SO 25.04.2027 19.30 Uhr
Kultur- und Kongresszentrum
19 Uhr / Einführung Rainer Hepp

MARTIN FRÖST & Swedish Chamber Orchestra

LUDWIG VAN BEETHOVEN Coriolan-Ouvertüre
WOLFGANG AMADEUS MOZART Klarinettenkonzert A-Dur
LUDWIG VAN BEETHOVEN 8. Sinfonie F-Dur

MARTIN FRÖST Klarinette und Leitung & Artist in Residence

Der international erfolgreiche Klarinettist Martin Fröst und das Swedish Chamber Orchestra kommen mit einem Meisterkonzert nach Weingarten, das ganz im Zeichen der Klassik steht.
Zu den bedeutendsten Bläserkonzerten überhaupt zählt zweifellos das Klarinettenkonzert A-Dur von Wolfgang Amadeus Mozart. Es ist zugleich sein letztes Solokonzert und insofern ein würdiger Höhepunkt der Gattung. Mozart hegte eine besondere Vorliebe für die Klarinette. In diesem dreisätzigen Werk befinden sich alle Ansprüche an ein Solokonzert in perfekter Balance: Der Solist darf immer wieder brillieren und sein Instrument vorführen, ohne dass dies zum Selbstzweck verkommt.

Einen spannenden Kontrast dazu bildet die Sinfonie Nr. 8 F-Dur von Ludwig van Beethoven. Auf den ersten Blick scheint sie sich noch einmal der klassischen Tradition Mozarts anzunähern. Doch Beethovens Verhältnis zur Tradition ist ein reflektiertes: Er orientiert sich nicht einfach an ihr, sondern setzt sich kreativ mit ihr auseinander. Normverstöße, Parodieverfahren, Übertreibung und derbe Späße kennzeichnen dieses Werk. Charakteristisch für die Achte sind Witz, Komik und Humor auf vielen Ebenen. Also ein für Beethoven außergewöhnliches Werk, verbindet man mit ihm doch eher künstlerischen Ernst, wofür die Coriolan-Ouvertüre ein gutes Beispiel liefert.

Mit Martin Fröst und dem Swedish Chamber Orchestra ist ein Ensemble zu erleben, das mit genau diesem Repertoire weltweit große Erfolge feiert – und damit einen besonderen Höhepunkt im Konzertleben der Region setzt.


Foto: Mats Bäcker, Sony Music Entertainment

Eine Performance über Nachhaltigkeit, Klimawandel und selbstbestimmtes Handeln
Für Jugendliche ab 11 Jahren

Spiel: Marcela Ruiz Quintero und Daniel Mathéus
Leandro Kees, Idee und Regie

Produziert von performing:group und tanzhaus nrw

Wie viele Plastikbecher verbraucht man im Laufe eines Lebens? Zwei Darsteller gehen der Geschichte unserer merkwürdigen Evolution nach und wühlen sich durch die Komplexität des Themas „ökologische Intelligenz“. Auf ihrem Weg stoßen sie auf immer neue Fragen und einen stets wachsenden Müllberg.

Mit Hilfe von animierten Zeichnungen, Tanz und Klangcollagen wirft TRASHedy einen unverstellten, humorvollen Blick auf unsere Entscheidungsfreiheit und das eigene Konsumverhalten. Denn alles, was wir tun, hat eine Auswirkung. Irgendwo.

Ausgezeichnet mit dem Fachjurypreis und dem Jugendjury-Publikumspreis beim Westwind Festival 2013. Ausgewählt für das Augenblick mal! Festival 2015.

Dauer: 50 Minuten
Schulklassen: 4 € p. P. (mit Workshop: 8 € p. P.)
Empfehlung: Unter- und Mittelstufe

Mo., 26.04.2027, 10:15 – 11:15, Kiesel im k42
Der Workshop findet im Anschluss an die Vorstellung TRASHEDY (26.04., 09:00) statt.

performing:group, Leitung

Wie erzählt man ein Stück über Nachhaltigkeit und ökologische Verantwortung, das nachdenklich stimmt, aber einen dennoch nicht frustriert zurücklässt? Und darüber hinaus leicht zugänglich ist?
Im Workshop zum vorangegangenen Stück laden die Performer und Performerinnen des Ensembles dazu ein, sich mit Improvisation und Bewegung an das Thema ökologische Verantwortung heranzutasten. So wie es das künstlerische Ensemble selbst zu Beginn seiner Stückentwicklung getan hat!
Dabei können Schülerinnen und Schüler nicht nur erfahren, wie man sich künstlerisch ein Thema erarbeitet, sondern dürfen zudem ihre eigene Version des Stücks in einer choreografischen Sequenz entwickeln.

Der Workshop ist für bis zu 2 Klassen buchbar.

Dauer: 60 Minuten
Kosten: zusätzlich 4 € p. P. zum Eintritt, Begleitpersonen frei

Anmeldung bitte schriftlich über kuk@friedrichshafen.de

Programm:
Salomone Rossi, Sinfonia 11 „in Eco“ für Blockflöte,Violine und B.c.
Dario Castello, Sonata Quarta a 2 Soprani für Blockflöte, Violine und B.c.
Nicola Matteis, Fantasia a-Moll für Violine solo
Nicola Matteis, Diverse bizzarrie Sopra la Vecchia Sarabanda o pur Ciaccona für Blockflöte und B.c.
Georg Philipp Telemann, Triosonate a-Moll TWV 42:a4 aus „Essercizii Musici“ für Blockflöte, Violine und B.c.
Heinrich Ignaz Franz Biber, Passacaglia g-Moll für Violine solo
Luciano Berio, „Gesti“ für Blockflöte solo
György Ligeti, Continuum (1968) für Cembalo solo
Henry Purcell, Ground für Blockflöte, Violine und B.c.
Georg Philipp Telemann, Sonatine a-Moll TWV 41:a4 für Blockflöte und B.c.
Luciano Berio, Sequenza VIII per Violino solo
Johann Sebastian Bach, Triosonate G-Dur BWV 1038 für Flöte, Violine und B.c.
Antonio Soler, Fandango für Cembalo solo
Antonio Vivaldi, La Follia RV 63 für Blockflöte, Violine und B.c.

Mit dem Programm „Repeat it“ lädt das Trio Dorothee Oberlinger (Blockflöte), Franziska Hölscher (Violine | Artist in Residence) und Florian Birsak (Cembalo) zu einer faszinierenden musikalischen Reise ein: von der italienischen und deutschen Barockmusik bis zur Avantgarde des 20. Jahrhunderts.
Im Zentrum stehen Formen, die mit Wiederholung, Variation und Echo spielen. Werke von Salomone Rossi und Dario Castello eröffnen den Abend mit klangvollen barocken Dialogen, während die „bizzarrie“ von Nicola Matteis mit überraschenden Wendungen aufhorchen lassen. Telemanns kunstvolle Triosonaten sowie Purcells charakteristische Grounds führen das Spiel mit Wiederholungsformen weiter. Solistische Höhepunkte setzen Biber mit virtuoser barocker Expressivität, Ligeti mit motorischem Klangrausch und Berio mit radikaler klanglicher Forschung. Den funkelnden Schlusspunkt bildet Vivaldis „La Follia“ – ein Meisterwerk barocker Variationskunst.

So entsteht ein Programm voller Energie, Kontraste und Überraschungen, in dem Alte Musik und Moderne in einen lebendigen Dialog treten. Drei herausragende Solisten machen hörbar, wie Komponisten über Jahrhunderte hinweg immer wieder neue Inspiration in der Wiederholung gefunden haben – mal verspielt, mal virtuos, mal forsch.

Eine Veranstaltung im Rahmen des 39. Bodenseefestivals.

Im Konzerteintritt ist der Eintritt der Ausstellung „Volldampf! Die Schwäbische Eisenbahn in der Kunst“ am Veranstaltungstag von 17.30 Uhr bis 18.45 Uhr inbegriffen.

Einlass: 18:45 Uhr

Virginie Brunelle, Choreografie
DANCERS | Sophie Breton, Yelda del Carmen, Sabrina Dupuis, Milan Panet-Gigon, Lou-Anne Rousseau, Yoherlandy Tejeiro Garcia, Émile de Vasconcelos-Taillefer
MUSICIANS* | Molinari Quartet - In residence at the Conservatoire de musique de Montréal - Olga Ranzenhofer / violin, Antoine Bareil / violin, Lyne Allard / viola, Pierre-Alain Bouvrette / cello
Molinari Quartet: Musik von Philip Glass, Henryk Górecki, Max Richter, Samuel Barber & Dmitri Schostakowitsch

Was bleibt von Nähe, wenn sie brüchig wird? „Les corps avalés“ stellt sich dieser Frage – nicht theoretisch, sondern körperlich. Sieben Tänzerinnen und Tänzer geraten in Situationen, die kippen: Umarmungen werden hart, Begegnungen prallen ab, Nähe schlägt in Distanz um. Und doch ist da immer wieder der Versuch, Verbindung herzustellen. Denn was wären wir Menschen ohne sie?
Die kanadische Choreografin Virginie Brunelle beklagt in dieser Choreografie den Verlust von Bindung und Empathie in der Gesellschaft. „Die Menschheit wird zerbrechlich“, sagt sie und zeigt in ihrer nuancierten Sprache aus Rhythmus, Blicken, Gesten und Atmung die Dynamik der Macht – im Privaten, wie in der Gesellschaft. Getragen wird das Stück von live gespielter Musik des Molinari Quartett. Die Musik erfüllt hier nicht nur eine begleitende Funktion. Vielmehr greift sie in die Bewegung ein und treibt sie voran.
Für Virginie Brunelle wohnt in aller klassischen Musik eine dramatische Spannung; zehn Jahre lang lernte die Choreografin Geige, bis die Musik gewissermaßen auf ihren Körper überging und sie Tanz studierte. Nun fragt sie zu Streicher-Musik wie unsere Körper mittels Tanz der sich ausbreitenden Gleichgültigkeit mit Werten wie Solidarität oder Liebe entgegentreten können.

Dauer: 65 Minuten ohne Pause
Karten: 76 / 64 / 50 / 34 €
Abonnement: Ballett

Diese Veranstaltung findet im Rahmen des Bodenseefestivals statt.

Johann Strauss

Operette in drei Akten
Libretto: Richard Genée
Übersetzung: Kurt Honolka
Spieldauer: 140 Min. inklusive Pause

+In deutscher Sprache · Mit Übertiteln in deutscher und englischer Sprache.

PRODUKTIONSTEAM
Puppenbau: Bernhard Leismüller
Puppenköpfe: Sebastian Demmel
Kostümschneiderei: Bernhard Leismüller & Katrin Keuthmann
Bühnenbild: Hans Wünsch
Regie, Dramaturgie: Bernhard Leismüller

INSZENIERUNG
Wie bei allen Inszenierungen der Marionettenoper wurde auch bei der "Fledermaus" größter Wert auf die Umsetzung von Musik in choreographierte Bewegung gelegt. Man kann vielleicht sogar sagen, dass dieses Prinzip hier auf die Spitze getrieben wurde. Wann eine Figur sich setzt, wieder aufsteht, einen Schritt macht, wird durch die Musik bestimmt. Otto Schenk, der die Fledermaus auf der ganzen Welt inszeniert hat und wahrscheinlich einer der größten Kenner dieses musikalischen Geniestreiches ist, sagte: "Keine Note ist zufällig." Und dies gilt nicht nur für Strauss. Bei allen großen Opernkomponisten kann man diesen Zusammenhang entdecken.

BÜHNENGESCHICHTE
Die "Fledermaus" entstand zwischen September 1873 und März 1874. Das Libretto schrieb Richard Genée nach einem Bühnenstück des überaus erfolgreichen Autorenduos Henri Meilhac und Ludovic Halévy, die zwei Jahre zuvor die Vorlage für "Carmen", die bis heute meistgespielte Oper der Welt, schufen. Genée lieferte übrigens nicht nur die Textvorlage. Er hat auch an der musikalischen Umsetzung großen Anteil. Nach neuesten Forschungsergebnissen stammt sogar der größte Teil des Notenmaterials aus seiner Feder. An den Tantiemen, welche "Die Fledermaus" einspielte, war er ungerechterweise nicht beteiligt. "Die Fledermaus" gilt als die Königin der Operette und eroberte sich nach der Wiener Uraufführung die Welt. Sie gehört zu den wenigen Operetten, die auch an den bedeutenden Opernhäusern wie der Metropolian Opera, der Mailänder Scala, der Wiener Staatsoper und auch am Royal Opera House Convent Garden in London regelmäßig gespielt werden.

Zwei der bedeutendsten Bands des europäischen Power Metal vereinen ihre Kräfte für ein außergewöhnliches Live-Erlebnis: SONATA ARCTICA und RAGE gehen im April und Mai 2027 gemeinsam auf die CO-HEADLINER TOUR durch Europa.

Die Tour steht ganz im Zeichen großer Melodien, kraftvoller Riffs und monumentaler Orchesterarrangements. Für SONATA ARCTICA markiert sie einen besonderen Meilenstein:

Die finnischen Power-Metal-Pioniere werden erstmals auf einer kompletten Tour von einem Orchester begleitet. Songs wie „FullMoon“, „Replica“ und „Tallulah“ erhalten dadurch eine völlig neue, epische Dimension und unterstreichen die melodische Stärke der Band.

RAGE hingegen werden erneut gemeinsam mit ihrem LINGUA MORTIS ORCHESTRA auftreten.

Gleichzeitig feiern die deutschen Metal-Veteranen das 30-jährige Jubiläum ihres Albums XIII und Lingua Mortis, welche bis heute zu den wichtigsten Veröffentlichungen ihrer Karriere zählen. Fans dürfen sich unter anderem auf Klassiker wie „Alive But Dead“, „From The Cradle To The Grave“ und „Days Of December“ freuen.

Mit ihrer Kombination aus langjähriger Metal-Tradition, symphonischer Klanggewalt und unvergesslichen Hymnen verspricht die CO-HEADLINER TOUR 2027 ein Konzerterlebnis, das Fans beider Bands und Liebhaber orchestraler Metal-Produktionen gleichermaßen begeistern wird.

Einlass: 18:00 Uhr

Das Leichte ist am schwersten – Geige, Steirische Harmonika, Gitarre und Tuba – vier
virtuose Musiker weben ein dynamisches, kammermusikalisches Geflecht, das in einer
Eleganz und Leichtigkeit aufblüht, die man im Zusammenhang mit Volksmusik so nicht
erwartet hätte.


In den Improvisationen schimmert der Jazz, im makellosen Zusammenspiel die klassische
Schulung und in den mannigfaltigen Anklängen der weite Horizont von vier Weltbürgern, die
gleichzeitig ganz natürlich in ihrer Heimat verwurzelt sind. Diese Musik verweigert sich jeder
einfachen Zuordnung und stiftet eine beglückende Hörverwirrung.

Maxjosephs Musik ist nicht nur eine Synthese von E- und U-Musik, von alt und neu, von
Volksmusik und Klassik – sie ist eine Einladung in einen Dialog, in dem Grenzen
verschwimmen und dennoch bleibt man stets geerdet, verwurzelt in der Heimat.

„Lagom“ heißt das neue Album und Programm von Maxjoseph – Musik, die Tradition und
Gegenwart mit feinem Gespür für Balance verbindet. Inspiriert vom schwedischen Begriff für
das genau richtige Maß entsteht ein unverwechselbarer Klang zwischen Festhalten und
Loslassen: leichtfüßig, elegant und voller Charakter. Jazzige Offenheit, klassische Präzision
und ein weiter musikalischer Horizont verbinden sich mit tiefer Verwurzelung in der Heimat
zu einer zeitgenössischen Volksmusik jenseits aller Schubladen.

Maxjoseph sind:
Georg Unterholzner - Gitarre
Andreas Winkler - Steirische Harmonika
Nathanael Turban - Geige
Florian Mayrhofer - Tuba

BIld: Jessica Elsner

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Einlass und Öffnung der Abendkasse ab 19 Uhr. Abendkassenpreis: 24€

Einlass ab 19 Uhr. Verkaufte Karten können nicht zurückgenommen werden.

Mit beeindruckender Virtuosität, klanglicher Feinfühligkeit und großer musikalischer Gestaltungskraft führt die Pianistin Olga Scheps in die emotionalen Tiefen und schwindelerregenden Höhen der Romantik. Robert Schumanns Sonate Nr. 1 in fis-Moll und der temperamentvolle „Faschingsschwank aus Wien“ treffen auf Franz Schuberts poetische Impromptus und die virtuose „Wanderer-Fantasie“. Zwischen inniger Versenkung, tänzerischem Übermut und pianistischer Brillanz entsteht ein Konzertabend voller Kontraste – und ein musikalischer Höhenflug, der tief berührt.

Eine Veranstaltung im Rahmen des Bodenseefestivals 2027.

R. Schumann Sonate Nr. 1 fis-moll op. 11
Faschingsschwank aus Wien op. 26

Schubert Impromptus op. 142 Nr. 1 & Nr. 2
Wanderer-Fantasie C-Dur op. 15 D 760


Im Konzerteintritt ist der Eintritt der Ausstellung „Volldampf! Die Schwäbische Eisenbahn in der Kunst“ am Veranstaltungstag von 14.00 Uhr bis 18.45 Uhr inbegriffen.

Einlass: 18:45 Uhr

Pink Floyd – Giganten des Progressive- und Art-Rock, Architekten gewaltiger magischer
Klanggebäude mit einzigartiger musikalischer Ästhetik, Zeremonienmeister bombastischer Live-
Shows - ein Monolith im Strom der Rockgeschichte, stilprägend für Generationen von Musikern
und Bands. Pink Floyd sind eine der größten Bands aller Zeiten und haben längst ihren Platz im
Rock-Olymp.
Die Geschichte der Originale ist allerdings mit dem letzten Album "The Endless River" von 2014
auserzählt. Es war der würdige Abschluss eines gigantischen musikalischen Gesamtwerks, welches ein
Erbe für Generationen darstellt.
Die Pink Floyd-Tributeband echoes trägt dieses legendäre Erbe weiter. Ab 2024 zudem in einer neuen,
frischen Besetzung - der inzwischen vierten seit der Bandgründung 1993. Für Konstanz und höchstes
Niveau garantieren weiterhin die beiden Bandgründer Paul Ahrens und Steffen Maier, die das Pink Floyd
Tribute-Flaggschiff echoes seit inzwischen drei Jahrzehnten (!) und über 500 Konzerten in zwölf Ländern
erfolgreich auf Kurs halten. Europaweit einzigartig.
Besonders spannend: Für den Gitarrenpart von David Gilmour konnte man keinen Geringeren als den
deutschen Ausnahme-Gitarristen Dennis Hormes gewinnen. Fans von echoes durften in den letzten
Jahren schon Kostproben seines fantastischen Könnens erleben, wenn er als Gastmusiker bei echoes
dabei war. Es ist absolut faszinierend, wie er sich das Werk von David Gilmour auf neue und höchst
virtuose Art zu eigen macht - ab sofort allerdings nicht mehr als Gast, sondern als neues Zentralgestirn in
den floydianischen Klangwelten von echoes. Dabei bringt Dennis Hormes Fähigkeiten mit ein, die Pink
Floyd ursprünglich ausgezeichnet haben und am Ende vielleicht etwas verloren gegangen bzw. zu kurz
gekommen sind: Einen offenen Geist, Kreativität und Improvisationsfreude - ohne dabei Komplexität,
Erhabenheit und Geist von Pink Floyd zu vernachlässigen.
echoes nehmen ihr Publikum mit auf eine höchst emotionale Reise zur dunklen Seite des Mondes, von
"Ummagumma" über "Meddle", "Dark Side of the Moon", "Wish You Were Here", "Animals" und "The
Wall", bis hin zur Post-Waters-Ära. Neben einem umfassenden "Best of Pink Floyd" kommen dabei auch
so manche fast schon in Vergessenheit geratene Werke wieder zu Gehör.
Und dennoch ist ein echoes-Konzert kein Nostalgie-Trip. Vielmehr zeigt die Band mit immenser
Spielfreude, Liebe zum Detail, druckvollem Sound und viel Respekt vor dem Original, dass die
komplexen Pink Floyd-Epen heute noch genauso faszinierend und aktuell sind wie zur Zeit ihrer
Entstehung - zeitlos eben.
echoes präsentieren ein eigens für sie entworfenes, knapp dreistündiges Spektakel, das auch dem
audiovisuellen Aspekt der gigantischen Konzerte von Pink Floyd gerecht wird. Perfekter, druckvoller und
transparenter Livesound, eine aufwändige Lightshow mit zahlreichen intelligenten Scheinwerfern,
computergesteuerte Videoprojektionen und zahlreiche weitere Elemente der Original-Shows von Pink
Floyd unterstützen die epische Musik und garantieren ein absolut außergewöhnliches und einzigartiges
Live-Erlebnis.
Die Presse-Echo(e)s fielen in den letzten Jahren dementsprechend aus: "Es ist ein Spektakel" schreibt
die Süddeutsche Zeitung. Ein "Monumentales Konzert" bescheinigt der Hanauer Anzeiger, "Einfach zu
schön" findet es die WAZ und sogar "Fast unheimlich" die Allgäuer Zeitung. "Echoes bewiesen, dass sie
auserwählt sind" bilanziert die GNZ, das Main Echo feiert "Die Kopie als Gesamtkunstwerk". Und
geradezu euphorisch fällt das Fazit der Rheinpfalz aus: "Das kann man kaum besser machen. Echoes
haben alle Erwartungen erfüllt und zollten ihren Helden einen Tribut, der nicht abwechslungsreicher,
wagemutiger und perfekter hätte sein können."
Ein Anspruch, den auch die neue Besetzung von echoes erfüllen wird. Das Publikum darf sich also auf
ein - im wahrsten Sinne des Wortes - stimmungsvolles und spektakuläres Konzertereignis in
floydianischer Atmosphäre freuen!

Einlass ab 19:00

Wolfgang Amadeus Mozart

Singspiel in drei Aufzügen | KV 384
Libretto: Christoph Friedrich Bretzner
Spieldauer: 120 Min. inklusive Pause

+In deutscher Sprache · Mit Übertiteln in deutscher und englischer Sprache.

PRODUKTIONSTEAM
Puppenbau: Bernhard Leismüller
Puppenköpfe: Sebastian Demmel
Kostümschneiderei: Bernhard Leismüller
Bühnenbild: Bettina Hummitzsch
Regie, Dramaturgie: Bernhard Leismüller

INSZENIERUNG
"Die Entführung" ist ein Plädoyer für Mut, Toleranz und Vergebung. Vor einer exotischen Kulisse im Spannungsfeld zweier gänzlich verschiedener Kulturen entwirft Mozart eine historische Utopie: Die Versöhnung. "Nichts ist so hässlich wie die Rache!" Vor dem Hintergrund rassischer und religiöser Konflikte, die noch immer für Blutvergiessen sorgen, ist "Die Entführung aus dem Serail" ein hochaktueller Stoff.

BÜHNENGESCHICHTE
Die Uraufführung fand am 16. Juli 1782 am Wiener Burgtheater statt und wurde zu einem großen Erfolg. Danach trat die Oper schon bald ihren Siegeszug durch die deutschen Theater an: 1783 fanden Aufführungen in Prag, Leipzig und Bonn sowie 1784 in München, Salzburg, Mannheim und Frankfurt am Main statt. Bei der Weimarer Erstaufführung am 4. April 1785 ist auch Johann Wolfgang von Goethe anwesend, der sich zu dem Ereignis mit dem Worten äußert: "All unser Bemühen, um im Einfachen und Beschränkten abzuschließen, ging verloren, als Mozart auftrat. ´Die Entführung aus dem Serail´ schlug alles nieder." Seither ist die Oper von den Bühnen der Welt nicht mehr wegzudenken.

Ein mutiger Junge, ein kleiner, schlauer Vogel, eine quakende Ente und ein hungriger Wolf: In diesem Kinder- und Familienkonzert erwacht ein echter Klassiker für kleine Ohren zu neuem Leben. Flötist Matthias Lyding und Ensemble bringen erstmals Sergej Prokofjews musikalisches Märchen „Peter und der Wolf“ aus dem Jahr 1936 in einer kammermusikalischen Bearbeitung für Holzbläserquintett auf die Bühne. Bevor jedoch die Querflöte, die Oboe, die Klarinette, das Fagott und das Waldhorn mit farbenreichem Klang und feinem Humor in die Rollen der Tiere schlüpfen und von Peters Abenteuer im Garten erzählen, werden sie gebührend vorgestellt.
Erleben Sie, wie Musik Figuren formt: das flinke Zwitschern des Vogels, die vorsichtige Ente, die stolze Katze, der grummelnde Großvater – und natürlich der furchteinflößende Wolf. Nähe, Witz und Spannung machen dieses Konzerterlebnis zu einem Vergnügen für die ganze Familie.
Für Kinder ab 5 Jahren geeignet.

Einlass 14:30 Uhr. Barrierefrei. Parkplätze in der Nähe

Ein sagenhaftes Puppenspiel für Kinder ab 4 Jahren

Nicht weit von hier, versteckt in den Bergen der Schwäbischen Alb beim Drackensteiner Hang, lebte einmal die Drachendame Anna. Viele Jahre verbrachte sie alleine in ihrer Höhle und webte geheimnisvolle Schicksalsstoffe, bis sich eines Tages Prinzessin Amira zu ihr verirrt. Amira ist von Zuhause weggelaufen, denn ihr Vater, der König, will sie einfach so mit irgendeinem Prinzen verheiraten! Aber Amira möchte selbst über ihr Leben bestimmen. „Keine Angst!“, verspricht Drachendame Anna. Sie bringt Amira bei, wie man Drachenschwerter schwingt und magische Schicksalsstoffe webt. Dann taucht auch noch Anton auf, ein pfiffiger Schneider. Er schneidert für sein Leben gern Bälle und ist wie Amira auf der Suche nach seinem ganz eigenen Weg. Amira fasst den Mut, der abenteuerlichen Welt zu begegnen, die da draußen auf sie wartet…

Puppenspielerin und Regisseurin Alice Therese Gottschalk begibt sich auf die abenteuerlichen Spuren der schwäbischen Sage und erweckt die verborgene Welt der Drachen und Prinzessinnen wieder zum Leben. Eine mutig-märchenhafte Theaterreise für Groß und Klein!

Eine Veranstaltung im Rahmen des 39. Bodenseefestivals.

Im Puppenspieleintritt ist der Eintritt der Ausstellung „Volldampf! Die Schwäbische Eisenbahn in der Kunst“ am Veranstaltungstag von 11.00 Uhr bis 18.00 Uhr inbegriffen.

Schloss Achberg | Rittersaal, freie Platzwahl.
Kinder bis einschließlich 3 Jahre haben freien Eintritt.

Einlass: 14:30 Uhr

SOL GABETTA & Kammerorchester Basel

ANTON KRAFT Konzert für Violoncello Nr. 2 C-Dur op. 4
JOSEPH HAYDN Sinfonien Nr. 14 A-Dur, Nr. 88 G-Dur & Nr. 89 F-Dur

Sol Gabetta Violoncello
Giovanni Antonini Leitung

Wenn die argentinisch-schweizerische Cellistin Sol Gabetta auf das traditionsreiche Kammerorchester Basel trifft und Giovanni Antonini am Pult steht, verspricht das Programm einen Abend voller Energie, Eleganz und Entdeckungsfreude.

Im Zentrum steht ein Werk, das lange im Schatten der großen Klassiker stand: das virtuose Cellokonzert von Anton Kraft, das die Möglichkeiten seines Instruments mit brillanter Fantasie auslotet. Gegen Ende des 18. Jahrhunderts genoss Kraft den Ruf, zu den besten Cellisten Wiens und auch darüber hinaus zu gehören. Er war Mitglied der berühmten Esterházy-Kapelle und erhielt Kompositionsunterricht bei Joseph Haydn. Für Sol Gabetta, deren Spiel für Wärme, technische Brillanz und expressive Intensität steht, ist dieses Werk wie geschaffen. Hier kann ihr Instrument singen, glänzen und erzählen.

Den Rahmen bilden drei Sinfonien von Joseph Haydn. Die frühe, elegante Nr. 14 mit ihrer klassischen Form, die Nr. 88, eine der beliebtesten Haydn-Sinfonien, bekannt vor allem für ihren langsamen Satz sowie die schwungvolle und rhythmisch prägnante Nr. 89.

Unter der Leitung von Giovanni Antonini, der für seine historisch informierten, temperamentvollen Interpretationen bekannt ist, entfalten diese Werke ihre ganze Frische. Gemeinsam mit dem Kammerorchester Basel entsteht so ein Programm, das den Geist der Wiener Klassik lebendig werden lässt – voller Witz, Virtuosität und jener ansteckenden Spielfreude, die diese Musik seit Jahrhunderten unvergänglich macht.

KONZERTPATENSCHAFTDR. JÖRG THOME
Foto: Julia Wesely

Eine fesselnde Kombination aus Witz, Illusion und nonverbaler Kunst erobert die Bühne. Wenn der bekannte Magier Marco Miele und sein pantomimischer Partner Pablo aufeinandertreffen, verschmelzen zwei Welten zu einem Abend voller Wunder und unerklärlicher Phänomene.

Während Marco Miele das Publikum mit meisterhaften Illusionen in Erstaunen versetzt, sorgt der eifrige Pantomime Pablo mit kreativen Einmischungen für komödiantische Turbulenzen, die selbst die Geduld des Magiers auf eine harte Probe stellen. Aus diesem charmanten Konflikt entsteht eine Eigendynamik, die für permanente Überraschungen sorgt – ein Konzept, das bereits die Ehrlich Brothers zu dem Urteil „Wahnsinn!“ hingerissen hat.

Das Publikum erwartet ein mitreißendes und humorvolles Spektakel, das den klassischen Zauber der Magie völlig neu definiert.

Mit Bewirtung vor der Veranstaltung und in der Pause.

Einlass ab 18.30 Uhr, freie Platzwahl! Bereits gekaufte Tickets werden nicht zurückgenommen.