Sänger der Revolte, Schauspieler, Politrocker, Stimme einer Generation, Romantiker, Gründervater der deutschen Popmusik, Muse, Trinker, bester Rocksänger der Republik – das alles (und noch viel mehr) war Rio Reiser und doch auch wieder nicht. Einer, der nie seiner Rolle, aber immer sich selbst treu geblieben ist. Ein Künstler mit dem unbedingten Drang zur Bühne, der dort lebte und starb, um immer wieder aufzuerstehen.

Der Leipziger Schauspieler und Musiker Peter Schneider nähert sich auf seine Art einem seiner großen Vorbilder und transformiert dessen Poesie in eine szenische Nachtgestalt voller Schmerz, Herz und Liebe zur Musik.

Mit: Peter Schneider, Julia Zabolitzki & Band
Regie: Uwe Bautz
Musikalische Leitung: Peter Schneider
Ausstattung: Hildegard Altmeyer

FOTO: foto charlotte 25

Was ist Fakt und was ist Fake? Laut "Bild" wurde jetzt eine KI
im Fitnessstudio gesehen, sie trainierte ihre Algorithmen.
Was versteht man unter "Gelegenheitsverkehr"? Hat es mit Sex
zu tun, oder mit Taxis und Mietwagen? Fragen über Fragen
denen sich BELLA LIERE und ANDREAS ZIEGER in ihrem neuen
Programm des Potsdamer Kabaretts stellen. Und sie kommen
zu folgender Erkenntnis: Würden Fakes, Halbwahrheiten und
Politikerlügen leuchten, wäre die Erde heller als die Sonne.
Positiv gesehen, wäre damit das Energieproblem gelöst!
Kommen Sie und denken Sie mit, in der Zweier WG von
Liere und Zieger ist auch noch ein Platz für Sie frei!

Musik und Liebe können die Welt heilen. So die Botschaft der unsterblichen „Zauberflöte“. Eine kleine Varieté-Theatertruppe hat nun den verwegenen Plan, dieses Meisterwerk auf ihre Bühne zu bringen: mit wenig Geld und Personal, dafür aber mit viel Fantasie, Spielwitz und Musikalität.
So befreit das Ensemble die etwas angestaubten Opernfiguren anarchisch-frech von falschem Pathos – und es begegnen uns Menschen mit heutigen Sehnsüchten und Nöten: der gutmütige, rührselig verpeilte Prinz Tamino und sein impulsgesteuerter Vogelfänger-Freund Papageno. Die leidenschaftlich liebende und zugleich gefühlsverwirrte Pamina. Der männlich-eitle Fürst Sarastro und die in ihrem Herzen gekränkte Königin der Nacht, die ihre Machtkämpfe auf dem Rücken der jungen Generation austragen. Diese innerlich einsamen und von Sehnsucht getriebenen Figuren sind in einer mysteriös-bedrohlichen Außenwelt auf der Suche nach Kräften des Guten. Getragen von herzbewegender Musik bewältigen sie den Balanceakt zwischen Komik und Tragik spielend.

Dem 2024 am Wiener Burgtheater entstandenen Stück gelingt das Wunder, die berühmte Mozart Oper mit Witz, Esprit und Gegenwart aufzuladen – und gleichzeitig ihre Magie zu bewahren. Die klassischen Melodien werden neu arrangiert und treten in einen überraschenden Dialog mit Popklassikern unserer Zeit. Mozart und Schikaneder hätten sich vergnügt im Grabe mitgedreht.

Regie: Yvonne Kespohl
Musikalische Leitung: Fabian Kuss
Bühne & Kostüme: Mariam Haas, Lydia Huller

The Hamburg Blues Band feat. Krissy Matthews. Über 40 Jahre St. Pauli Blues! Im Rahmen ihrer "40th Anniversary VOL. II"-Tour" präsentiert die Hamburg Blues Band mit dem Hamburger Rockshouter Gert Lange, Reggie Worthy (Ike & Tina Turner, Eric Burdon), Drummer Eddie Filipp (Sweet, Inga Rumpf, Clem Clempson Band) und dem 33-jährigen Ausnahmegitarristen Krissy Matthews "This guy is the real deal" (Beth Hart), Songs aus über 4 Jahrzehnten HBB & des britischen Gitarren Shooting Stars. Ein musikalisches Feuerwerk mit Freunden, Weggefährten, echten Typen & Originals.

Sie könnten unterschiedlicher kaum sein - Ann und Sara, zwei mitten im Leben stehende Frauen, die sich beim Aerobic kennenlernen. Ann, eine hochspezialisierte Augenärztin und alleinstehende Mutter, begegnet der Welt zurückhaltend und rational. Sara hingegen ist zupackend und tritt in ihrer Freizeit als Performerin in der Kneipe Heartship auf. Was Ann brennend interessiert, beschert Sara Alpträume.
Wogegen Sara in ihrer feministischen Show ankämpft, das kompensiert Ann schmerzvoll am eigenen Körper. Beide verbindet aber der Versuch, auf gesellschaftlichen Druck und herrschende Strukturen zu reagieren. Dabei ist Saras kompromisslose Kampfansage an das Patriarchat ansteckend und ermutigt Ann, sich gegen persönliche Gewalterfahrungen zu wehren und ihrer tiefsitzenden Wut Raum zu geben. Zwischen ihnen entsteht eine Beziehung voller Lebenshunger und Zärtlichkeit. Es ist mehr als „Friendship“, sie nennen es „Heartship“. Auf diesem segeln sie schließlich, befeuert von einer neuen Kraft, ihren mächtigen Feinden entgegen und dem Patriarchat einfach davon.

Die Autorin Caren Jeß, 1985 in Eckernförde geboren, erhielt verschiedene Auszeichnungen für ihre seit 2017 entstandenen Theatertexte. Ihr neuestes Stück, das zornige, sensible und humorvolle „Heartship“, wurde im Januar 2025 am Schauspielhaus Zürich uraufgeführt. Lilli-Hannah Hoepner bringt es mit zwei Schauspielerinnen und einem Live-Musiker auf die Bühne.

Regie: Lilli-Hannah Hoepner
Bühne & Kostüme: Dorien Thomsen
Musik: Atheer Adel

Puppentheater nach dem Roman von Michael Köhlmeier

Was wäre, wenn eine Hauskatze, die bei den intimsten Gesprächen der Menschen anwesend ist, die menschliche Sprache verstehen könnte? Die Katze Matou streift in ihren sieben Katzenleben durch mehrere Jahrhunderte der Weltgeschichte und betrachtet die Menschen aus tierischer Perspektive. Sie begegnet Prominenten wie Andy Warhol oder E. T. A. Hoffmann, kommentiert das menschliche Treiben mit messerscharfem Witz und betrachtet salopp die großen Fragen der Menschheit. Kritisch, aber auch lässig amüsiert ist dabei ihr Blick auf das Menschentum. Obwohl sie verstehen will, was ein Mensch ist, will sie auf gar keinen Fall einer sein – ein philosophischer Abend über das Menschsein aus Sicht einer Katze.

Pierre Schäfer hat das Theater Handgemenge nach seinem Studium an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch Berlin 1990 mitgegründet. Mit dem Puppenspieler, Autor und Regisseur Jochen Menzel als auch mit der Puppenspielerin Veronika Thieme verbindet ihn eine langjährige Zusammenarbeit. Anna Menzel arbeitet seit 2017 als freiberufliche Puppenspielerin. Die Inszenierung wurde von Veronika Thieme, Anna Menzel und Pierre Schäfer gemeinsam mit dem Regisseur Jochen Menzel entwickelt.


Foto Mechtild Nienaber

Ein überraschend anderes Theaterstück für zwei Schauspielende auf der Bühne und ein aufgeschlossenes Publikum. Berührend und gleichermaßen mit wunderbarem Humor lässt die israelische Autorin Alltagssituationen einer im Grunde ganz normalen Familie ablaufen. In Israel ist das Stück ein Publikumshit. Das Ehepaar David und Neta hat zwei Kinder, von denen eines gewisse Auffälligkeiten zeigt. Vater David ist erfolgreicher Kinderbuchautor, Mutter Neta arbeitet als Ernährungsberaterin. Und bei Itamar, dem Sohn, wurde eine autistische Störung diagnostiziert. Natürlich ist das für die ganze Familie immer wieder eine Überforderung.

Der Einlass beginnt 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn.

Die Tänzerin und Schauspielerin Claudia Marsicano ist eine unverwechselbare Erscheinung: Mit starker Präsenz und liebevoller Selbstironie präsentiert sie in R. OSA eine „One-Woman-Show“ voller Mut und Offenheit. Die Bühne wird zu einem Ort, an dem Verletzlichkeit und Stärke nebeneinander bestehen und der Körper als Quelle von Ausdruck, Würde und Freiheit gefeiert wird.

Mit Stolz und hohem körperlichem Einsatz zieht Marsicano mit 10 „virtuosen“ Übungen das Publikum in ihren Bann – und spielt mit Erwartungen und Schönheitsbildern, mit Scheitern und Triumph. Mit Humor, Zärtlichkeit und Widerstand lädt Silvia Gribaudi dazu ein, das Gewicht von Normen loszulassen und neue Formen von Leichtigkeit zu entdecken. Seit der Entstehung 2017 wurde R. OSA europaweit mehr als 200-mal aufgeführt und zählt zu den erfolgreichsten Stücken der italienischen Choreografin.

Ausgezeichnet mit Premio UBU 2017 als beste Darstellerin unter 35 / Finalist beim Premio UBU 2017 für die beste Tanzperformance.

Ein Stück für die ganzen Familie ab 11 Jahren. Mit einfachen englischen Sprachanteilen.


Mit Global Bodies öffnet die fabrik Potsdam ihre Türen für Perspektiven und Ausdrucksformen des Tanzes aus aller Welt. Pulsierende Rhythmen, politische Choreografien oder poetische Bilder zeigen Tanz als universelle Sprache, die verbindet und aktuelle Fragen verhandelt.

Weitere Veranstaltungen der Reihe Global Bodies: Troglodyte – Zaungast/Zaunkönig / ZOO Thomas Hauert (Brüssel) am 11. Apr 2026

Four Imaginary Boys – Deutschlands gefragteste sowie Europas meistgebuchte The Cure Tribute Band - besteht aus vier Herzblutmusikern, die sich seit 2006 leidenschaftlich dem Gesamtwerk von The Cure widmen und dem Geist der legendären Wave-Götter huldigen.

Spricht man von The Cure, denkt man an die unverwechselbare und unnachahmliche Stimme von Robert Smith. Imitation oder gar Parodie verbieten sich, nur gut, dass es sich beim Frontmann der Four Imaginary Boys um einen vokalen Seelenverwandten zu handeln scheint.

Dabei geht es den Four Imaginary Boys nicht darum, reine Klone ihrer Helden zu sein. Viel wichtiger ist ihnen, mit sphärischen Klängen und Soundflächen, die einzigartige Atmosphäre der Cure-Songs zu erzeugen und auf das Publikum zu übertragen. Somit sind die eigentlichen Stars des Abends die unvergänglichen Songs von The Cure, die Generationen von Gothic/Alternative/Pop-Bands bis heute geprägt haben.

Einlass: 19:00

MUT TATENDRANG UND SCHÖNHEIT Spätestens mit der vor 50 Jahren produzierten LP „Mut Tatendrang und Schönheit“ eroberte sich das 1973 in Ostberlin gegründete mobile Lied-Kabarett MTS sein Publikum. Heute stehen zur Jubiläums-Abschiedstour auf der Bühne der inzwischen nicht mehr ganz so jugendliche Gründer, Texter und Sänger THOMAS SCHMITT und sein langjähriger musikalischer Begleiter Frank Sültemeyer (Gitarre, Keyboard, Klavier, Gesang; 1993-99 und seit 2011 dabei).Beide sind jetzt auf Jubiläumstour!

Inspiriert von der japanischen Praxis des Kintsugi fragt Co-Ballett-Leiterin Inma López in ihrer Choreografie
„Goldene Wunden“, dem ersten Teil dieses zweiteiligen Ballettabends, nach Individualität und dem Wert von Brüchen und Wunden. Kintsugi fügt Zerbrochenes in aufwendigen und langwierigen Prozessen wieder zusammen, ohne die Bruchstellen zu verbergen. Im Gegenteil: Sie stechen als goldene Adern hervor und machen das Unikat erst wertvoll. „Wir leben in einer Tyrannei der Perfektion“, meint die Choreografin, „aber es sind die Risse, die den Wert eines zerbrochenen Stückes ausmachen, die seine ureigene Geschichte erzählen. So sind es auch die Narben, die mich ausmachen und meinen widerstandsfähigsten Teil bilden, meine goldenen Wunden. Ich bin und wir sind die Kinder der goldenen Risse.“

Im zweiten Teil, der den Titel „Fade- Outs“ trägt, stellt der international tätige Choreograf Douglas Lee die Frage von Sichtbarem und Verborgenem in der Theaterpraxis. Was bleibt alles ungesehen und spielt doch eine Rolle? Was rückt ins Scheinwerferlicht, und was tut sich währenddessen dahinter im Dunkeln? Das Theater hat viele Ebenen – jede hat ihre Geschichte. Und auch die ist es wert, erzählt zu werden, um das Ganze zu erfahren.

Goldene Wunden
Choreografie: Inma López
Bühne: Pascale Arndtz, Inma López
Kostüme: Angelo Alberto
Musik von Adrian Berenguer u. Aa.

Fade-outs
Choreografie: Douglas Lee
Bühne: Pascale Arndtz
Kostüme: Angelo Alberto
Musik: Nicolas Sávva

Spieglein, Spieglein an der Wand, wer ist die Schönste im ganzen Land? Im ganzen Land? Auf der ganzen Welt! Die Schönste? Und was ist mit DEM Schönsten? Im Spiegelsaal der digitalen Welt werden Bilder der Schönsten der Schönen unendlich viele Male gespiegelt und wieder reflektiert. Und wir alle mittendrin! Aber wie sind Schönheitsvorstellungen in den letzten 2000 Jahren überhaupt entstanden, und wie wurden Schönheitsideale gesellschaftlich konstruiert? Mit Kylie Jenner, Marilyn Monroe, Kaiserin Sissi, Schneewittchens Stiefmutter oder den biblischen Figuren Rahel und Lea rücken Antworten näher - und weitere Fragen: Wieso entwickeln Spiegelbilder ein Eigenleben und setzen uns unter Druck? Wer schaut uns aus dem Spiegel an, und warum wollen wir so sein wie SIE oder ER, aber vor allem jemand anderes? Und, ach, warum nur hat die körperliche Schönheit diese irritierende Eigenschaft, vergänglich zu sein …

Die Schwedin Liv Strömquist zählt zu den einflussreichsten feministischen Comiczeichnerinnen. In ihren Graphic Novels verarbeitet sie klug, witzig, verständlich und provokant soziologische und philosophische Erkenntnisse und Thesen.
Jana Findeklee und Joki Tewes prägen als Bildnerinnen mit ästhetisch eigenwilligen Arbeiten seit Jahren preisgekrönte Inszenierungen. In ihrer ersten Regiearbeit bringen sie den Sach-Comic auf die Bühne und verbinden gestalterische Visionen mit spielerischer Fantasie.

Regie & Bühne & Kostüme: Jana Findeklee & Joki Tewes
Video: Hannah Dörr
Musik: Marc Eisenschink

VIolkssolidarität

Puppentheater nach dem Roman von Michael Köhlmeier

Was wäre, wenn eine Hauskatze, die bei den intimsten Gesprächen der Menschen anwesend ist, die menschliche Sprache verstehen könnte? Die Katze Matou streift in ihren sieben Katzenleben durch mehrere Jahrhunderte der Weltgeschichte und betrachtet die Menschen aus tierischer Perspektive. Sie begegnet Prominenten wie Andy Warhol oder E. T. A. Hoffmann, kommentiert das menschliche Treiben mit messerscharfem Witz und betrachtet salopp die großen Fragen der Menschheit. Kritisch, aber auch lässig amüsiert ist dabei ihr Blick auf das Menschentum. Obwohl sie verstehen will, was ein Mensch ist, will sie auf gar keinen Fall einer sein – ein philosophischer Abend über das Menschsein aus Sicht einer Katze.

Pierre Schäfer hat das Theater Handgemenge nach seinem Studium an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch Berlin 1990 mitgegründet. Mit dem Puppenspieler, Autor und Regisseur Jochen Menzel als auch mit der Puppenspielerin Veronika Thieme verbindet ihn eine langjährige Zusammenarbeit. Anna Menzel arbeitet seit 2017 als freiberufliche Puppenspielerin. Die Inszenierung wurde von Veronika Thieme, Anna Menzel und Pierre Schäfer gemeinsam mit dem Regisseur Jochen Menzel entwickelt.


Foto Mechtild Nienaber

Ein überraschend anderes Theaterstück für zwei Schauspielende auf der Bühne und ein aufgeschlossenes Publikum. Berührend und gleichermaßen mit wunderbarem Humor lässt die israelische Autorin Alltagssituationen einer im Grunde ganz normalen Familie ablaufen. In Israel ist das Stück ein Publikumshit. Das Ehepaar David und Neta hat zwei Kinder, von denen eines gewisse Auffälligkeiten zeigt. Vater David ist erfolgreicher Kinderbuchautor, Mutter Neta arbeitet als Ernährungsberaterin. Und bei Itamar, dem Sohn, wurde eine autistische Störung diagnostiziert. Natürlich ist das für die ganze Familie immer wieder eine Überforderung.

Der Einlass beginnt 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn.

Die Tänzerin und Schauspielerin Claudia Marsicano ist eine unverwechselbare Erscheinung: Mit starker Präsenz und liebevoller Selbstironie präsentiert sie in R. OSA eine „One-Woman-Show“ voller Mut und Offenheit. Die Bühne wird zu einem Ort, an dem Verletzlichkeit und Stärke nebeneinander bestehen und der Körper als Quelle von Ausdruck, Würde und Freiheit gefeiert wird.

Mit Stolz und hohem körperlichem Einsatz zieht Marsicano mit 10 „virtuosen“ Übungen das Publikum in ihren Bann – und spielt mit Erwartungen und Schönheitsbildern, mit Scheitern und Triumph. Mit Humor, Zärtlichkeit und Widerstand lädt Silvia Gribaudi dazu ein, das Gewicht von Normen loszulassen und neue Formen von Leichtigkeit zu entdecken. Seit der Entstehung 2017 wurde R. OSA europaweit mehr als 200-mal aufgeführt und zählt zu den erfolgreichsten Stücken der italienischen Choreografin.

Ausgezeichnet mit Premio UBU 2017 als beste Darstellerin unter 35 / Finalist beim Premio UBU 2017 für die beste Tanzperformance.

Ein Stück für die ganzen Familie ab 11 Jahren. Mit einfachen englischen Sprachanteilen.


Mit Global Bodies öffnet die fabrik Potsdam ihre Türen für Perspektiven und Ausdrucksformen des Tanzes aus aller Welt. Pulsierende Rhythmen, politische Choreografien oder poetische Bilder zeigen Tanz als universelle Sprache, die verbindet und aktuelle Fragen verhandelt.

Weitere Veranstaltungen der Reihe Global Bodies: Troglodyte – Zaungast/Zaunkönig / ZOO Thomas Hauert (Brüssel) am 11. Apr 2026

Nach einem erfolgreichen Debüt im Lindenpark freuen wir uns riesig, SUKINI ein weiteres Mal für euch hier zu haben! Sukini, seit Jahren im HipHop auch als Sookee bekannt, liefert Musik für Kinder, bei der Erwachsene gerne mithören dürfen. Nach fast 20 Jahren als queerfeministische Rapperin kommt von Sukini nun eine weitere Einladung an alle Leutis – mit der Musik mitzuwachsen, und zugleich auch mit den Themen und Diskussionen, die Sukini mal laut, mal leise in ihren Texten aufgreift und verarbeitet.

Politisch nachhaltig: Musik, die Zeit braucht und Zeit gibt! Ehrlich, direkt, unmittelbar – so erlebt Sukini all jene vor allem jüngeren Menschen, die ihr bei Konzerten begegnen. Ehrlich, direkt und unmittelbar ist auch ihr Umgang mit dem Publikum. Anstelle von künstlichen Inszenierungen und schnelllebigen Musikprodukten wählt Sukini einen anderen Weg: Themen, die ihrer Lebensrealität und der Auseinandersetzung mit Gegenwartsdiskussionen entspringen, sowie künstlerische Entscheidungen, die über kommerzielle gestellt werden.

Ehrlich, direkt, unmittelbar zeigt sich auch der titelgebende Song ihres zweiten Albums „Da haben wir den Salat“. Immer wieder hätten sich Kinder bei ihren Konzerten ein Lied über Tiere gewünscht. Entstanden ist nun ein veganer Song über das Tiere-(Nicht)essen, der Tierrechte und die Wichtigkeit von Tierwohl altersgerecht vermittelt.

Einlass: 15:00Uhr

Inspiriert von der japanischen Praxis des Kintsugi fragt Co-Ballett-Leiterin Inma López in ihrer Choreografie
„Goldene Wunden“, dem ersten Teil dieses zweiteiligen Ballettabends, nach Individualität und dem Wert von Brüchen und Wunden. Kintsugi fügt Zerbrochenes in aufwendigen und langwierigen Prozessen wieder zusammen, ohne die Bruchstellen zu verbergen. Im Gegenteil: Sie stechen als goldene Adern hervor und machen das Unikat erst wertvoll. „Wir leben in einer Tyrannei der Perfektion“, meint die Choreografin, „aber es sind die Risse, die den Wert eines zerbrochenen Stückes ausmachen, die seine ureigene Geschichte erzählen. So sind es auch die Narben, die mich ausmachen und meinen widerstandsfähigsten Teil bilden, meine goldenen Wunden. Ich bin und wir sind die Kinder der goldenen Risse.“

Im zweiten Teil, der den Titel „Fade- Outs“ trägt, stellt der international tätige Choreograf Douglas Lee die Frage von Sichtbarem und Verborgenem in der Theaterpraxis. Was bleibt alles ungesehen und spielt doch eine Rolle? Was rückt ins Scheinwerferlicht, und was tut sich währenddessen dahinter im Dunkeln? Das Theater hat viele Ebenen – jede hat ihre Geschichte. Und auch die ist es wert, erzählt zu werden, um das Ganze zu erfahren.

Goldene Wunden
Choreografie: Inma López
Bühne: Pascale Arndtz, Inma López
Kostüme: Angelo Alberto
Musik von Adrian Berenguer u. Aa.

Fade-outs
Choreografie: Douglas Lee
Bühne: Pascale Arndtz
Kostüme: Angelo Alberto
Musik: Nicolas Sávva

Die zehnjährige Ida hat nur ein Ziel: Sie will Polarforscherin werden. Mit ihrem imaginären besten Freund, dem Polarexperten Robert Falcon Scott, führt sie akribisch Aufzeichnungen ihres Alltags und trainiert das Zurechtfinden in extremen Lebensräumen. Und mit denen kennt Ida sich aus, denn wenn sie nach Hause kommt, weiß sie nicht, in welchem Zustand sie ihre Mutter vorfindet. Durch Idas Mutter geht ein Riss, der sie in eine Südpolund eine Nordpolhälfte teilt und Ida gelehrt hat, ihr Zuhause vor der Außenwelt zu beschützen. Doch eines Tages will nicht nur ihre Lehrerin unbedingt mit der Mutter sprechen, sondern es sitzt auch ein neugieriges Nachbarskind im Treppenhaus, das Idas sorgfältig gebauten Schutzwall ins Wanken bringt.

Armela Madreiter erzählt sensibel und mit feinem Humor die Geschichte eines Mädchens, das der psychischen Erkrankung seiner Mutter mit großem Erfinder- und Forschungsgeist begegnet.
Das Stück wurde 2022 mit dem Sonderpreis des Deutschen Kinder- und Jugendtheaterpreises ausgezeichnet.

Regie: Michael Böhnisch
Bühne & Kostüme: Dorit Lievenbrück