Tuvinischer Kehlkopf- und Obertongesang ist eine der faszinierendsten Vokaltechniken der Welt, und
HUUN-HUUR-TU beherrschen die verschiedenen Spielarten meisterhaft. Unüberhörbar gibt es einen
rituellen Charakter in dieser Musik, aber allen meditativen Tendenzen stellen HUUN-HUUR-TU eine stark
rhythmische Ausrichtung gegenüber.
Zutiefst geheimnisvoll bleibt dieser faszinierende Obertongesang, der bis zu 3 Melodien gleichzeitig
erklingen lassen kann. Traditionell wurde tuvinische Musik meist von Solisten vorgetragen, und Musiker
spezialisierten sich auf ein bestimmtes Genre oder einen Stil. Diese Genres und Stile wiederum haben ihren
Ursprung in bestimmten sozialen Anlässen. HUUN-HUUR-TUs eklektische Aufführungen alter Lieder und
Melodien als Gruppe und begleitet von Instrumenten bewegen sich so zwischen allen Elementen
tuvinischen Musiklebens. Faszinierend fremdartig, aber gleichzeitig zeitgenössisch und modern.

Einlass: 19:00 Uhr

Sebastian Krumbiegel ist einer der berühmtesten deutschen Musiker. Mit den „Prinzen“ füllt er mühelos Arenen und Hallen, er ist Autor und Interpret zahlloser Hits. Doch abseits der ganz großen Bühnen gibt es noch den anderen Sebastian Krumbiegel: Den Chansonier, den Pianisten, den Solisten. Im Konzert präsentiert er sein neues Album, sowie bekannte Lieder.

Als kleiner Junge sang ich im Thomanerchor Den Leuten Lieder in der Kirche vor. Mein Lehrer war Johann Sebastian Bach Meistens ging es um Jesus (Halleluja)

Um Jesus geht es auf KOMPASS, dem neuen Album von Prinzen-Frontmann Sebastian Krumbiegel, mal wieder nicht. Dafür etwa um Elon Musks Steuererklärung, den kleinen Prinzen, dass 2+2= 5 ist, warum man trotz allem keine Angst haben und lieber von einer besseren Welt träumen sollte, und es geht um Musik. Um mehr Musik. Apropos: Knapp 70 Auftritte spielte Sebastian Krumbiegel in den letzten 12 Monaten, knapp 70 Songs schrieb er in der gleichen Zeit.

Er testete die Lieder auf Herz und Nieren, arrangierte um, verwarf, erschuf. Das Ergebnis: Sein neues Album KOMPASS. Wie man sieht, liebt es Sebastian Krumbiegel, Songs zu schreiben und live zu spielen. Und er liebt es, vor, während und nach den Auftritten sein Publikum nicht nur zu unterhalten, sondern sich auch mit seinem Publikum zu unterhalten. Und nach und nach kristallisierte sich in seinen Gesprächen heraus, dass eben jenes Publikum in unseren schweren Zeiten nach positiven Liedern verlangte.

So gesehen war das hoch geschätzte Publikum der KOMPASS für die Songauswahl des vorliegenden Albums. KOMPASS enthält 14 Songs, in denen das Glas grundsätzlich halbvoll, das Gras grundsätzlich grün und das Licht am Ende des Tunnels grundsätzlich nicht von einer entgegenkommenden Lokomotive ist. Auch Krumbiegel selber hatte, wie er sagt, keinen Bock auf traurige Lieder. Wer jetzt allerdings denkt, der Künstler würde in seichte Gefilde abdriften, irrt: Krumbiegel gelingt, wie wenigen sonst, der Spagat zwischen Unterhaltung und Reflexion, zwischen Kritik und Optimismus. Sebastian Krumbiegel ist einer, der glaubt.

Er glaubt an die Kraft der Kunst, an die Möglichkeit der Veränderung zum Besseren, und seine Songs handeln genau von diesem Glauben. Er erinnert daran, den Traum von einer anderen, harmonischeren Welt nicht zu vergessen. Und das gelingt ihm ohne Kitsch. Dafür mit Humor, viel Humor. Auch musikalisch ist KOMPASS ein optimistisches Album, ein optimistisches Album, aber ohne Augenwischerei.

Foto: Geboren Wustmann

Kassenöffnung um 19:00 Uhr

Mitsingkonzerte für Erwachsene gibt es längst – warum also nicht auch für Kinder? Genau hier setzen Suli Puschban und Julia Gámez Martin mit „Volle Lotte“ an: ein Konzert, bei dem Kinder nicht nur zuhören, sondern von Anfang an Teil der Musik sind.

Gemeinsam singen, lachen, tanzen und loslegen: „Volle Lotte“ bringt moderne, lustige und energiegeladene Kinderlieder auf die Bühne – fernab von „Alle meine Entchen“ oder „Bruder Jakob“. Die Songs sind frech, überraschend und nah dran an der Welt der Kinder: mit viel Fantasie, Humor und dem Mut, einfach laut zu sein.

Ein Mitsingkonzert voller Power, das zeigt: Kinderlieder können modern sein, richtig rocken – und gemeinsames Singen macht einfach glücklich.

Foto: PROMO

Kassenöffnung um 14:00 Uhr

Halloween Night – Die schaurig-schönste Party auf dem Wasser!

Taucht ein in eine Nacht voller Magie, Rhythmus und geheimnisvoller Stimmung – auf dem Wasser, unter dem funkelnden Berliner Sternenhimmel!

Wir feiern Halloween mit euch – mit tanzenden Schatten, glitzernden Lichtern und einem Soundtrack, der Herzen schneller schlagen lässt.
Ob Klassiker oder moderne Beats – freut euch auf eine Nacht voller Leidenschaft, Nostalgie und unheimlich guter Energie.

Kommt in euren besten Kostümen – ob elegant, gruselig oder glamourös – und lasst euch vom Rhythmus der Nacht mitreißen.
Mit funkelnder Stimmung, mystischen Melodien und einer Kulisse, die Gänsehaut garantiert – diese Bootsparty ist pure Halloween-Magie.

Eine Nacht für Nachtschwärmer, Tänzer und Liebhaber des Besonderen.
Schaurig. Stilvoll. Unvergesslich.


inkl. Schifffahrt, Welcome Drink, DJ + Tanz

Bitte beachte, dass der Kauf eines Tickets keinen Sitzplatzanspruch beinhaltet – schließlich geht es bei unserer Party darum, gemeinsam zu feiern und die Tanzfläche zu erobern! An Bord erwarten dich einige Sitzplätze, Stehtische und reichlich Platz zum Tanzen!

Einlass ca. 18:00 Uhr

Yasmina Rezas Erfolgs-Theaterstück über die Frage: Was ist Kunst? Bitterböse und komisch zugleich.

Weiße Streifen auf einem weißen Untergrund: An diesem Bild entzündet sich ein erbitterter Streit dreier Freunde; ein Streit, der ihr Leben und ihre Beziehung zueinander grundlegend verändern wird. Kann sich der eine für das monochrome Gemälde begeistern, bekämpft es der zweite auf das Heftigste. Der dritte will lieber keine Stellung beziehen… Ein abstraktes Kunstwerk dient der Autorin Yasmina Reza als Katalysator, mit dessen Hilfe sie eine psychologisch fein gezeichnete Situation analysiert, die drei Männer, ihre Gefühle, ihre Befindlichkeit, ihre Freundschaft, ja ihr gesamtes bisheriges Dasein auf den Prüfstand stellt. »Kunst« war Yasmina Rezas erster Welterfolg und wurde in über 40 Sprachen übersetzt. Die deutschsprachige Erstaufführung der Komödie fand 1995 in der Schaubühne am Lehniner Platz statt.

mit Johannes Hallervorden, Steffen Melies und Daniel Wobetzky
Regie: Irene Christ

Yasmina Rezas Erfolgs-Theaterstück über die Frage: Was ist Kunst? Bitterböse und komisch zugleich.

Weiße Streifen auf einem weißen Untergrund: An diesem Bild entzündet sich ein erbitterter Streit dreier Freunde; ein Streit, der ihr Leben und ihre Beziehung zueinander grundlegend verändern wird. Kann sich der eine für das monochrome Gemälde begeistern, bekämpft es der zweite auf das Heftigste. Der dritte will lieber keine Stellung beziehen… Ein abstraktes Kunstwerk dient der Autorin Yasmina Reza als Katalysator, mit dessen Hilfe sie eine psychologisch fein gezeichnete Situation analysiert, die drei Männer, ihre Gefühle, ihre Befindlichkeit, ihre Freundschaft, ja ihr gesamtes bisheriges Dasein auf den Prüfstand stellt. »Kunst« war Yasmina Rezas erster Welterfolg und wurde in über 40 Sprachen übersetzt. Die deutschsprachige Erstaufführung der Komödie fand 1995 in der Schaubühne am Lehniner Platz statt.

mit Johannes Hallervorden, Steffen Melies und Daniel Wobetzky
Regie: Irene Christ

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Weißt du schon, wie wir denken werden
Weißt du schon, wie wir erkennen werden
Wie wir lachen werden über das, was morgen wird
und weißt du noch wie´s doch nicht wird
Alles hier wie immer…
Acht Eimer Hühnerherzen

Siggi Leupold verbrachte die ersten 49 Jahre seines Lebens in Berlin, spielte Posaune und betrachtete die Kreuzung Danziger Straße/Ecke Schönhauser Allee. Manchmal trank er mit seinen Freunden ein Bier und war glücklich. Bis ihm einer seiner Freunde, ein Fremder, den er bei Konnopke kennengelernt hatte, kurz vor seinem 50. Geburtstag die Frage stellte: „Weißt du schon, wie schön es wird?“, und Siggi antwortete: „Nein, weiß ich nicht. Aber ich würde es gern wissen.“ Woraufhin er kurzentschlossen in die nächste Straßenbahn stieg, fröhlich und ausgelassen und voller Ideen für sein nächstes Posaunensolo.

Regisseur Milan Peschel nähert sich gemeinsam mit dem Ensemble und der Band Acht Eimer Hühnerherzen musikalisch dem Thema aller Schauspieler:innen unseres Hauses – der Inklusion – an. Sie fragen sich: Worin besteht der Sinn des Lebens für die Schauspieler:innen mit Behinderungen? Wie definieren sie Glück? Und wie ist eigentlich unser aller Verhältnis zu Vergangenheit und Zukunft? Weshalb haben viele Dinge aus dem Osten (Berlins) keinen Platz mehr? Ist die eigene Identität nicht eng verknüpft mit Erinnerungen an die Kindheit? In einer Stadt, in der stetig Erinnerungen verschwinden, wird nachts, wenn es ruhig wird, gemeinsam über das Leben philosophiert. Es geht um die Möglichkeiten und den Nutzen des Sich-Anpassens, die Vorteile des Langsam-Seins und um das, was wirklich wichtig ist.

English version below

Premiere
Tanz / Dance, Performance
Festsaal
Englisch, Arabisch / English, Arabic
Ca. 1h

Im Arabischen ist „athar“ das Wort für „Spur" – und zugleich für „Ruine". In dieser neuen Arbeit des Performers und Choreografen Enad Marouf bezeichnet „athar" das, was bleibt: ein Fragment, zugleich Beweis einer Abwesenheit und Überrest eines Daseins. Die Performance kehrt zurück in die 1960er und frühen 70er-Jahre – Zeit des politischen Wandels und Geburtsstunde von Befreiungsbewegungen und Studierendenprotesten. Jene Epoche ähnelt unserer Gegenwart, doch die Unterschiede reichen tief: Damals schienen eine politische Vorstellungskraft und ein Versprechen von Zukunft noch möglich – etwas, das sich heute nur sehr schwer denken lässt. Die Performance bringt das Publikum und Künstler*innen im Theater als Kollektiv zusammen: auf der Spur eines Moments von Zeit, Raum und Verlust – und zugleich der Möglichkeit, gemeinsam zu denken.

Konzept, Choreografie: Enad Marouf
Performance: Ronald Alonso Berger, jee chan, Kiana Rezvani
Stimme: Majdoleen Shalgheen, Bassyma Saad
Musik: Cem Dukka
Licht: Jacqueline Sobiszewski
Bühne: Enad Marouf
Kostüme: Grzegorz Matlag
Choreografische Assistenz: Samuel Pereira
Im Gespräch mit: Franziska Aigner, Edwin Nasr
Produktionsleitung: Florian Greß

Eine Produktion von Enad Marouf in Koproduktion mit Sophiensæle. Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

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In Arabic, “athar” means both “trace” and “ruin”. In this new work by performer and choreographer Enad Marouf, it refers to what remains: a fragment, a proof of absence and a remnant of existence at the same time. The work revisits the 1960s and early 70s, a time of political change that gave rise to liberation movements and student uprisings worldwide. That era mirrors our own, yet the differences run deep: back then, a political imagination and a promise of the future felt possible – something that seems very difficult to imagine today. The performance seeks to bring audience and artists together as a collective in the theater: tracing a moment of time, space and loss—and at the same time the possibility of thinking together.

Concept, choreography: Enad Marouf
Performance: Ronald Alonso Berger, jee chan, Kiana Rezvani
Voice: Majdoleen Shalgheen, Bassyma Saad
Music: Cem Dukka
Light: Jacqueline Sobiszewski
Stage: Enad Marouf
Costumes: Grzegorz Matlag
Choreographic assistance: Samuel Pereira
In conversation with: Franziska Aigner, Edwin Nasr
Production management: Florian Greß

A production by Enad Marouf in co-production with Sophiensæle. Funded by the Senate Department for Culture and Social Cohesion. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

GEORG KREISLER: ADAM SCHAF HAT ANGST
Musical in zwei Akten für einen Schauspieler

PREMIERE war am 21.06.2025, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS Berlin

Besetzung:
DENNIS WEISSERT (Spiel, Gesang)
BIJAN AZADIAN (Klavier)
Regie: DENNIS WEISSERT
Musikalische Leitung: BIJAN AZADIAN
Produktionsleitung: ALINA GAUSE
Bühnenbild, Maske: LAURA JAMMOUL

Dauer: ca. 1h 50 Min. (Pause nach ca. 50 Min.)

Adam Schaf ist ein tieftrauriger Mensch. Dass er lustige Lieder singt, ist der beste Beweis für seine Traurigkeit – so Georg Kreisler über seinen Titelhelden.

Aus Schafs Erinnerungen an seinen mühsamen Weg aus dem Krieg heraus entsteht eine zynische Bestandsaufnahme des Deutschlands von gestern und heute – wobei ihm der Humor trotzdem nicht abhandenkommt. Wie das Leben selbst ist dieser Theaterabend eine wahre Gratwanderung zwischen Absturz und Hoffnung, zwischen Appell und Grabrede oder wie der Autor selbst sagt: „Wir alle haben Angst! Aber wir leben! Irgendwie!“

Der Berliner Sänger und Schauspieler Dennis Weissert erforscht in seiner Interpretation von Kreislers Singspiel unser heutiges Verhältnis zur Nachkriegszeit und zieht damit Parallelen zwischen zwei stark durch Existenzängste geprägten Realitäten.
Dabei spannt er den Bogen von der deutschen Kabarett-Tradition bis zum Glamour des amerikanischen Broadway und katapultiert sein Publikum in eine skurrile Zwischenwelt.

Originalverlag: JOSEF WEINBERGER
Bühnenvertrieb: MUSIK UND BÜHNE Verlagsgesellschaft mbH, Wiesbaden

Abendkasse / Einlass ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

English version below

Performance
Kantine
Englisch / English
Ca. 50 Min.

Sein Darm hat eine Stimme – und sie ist gnadenlos. Spill your Guts ist eine schwarzhumorige Bauchredner-Show über einen Darm, der durchdreht. Hendrik Quast steht mit einer scharfzüngigen Puppe auf der Bühne, die seine chronisch-entzündliche Darmerkrankung verkörpert. Mit Theater, Comedy und Musical streiten die beiden über Scham, unverdaute Reste, das Gesundheitssystem und unsichtbare Behinderung. Die zentrale Frage: Wer hat die Deutungshoheit über den kranken Körper – die Medizin, die Patient*innen oder die Krankheit selbst? Nach der Premiere von Spill your Guts in den Sophiensælen 2022 bringt Hendrik Quast nun mit Spill Your Guts: Waiting Room Visions eine englischsprachige Neuentwicklung auf die Bühne, die im August beim Edinburgh Fringe-Festival Premiere feiert.

Text, Performance, Konzept, Raum: Hendrik Quast
Puppe, Maske, Kostüme: Christina Neuss
Licht: Maika Knoblich, Hendrik Borowski
Sound: Toben Piel
Coaching Bauchreden: Marcus Geuss
Dramaturgie: Alex Hennig
Künstlerische Mitarbeit: Florian Fischer
Bühne: Jonas Maria Droste
Künstlerische Assistenz: Michel Wagenschütz
Basierend auf einer Übersetzung von: David Tushingham
Produktionsleitung: Maret Zeino-Mahmalat, Lisa Gehring

Eine Produktion von Hendrik Quast in Koproduktion mit Sophiensæle, Kampnagel Hamburg und dem Künstler*innenhaus Mousonturm. Gefördert durch die Wiederaufnahmeförderung der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt und durch den Hauptstadtkulturfonds. Unterstützt durch das Residenzprogramm der Akademie Schloss Solitude Stuttgart, Schloss Bröllin und Cimma Cità.

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His gut has a voice, and it's relentless. Spill Your Guts is a darkly comic ventriloquist show about a gut gone rogue. Hendrik Quast performs alongside a sharp-tongued dummy embodying his chronic inflammatory bowel disease. Blending theater, comedy and musical, the two argue about shame, undigested leftovers, the medical system and hidden disability. The central question: Who actually holds the interpretive control over the sick body—medicine, the patients, or the disease itself? After premiering Spill Your Guts at the Sophiensæle in 2022, Hendrik Quast returns with Spill Your Guts: Waiting Room Visions — a newly developed English-language performance that will have its premiere at the Edinburgh Fringe Festival this August.

Text, performance, concept, space: Hendrik Quast
Puppet, make-up, costumes: Christina Neuss
Lighting: Maika Knoblich, Hendrik Borowski
Sound: Toben Piel
Coach for ventriloquism: Marcus Geuss
Dramaturgy: Alex Hennig
Artistic collaboration: Florian Fischer
Stage: Jonas Maria Droste
Artistic assistance: Michel Wagenschütz
Based on a translation by: David Tushingham
Production management: Maret Zeino-Mahmalat, Lisa Gehring

A production by Hendrik Quast in co-production with Sophiensæle, Kampnagel Hamburg and Künstler*innenhaus Mousonuturm. Funded by the Funding for presentations of existing work by the Senate Department for Culture and Social Cohesion and by the Capital Cultural Fund (HKF). Supported by the residency programme Akademie Schloss Solitude Stuttgart, Schloss Bröllin and Cimma Cità.

Lassen Sie sich im Winter 2026–2027 vom Zauber der Weihnacht verzaubern – mit dem großen klassischen Ballett Der Nussknacker!
Vorstellungsdauer: 2 Std. 10 Min. inkl. Pause
Entdecken Sie Der Nussknacker: Ballett und Orchester
Auf Tournee in der Saison 2026–2027
Tauchen Sie ein in die festliche Magie mit Der Nussknacker, einem zeitlosen Meisterwerk zur unvergänglichen Musik von Tschaikowski und dem Libretto von Petipa – basierend auf der berühmten Choreografie von Ivanov, interpretiert vom Paris Ballet Theater Paris Ballet Theater. Diese Originalproduktion von Franceconcert ist das absolute Highlight der Feiertage 2026–2027.
Inspiriert von der Erzählung von E.T.A. Hoffmann, erzählt dieses bezaubernde Märchen die Geschichte der jungen Clara, die an Heiligabend einen Nussknacker in Form eines kleinen Soldaten geschenkt bekommt. In der Nacht erwacht das Spielzeug zum Leben und führt sie in ein magisches Abenteuer: ein Kampf gegen ein Heer schelmischer Mäuse, eine Verwandlung in einen charmanten Prinzen und eine märchenhafte Reise durch ein zauberhaftes Königreich, in dem Blumen erblühen und Schneeflocken tanzen.
Die Uraufführung dieses zweiteiligen Balletts fand im Dezember 1892 im Mariinski-Theater in Sankt Petersburg statt. Der Nussknacker gehört bis heute zu den meistgespielten Balletten der Welt – gefeiert für seine mitreißende Musik und spektakuläre Choreografie.
✨ Ein Ballett, das Kinder begeistert und Erwachsene fasziniert.
🎄 Das perfekte Geschenk, um den Zauber der Weihnacht mit Familie und Freunden zu erleben.
👉 Sichern Sie sich jetzt Ihre Tickets und lassen Sie sich von dieser zeitlosen Wintergeschichte verzaubern!
Be swept away by the magic of Christmas in Winter 2026–2027 by the great classical ballet The Nutcracker!
Performance Duration: 2h10 including intermission
Discover The Nutcracker: Ballet and Orchestra
On tour during the 2026–2027 season
Tickets from €48

Step into the holiday magic with The Nutcracker, a timeless masterpiece set to Tchaikovsky’s iconic music and Petipa’s libretto. Based on Ivanov’s legendary choreography and performed by the Paris Ballet Theater, this original Franceconcert production is the must-see event of the 2026–2027 holiday season.
Inspired by E.T.A. Hoffmann’s tale, this enchanting story follows young Clara, who receives a nutcracker shaped like a little man as a Christmas gift. On Christmas Eve, the toy comes to life and leads her on a magical adventure: a battle against mischievous mice, a transformation into a charming prince, and a dreamlike journey through a fairy-tale kingdom where flowers and snowflakes dance.
Premiered in December 1892 at the Mariinsky Theatre in St. Petersburg, this two-act ballet remains one of the most performed in the world, celebrated for its spellbinding music and spectacular choreography.
✨ A show to delight children and captivate adults alike.
🎄 The perfect gift to celebrate the spirit of Christmas with family and friends.
👉 Book your tickets now and let yourself be carried away by this timeless winter tale!




Copyright : FRANCECONCERT

Einlass: 18:30 Uhr

Hier zur Zeit kein Verkauf.

Ein Theaterstück mit Musik, satirisch und bissig, aber mit einem hohen
Unterhaltungswert mit zwei Schauspielerinnen, Dagmar Jaeger und Sabine Matthes,
und zwei Schauspieler, Olaf Schülke und Uwe Karpa.
Das Thema ist Berlin und natürlich auch Köpenick.
Wer ist eigentlich "der Berliner? Was denkt er über sich selbst oder die anderen
Nichtberliner z.B. aus Sachsen, und das alles im Bissig-Berliner-Dialekt.
Texte: Ensikat, Bernd Wefelmeyer, Musik Bernd Wefelmeyer
Licht-Ton: Klaus Gehlhar, Ausstattung: Jan Hofmann,
Regie: Bernd Wefelmeyer
Das Theaterstück ist auch für Berlin-Touristen geeignet !

Einlass ab 18.00 Uhr

Bereiten Sie sich auf einen Abend voller Lachen, Überraschungen und einem Hauch von schwarzem Humor vor! Im März 2026 feiert die neue Komödie „Tot ist tot“ ihre Premiere – ein unvergessliches Theatererlebnis, das Sie nicht verpassen sollten.
Die Theatergruppe Bürgerbühne Künstlerherz präsentiert eine skurrile Komödie, um den 5-köpfigen Frauenhaushalt und einen Kommisar am Rande des Wahnsinns, mit einem perfekten Mix aus Witz, Satire und unerwarteten Wendungen.
Verpassen Sie nicht die Premiere im März 2026 und seien Sie Teil eines Theaterereignisses, das noch lange in Erinnerung bleibt. Kaufen Sie jetzt Ihre Tickets und sichern Sie sich Ihren Platz für einen Abend voller Lachen und unvergesslicher Momente!
„Tot ist tot“ – ein Stück, das lebt, auch wenn die Charaktere es nicht mehr tun!

Einlass eine Stunde vor Beginn

Aus der Reihe "Berliner Persönlichkeiten"

HILDEGARD KNEF: ICH GLAUB, ‘NE DAME WERD‘ ICH NIE
Portrait einer modernen Frau

Mit: Carl Martin Spengler (Spiel und Gesang) und Jürgen Beyer (Klavier)
Musikalische Leitung: Jürgen Beyer
Textfassung: Ildoko Bognar
Musikalische Einrichtung: Ute Falkenau
Bühnenbild: Alexander Barmenkov, Angelina Dashkevic (Illustration)
Kostümbild: Tatjana Hajdukova
Kostümassistenz: Angelina Dashkevic

Dauer: ca. 1h 50 Min. (inkl. einer Pause nach ca. 50 Min.)

PREMIERE war am 19.05.2023

Mit einer Produktion, die dem Leben und Schaffen Hildegard Knefs gewidmet ist, starten wir unsere neue Reihe BERLINER PERSÖNLICHKEITEN.

Hildegard Knef: „Gesicht der Stunde Null“, „das unverbrauchte Trümmermädchen“, „die zweite Dietrich“. Der Berlinerin mit Schnauze, Herz und Verstand wurden viele Titel verliehen, auch manche Superlative: „die erste große Nachkriegsschauspielerin“, „erste Deutsche am Broadway“ oder „Deutschlands letzte Diva“. Über Hildegard Knef, die 2002 mit 76 Jahren in Berlin starb, wurde in der Tat viel gesprochen, geschrieben, spekuliert und gespottet. Doch wer war die Frau wirklich, die gleich drei brillante Karrieren – als Schauspielerin, Chansonsängerin und Autorin – vorzuweisen hat?
Mit Texten und ihren unvergessenen Liedern zeichnen wir ein Bild von Hildegard Knef, die kein Mittelmaß kannte, ein Leben voller Extreme führte und in ihrer Unangepasstheit, ihrem Denken und Handeln ihrer Zeit stets voraus war.

Wir bedanken uns von Herzen bei allen Inszenierungspatinnen und Inszenierungspaten für ihre große Unterstützung!

Einlass Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Nach DIE TÜTEN AUS DER VERWALTUNG widmen sich Theater Thikwa und glanz&krawall in diesem Herbst einem weiteren deutschen Horror-Sujet: Der Rente. Dafür nehmen sie all ihren Mut zusammen und öffnen einen furchterregenden Brief – ihre jährliche Renteninformation! Doch statt das Schreiben schreckensbleich in den Müll zu donnern, stellen sie sich dieses Mal der Misere. „Nix gibt’s!“ heißt ihre große Renten-Revue, die in Anlehnung an Erwin Piscators historisch-politische Mammutshows die Geschichte des Grauens zurück auf die Bühne bringt. Verschleppte Reformen, die Aussicht auf Altersarmut, Wohnungsverlust - sind das die Lebensrealitäten, die uns alle im demographischen Wandel erwarten? Wie funktioniert das deutsche Renten-System überhaupt und was bräuchte es, damit es wieder bessere Perspektiven für alle in unserer Gesellschaft bietet?

137 Jahre gesetzliche Rentenversicherung, dem ist nur mit den Mitteln der Revue beizukommen. Magie, Stepptanz, Wort- und Gesangsakrobatik und natürlich viele schöne Paragraphen erwarten euch ab dem 30. Oktober 2026: Willkommen im Thikwastadtpalast!

English version below

Premiere
Tanz / Dance, Performance
Festsaal
Englisch, Arabisch / English, Arabic
Ca. 1h

Im Arabischen ist „athar“ das Wort für „Spur" – und zugleich für „Ruine". In dieser neuen Arbeit des Performers und Choreografen Enad Marouf bezeichnet „athar" das, was bleibt: ein Fragment, zugleich Beweis einer Abwesenheit und Überrest eines Daseins. Die Performance kehrt zurück in die 1960er und frühen 70er-Jahre – Zeit des politischen Wandels und Geburtsstunde von Befreiungsbewegungen und Studierendenprotesten. Jene Epoche ähnelt unserer Gegenwart, doch die Unterschiede reichen tief: Damals schienen eine politische Vorstellungskraft und ein Versprechen von Zukunft noch möglich – etwas, das sich heute nur sehr schwer denken lässt. Die Performance bringt das Publikum und Künstler*innen im Theater als Kollektiv zusammen: auf der Spur eines Moments von Zeit, Raum und Verlust – und zugleich der Möglichkeit, gemeinsam zu denken.

Konzept, Choreografie: Enad Marouf
Performance: Ronald Alonso Berger, jee chan, Kiana Rezvani
Stimme: Majdoleen Shalgheen, Bassyma Saad
Musik: Cem Dukka
Licht: Jacqueline Sobiszewski
Bühne: Enad Marouf
Kostüme: Grzegorz Matlag
Choreografische Assistenz: Samuel Pereira
Im Gespräch mit: Franziska Aigner, Edwin Nasr
Produktionsleitung: Florian Greß

Eine Produktion von Enad Marouf in Koproduktion mit Sophiensæle. Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

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In Arabic, “athar” means both “trace” and “ruin”. In this new work by performer and choreographer Enad Marouf, it refers to what remains: a fragment, a proof of absence and a remnant of existence at the same time. The work revisits the 1960s and early 70s, a time of political change that gave rise to liberation movements and student uprisings worldwide. That era mirrors our own, yet the differences run deep: back then, a political imagination and a promise of the future felt possible – something that seems very difficult to imagine today. The performance seeks to bring audience and artists together as a collective in the theater: tracing a moment of time, space and loss—and at the same time the possibility of thinking together.

Concept, choreography: Enad Marouf
Performance: Ronald Alonso Berger, jee chan, Kiana Rezvani
Voice: Majdoleen Shalgheen, Bassyma Saad
Music: Cem Dukka
Light: Jacqueline Sobiszewski
Stage: Enad Marouf
Costumes: Grzegorz Matlag
Choreographic assistance: Samuel Pereira
In conversation with: Franziska Aigner, Edwin Nasr
Production management: Florian Greß

A production by Enad Marouf in co-production with Sophiensæle. Funded by the Senate Department for Culture and Social Cohesion. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.