine berührende und warmherzige Tragikomödie, die den Pfaden der Liebe folgt.

Liverpool 1961. Der junge Brian Epstein leitet das Familiengeschäft NEMS. Nachdem er von der lokalen Band The Beatles gehört hat, besucht er einen Auftritt im Cavern Club und ist beeindruckt von der Wirkung der vier jungen Musiker auf das Publikum. Obwohl er keine Erfahrung im Musikmanagement hat, bietet er der Band an, ihr Manager zu werden und hilft ihnen von nun an, ihr Image zu professionalisieren. Gleichzeitig kämpft er darum, einen Plattenvertrag für die Band zu sichern. Als es ihm nach diversen Rückschlägen schließlich gelingt, George Martin von Parlophone Records zu überzeugen, die Beatles unter Vertrag zu nehmen, nimmt die wohl größte Karriere der Musikgeschichte ihren Lauf…
„Midas Man“ erzählt die Geschichte von Brian Epstein, dem legendären Manager der Beatles, der oft als „fünfter Beatle“ bezeichnet wurde. Der Film beleuchtet Epsteins Aufstieg in der Musikindustrie, seine entscheidende Rolle beim Erfolg der Beatles sowie seine persönlichen Herausforderungen als jüdischer und homosexueller Mann im konservativen Großbritannien der 1960er Jahre.

Twente – das Zentrum der niederländischen Textilindustrie in den frühen 60er Jahren: Die junge Arbeiterin Johanna sieht sich mit den sozialen Bedingungen ihrer Zeit konfrontiert. Ihr Kampf um Gleichberechtigung und berufliche Weiterbildung fällt mit dem wirtschaftlichen Aufschwung und der Ankunft der ersten sogenannten „Gastarbeiter“ aus Italien zusammen. Die zunehmenden Spannungen zwischen den Bürgern von Twente und den neu hinzugekommenen Italienern führen 1961 zu Unruhen. Gemeinsam mit ihrem neuen Liebhaber Francesco findet sich Johanna im Zentrum eines Sturms wieder...
Vor dem Hintergrund des sogenannten „Spaghettikrieges“ von 1961 (Spaghetti Orloog) in der Region Twente entwirft Regiealtmeister Ben Sombogaart ein packendes zeitgeschichtliches Drama um Emanzipation und Gerechtigkeit.

Margy Kinmonths Dokumentarfilm beleuchtet die bahnbrechende Rolle von Künstlerinnen, die sich für die weibliche Perspektive auf Kriege und Konflikte auf der ganzen Welt durch ihre Kunst einsetzen. Mit ihren Werken richten sie einen anderen, weiblichen Blick auf das Geschehen und fragen: Wenn es um Leben und Tod geht, was sehen Frauen, was Männer nicht sehen?
Die Auseinandersetzung mit Kriegen in der Kunst war bisher eine eher männliche Domäne, die Sicht der Frauen wurde oftmals vernachlässigt – bis jetzt! Die Kultur bricht dieses Tabu, sie überschreitet Grenzen und entfesselt eine kraftvolle Wahrheit. In „War Point – Women at War“ werden zahlreiche Künstlerinnen vorgestellt, wie z.B. Shirin Neshat, Dame Rachel Whiteread, Zhanna Kadyrova, Maggi Hambling, Assil Diab, Dame Laura Knight, Marcelle Hanselaar, Cornelia Parker, Maya Lin, Lee Miller und viele andere. Die ausschließlich weiblichen Mitwirkenden machen diesen Film zu einem einzigartigen Unterfangen, das in turbulenten Zeiten wichtige Wahrheiten erzählt und neue Perspektiven eröffnet.