Édith Piaf und Marlene Dietrich begegnen sich 1947 in New York.
Die noch junge, scheinbar unbezähmbare, freche Chansonette aus Paris rührt mit ihrer Stimme ihr Publikum zu Tränen und zieht dabei auch Marlene Dietrich in ihren Bann.
Diese große Blonde - bereits ein Weltstar - mit ihren preussischen Tugenden, ihren Männern und ihren Frauen. Sie werden schnell beste Freundinnen und eine große Liebe verbindet sie.
Auf dem Nachttisch der Dietrich hat man nach ihrem Tod ein vergilbtes Brieflein gefunden, das sie wohl immer bei sich getragen hatte. Auf diesen hatte die Piaf geschrieben: „Vergiss nie, dass ich dich liebe!“.
Diese beiden Frauen sind der Fixpunkt um den sich ein großer Kosmos Chanson dreht und Biografien über zwei Weltkriege hinweg umfasst. Menschen wie Jean Cocteau, Bruno Coquatrix und Ernest Hemingway umkreisen dabei die beiden Lichtgestalten. Wir treffen sie in Paris, Berlin, New York und in der ganzen Welt.
Es ist ein Abend voller Geschichten, Anekdoten, Zeitzeugen und vor allem Musik: Große und kleine Chansons von Édith Piaf, Marlene Dietrich, Charles Aznavour, Yves Montand, ZAZ und Charles Trenet.
Persönlich, gefühlvoll, charmant - detailverliebt und perfektionistisch - publikumsnah und authentisch. Chansonmanie!

Isabella Rapp (Gesang), Mathias Weibrich (Gesang, Klavier), Lars Hansen (Kontrabass)

Isabella Rapp begann ihre musikalisch künstlerische Laufbahn im Alter von 6 Jahren: Klavier, Ballett, Chor. Sie studierte Musical an der STELLA Academy in Hamburg und steht seit ihrem Abschluss 2003 auf der Bühne. Neben etlichen Engagements im Bereich Musical an den Stadttheatern und Freilichtspielen im europäischen deutschsprachigem Raum spielt und unterhält sie ihr Publikum als Gesangs-Solistin mit grossen Orchestern, Jazztrios, Big Band, Rock-Pop-Bands oder reiner Klavierbegleitung. Der Stil: alles ausser Oper. Dreisprachig, vielseitig, immer authentisch, nahbar und voller Liebe und Leidenschaft für die Musik.

Abendkasse geöffnet ab 18:30 Uhr

In mehreren Veranstaltungen stehen die Vielfalt und Komplexität des Schreibens jüdischer Autor*innen im Mittelpunkt: ob Isaak Bashevist Singer (der bisher einzige Jiddisch schreibende Schriftsteller, der 1978 den Nobelpreis für Literatur erhielt), Jurek Becker (Schriftsteller und DDR-Dissident), Zeruya Shalev (israelische Schriftstellerin), Yasmina Reza (französische Erfolgsautorin aus einer weitverzweigten jüdischen Familie) oder auch ganz neue, unbekannte zeitgenössische Dichter* innen.
In Kooperation mit dem Institut für Neue Soziale Plastik e.V., das in den zurückliegenden Jahren zweimal
beim Mini-Festival „Jüdische Ossis“ unser Partner war, verleihen wir damit in Zeiten von Ausgrenzung jüdischen Lebens und wachsendem Antisemitismus nach dem 7. Oktober 2023 jüdischer Identität und Kultur eine Stimme und Öffentlichkeit.

Es ist angedacht, zeitgenössische Autor*innen einzuladen und ihre Werke mittels Simultan-Übersetzung kennenzulernen, oder Ensemblemitglieder lesen bereits übersetzte bzw. deutschsprachige Texte. Das können Auszüge aus Romanen, Novellen, Theaterstücke oder Gedichte sein. Immer wollen wir im Anschluss miteinander ins Gespräch kommen.

Trabantenstadt, Friedhof, Schlafstadt, Satellitenstadt, Naherholungsgebiet, Betonwüste, kaiserliches Jagdgebiet, Zonengrenze, Brennpunkt, Peripherie, Problembezirk, Vogelschutzgebiet, Utopie und Dystopie: Willkommen in der Berliner Gropiusstadt!

In seiner jungen Geschichte erlebte die Gropiusstadt viele Be- und Zuschreibungen, war Gespräch der unterschiedlichsten Planungen und häufig auch Opfer geringschätzender Abwertungen. Inspiriert von Georges Perecs Roman „Das Leben Gebrauchsanweisung“ nimmt die Theaterarbeit des Gropiusstädters Arthur Romanowski und seinem Team die Geschichte(n) der Menschen, die dort leben und arbeiten, in den Fokus. Wie ist man hier gelandet? Welche Geschichten prägen ein? Was für eine Gebrauchsanweisung für das Leben hat die Gropiusstadt für uns parat?

In einer intensiven Recherchearbeit führte das Team Interviews mit Bewohner*innen der Gropiusstadt. Die Biografien werden zu einem eigenen Mosaik zusammengefügt und verbinden sich mit der Biografie des Regisseurs und Performers. So begegnet das Publikum den unterschiedlichsten Geschichten aus der Gropiusstadt und hierbei entsteht ein eigenes Bild Berlins im 20. und 21. Jahrhundert. Trabantenstadt, Friedhof, Schlafstadt, Satellitenstadt, Naherholungsgebiet, Betonwüste, kaiserliches Jagdgebiet, Zonengrenze, Brennpunkt, Peripherie, Problembezirk, Vogelschutzgebiet, Utopie und Dystopie: Willkommen in der Berliner Gropiusstadt!

In seiner jungen Geschichte erlebte die Gropiusstadt viele Be- und Zuschreibungen, war Gespräch der unterschiedlichsten Planungen und häufig auch Opfer geringschätzender Abwertungen. Inspiriert von Georges Perecs Roman „Das Leben Gebrauchsanweisung“ nimmt die Theaterarbeit des Gropiusstädters Arthur Romanowski und seinem Team die Geschichte(n) der Menschen, die dort leben und arbeiten, in den Fokus. Wie ist man hier gelandet? Welche Geschichten prägen ein? Was für eine Gebrauchsanweisung für das Leben hat die Gropiusstadt für uns parat?

In einer intensiven Recherchearbeit führte das Team Interviews mit Bewohner*innen der Gropiusstadt. Die Biografien werden zu einem eigenen Mosaik zusammengefügt und verbinden sich mit der Biografie des Regisseurs und Performers. So begegnet das Publikum den unterschiedlichsten Geschichten aus der Gropiusstadt und hierbei entsteht ein eigenes Bild Berlins im 20. und 21. Jahrhundert.

Einlass ca. 18:45 Uhr (Studio)

Prof. Dr. Langbock hält einen Vortrag über 7 verschiedene menschliche Typen, doch seine Assistentin Susie Stör kommt ihm immer wieder charmant in die Quere. Schließlich wagen sie den gemeinsamen Sprung ins Spiel und lassen jene Typen lebendig werden, die jeder kennt, gerne verdrängt und nach diesem Abend einfach lieben wird! Es erwartet Sie ein herrlich komisches Duo mit viel Spaß und der einen oder anderen Inspiration für mehr Lebensfreude.

Es spielen: Marion Martinez & Rainer Eckhardt

UMWEGE versammelt die choreografischen Abschlussarbeiten der diesjährigen Absolvent*innen von Danceworks Berlin und lädt dazu ein, die vielfältigen künstlerischen Positionen einer neuen Generation von Choreograf*innen und Performer*innen kennenzulernen.

Der Abend präsentiert Kurzstücke, die aus individuellen Rechercheprozessen hervorgegangen sind und Einblicke in die Fragestellungen, Arbeitsweisen und künstlerischen Sprachen der Absolvent*innen geben. Die Arbeiten markieren einen persönlichen Moment des Suchens, Erprobens und Verdichtens der eigenen choreografischen Praxis.

Der Titel UMWEGE versteht sich dabei als Möglichkeitsraum für neue Perspektiven, unerwartete Begegnungen und die Erfahrung, dass Erkenntnis selten geradlinig entsteht. Die Arbeiten dieses Abends folgen keinen eindeutigen Antworten, sondern bewegen sich entlang von Fragen, Brüchen und offenen Prozessen. Sie laden dazu ein, Bewegung als Form des Denkens und Choreografie als Raum für Reflexion, Begegnung und Imagination zu erleben.

Ausgehend von ihren individuellen künstlerischen Interessen und Perspektiven erforschen die Absolvent*innen Themen wie zwischenmenschliche Beziehungen, Nähe und Distanz, Rhythmus als verbindendes und strukturierendes Element sowie gesellschaftliche und soziopolitische Fragestellungen. Andere Arbeiten beschäftigen sich mit Identität, Erinnerung, Fürsorge, Machtverhältnissen oder den Beziehungen zwischen Körper, Raum und Zeit.

Ebenso vielfältig sind die Methoden und Bewegungssprachen, die dabei sichtbar werden. Improvisation, Komposition, somatische Praktiken sowie der Einsatz von Stimme, Sprache, Musik oder visuellen Medien bilden Ausgangspunkte für eigenständige choreografische Ansätze. Manche Arbeiten entstehen aus präzisen formalen Setzungen, andere aus intuitiven oder kollaborativen Prozessen. Gemeinsam ist ihnen das Verständnis von Bewegung als Forschungsinstrument und Choreografie als offene, experimentelle Praxis. Sie laden das Publikum dazu ein, den Reichtum zeitgenössischer Choreografie in all ihrer Vielschichtigkeit zu erleben.

Dauer: 2 Std. inklusive Pause (15 min)

ENGLISCH:
UMWEGE brings together the final choreographic works of this year’s graduates from Danceworks Berlin and invites audiences to discover the diverse artistic perspectives of a new generation of choreographers and performers.

The evening features short pieces that have emerged from individual research processes and offer insights into the graduates’ questions, working methods, and artistic languages. The works mark a personal moment of exploration, experimentation, and refinement of their own choreographic practice. The title UMWEGE is intended as a space of possibility for new perspectives, unexpected encounters, and the realization that insight rarely arises in a straightforward manner. The works presented this evening do not seek clear-cut answers but rather navigate questions, ruptures, and open-ended processes. They invite the audience to experience movement as a form of thought and choreography as a space for reflection, encounter, and imagination. Drawing on their individual artistic interests and perspectives, the graduates explore themes such as interpersonal relationships, closeness and distance, rhythm as a unifying and structuring element, as well as social and sociopolitical issues. Other works address identity, memory, care, power dynamics, or the relationships between body, space, and time.

Equally diverse are the methods and languages of movement that emerge in the process. Improvisation, composition, somatic practices, and the use of voice, language, music, or visual media serve as starting points for unique choreographic approaches. Some works emerge from precise formal structures, others from intuitive or collaborative processes. What they have in common is an understanding of movement as a research tool and choreography as an open, experimental practice. They invite the audience to experience the richness of contemporary choreography in all its complexity.

Duration: 2 hrs including a 15 minutes break

Team
Danceworks Berlin Absolvent*innen 2026

Credits
DANCEWORKSberlin gGmbH, Tanzraum Wedding GbR

Philipp Oehmke & Campino – Papenburg
25.09.2026 – Berlin – Colosseum
Lesung und Gespräch

Eine Familie zwischen Liebe und Egoismus

Emilia Papenburg hat ihren Mann Benni verlassen und ist mit den Kindern nach New York gegangen. Ein Neubeginn ohne Familie, an der sie gescheitert zu sein glaubt, genau wie schon ihre eigenen Eltern. Doch vielleicht irrt Emilia sich. Denn ihr Vater und ihre so lange verschollene Mutter wollen um jeden Preis die Familie zusammenbringen. Sie ertragen gegenseitige Verletzungen und enttäuschte Hoffnung für Momente klaren Glücks. Emilias Mann Benni ist da schon einen Schritt weiter: Er stellt seine Freiheit über die Illusion familiärer Notwendigkeiten.
„Papenburg“ ist das schillernde Porträt unserer verunsicherten westlichen Gesellschaft und einer Schar verzweifelter und erfindungsreicher Menschen auf der Suche nach Sinn und Vergebung.


Philipp Oehmke
Philipp Oehmke, geboren 1974, wuchs in Bonn auf, studierte Germanistik in Hamburg und war zwei Jahre lang Volontär bei der Zeitschrift Tempo. 2001 schloss er die Graduate School of Journalism der Columbia University mit einem Master of Science ab. Von 2002 bis 2006 war er Redakteur beim Magazin der Süddeutschen Zeitung, wo er auch die 50-bändige Buchreihe SZ-Diskothek herausgab. 2006 wechselte er als Redakteur in das Kulturressort des Nachrichtenmagazins Der Spiegel. Von 2015 bis 2020 leitet Oehmke das New Yorker Büro des Nachrichtenmagazins, für das er heute aus Berlin als Autor tätig ist.
Oehmke ist Autor der Biografie Am Anfang war der Lärm über die Rockband Die Toten Hosen. Das Buch erschien 2014 und stand mehrere Wochen in der Top Ten der Spiegel-Bestsellerliste.

Campino
Campino, eigentlich Andreas Frege, gründete 1978, im Alter von 16 Jahren, die Gruppe Zentralkomitee Stadtmitte, kurz ZK, die stark von der Punk-Szene im „Ratinger Hof“ beeinflusst war. Vier Jahre später, als Punk auf dem absteigenden Ast war, rief er antizyklisch die Toten Hosen ins Leben.
Er prägt die Band seither nicht nur mit seiner Stimme und seiner Live-Performance, sondern ganz besonders mit seinen Texten. Dabei scheut er sich auch nicht, mit anderen Autoren zusammenzuarbeiten, etwa mit dem Berliner Singer-Songwriter Funny van Dannen oder zuletzt mit dem Rapper Marteria. Campino hat sich auch außerhalb der Musik als Künstler bewiesen — seit den 1980er Jahren immer wieder als Schauspieler, zum Beispiel im Spielfilm „Palermo Shooting“ von Wim Wenders oder in der „Dreigroschenoper“ im Berliner Admiralspalast unter Klaus Maria Brandauer.

Einlass: 18:30 Uhr

Die Absolvent*innen der Ausbildung für zeitgenössischen Tanz der Tanzakademie balance 1 zeigen ihre choreografischen Abschlussarbeiten mit Tänzer*innen aus dem 2. und 3. Ausbildungsjahr.

Dauer: 2 Stunden

ENGLISCH:
The graduating class of the vocational Dance Education Program for Contemporary Dance by Dance academy balance 1 present their final choreography pieces along with student dancers from second and third year.

Duration: 2 hrs

Choreografie und Tanz: Fatima Attie, Olivia Andersson, Jolin Haveloh, Nina John, Awin Keßler, Shima Sadeghi, Sara Spengler, Jagna Stryjewska, Zara Wünsche
Tanz: Leonie Lara Grimm, Marina Mertens, Marharyta Pasliadovich, Elena Šakanović, Hanna Lea Stragies, Lavinia Vonberg, Lena Köppe, Ana Luiza Bolsoni, Jackeline Brown Brittenham

Mit freundlicher Unterstützung der Uferstudios für zeitgenössischen Tanz

nach August Strindberg

Wir haben es schon immer gewusst: Etwas stimmt nicht. Doch manchmal braucht es den radikalen Blick einer Außenstehenden, um das Offensichtliche zu erkennen. Als Strindberg eine Göttertochter auf die Erde schickt, stellt sich jedoch die Frage, ob das, was sie vorfindet, überhaupt echt ist. Zwischen dichterischer Freiheit und den Fettschlingen des Bewusstseins verschwimmen die Grenzen: Ist dies das Licht der Erkenntnis oder nur trügerischer Schein? Eine theatrale Expedition, bei der die ProtagonistInnen ihre eigene Perspektive auf August Strindbergs „Ein Traumspiel“ entdecken und dabei das Bestehende und das Mögliche erkunden.

Im inklusiven Theater MITEINANDERs stehen Beschäftigte der Werkstätten im Oberlinhaus mit mehrjähriger Theatererfahrung sowie professionelle PerformerInnen auf der Bühne. In der Theaterwerkstatt im Oberlinhaus können Werkstatt-Beschäftigte kontinuierlich an einem Theatertraining teilnehmen. Das Theater MITEINANDERs und die Theaterwerkstatt werden von Wiebke Hensle und Hans Morgeneyer geleitet.


Foto: Johanna Lucht

Shakespeares Richard III., uraufgeführt um 1593, war schon zu Lebzeiten des Dramatikers einer seiner erfolgreichsten Texte. Bis heute hat die Titelfigur nichts von ihrer Faszination eingebüßt. Ihre Verführungskraft liegt gerade in ihrer hemmungslos zielgerichteten, lustvoll zur Schau gestellten Amoralität. Richard ist der erste in einer Reihe von Bösewichten in Shakespeares Werk, dessen virtuose Manipulationskunst fasziniert. In der Tradition der europäischen Theatergeschichte wurde Richards körperliche „Missgestalt“ zum Symbol für moralische Verkommenheit. Diese Gleichsetzung von Behinderung mit Bösartigkeit hat sich tief in das kulturelle Gedächtnis eingeschrieben und prägt bis heute die Wahrnehmung von Körpern, die von der Norm abweichen.

Die Inszenierung am RambaZamba Theater stellt diese Zuschreibung radikal infrage. Gemeinsam mit der Autorin Antigone Akgün wird Shakespeares Text überschrieben, um Richard als Figur zu entwerfen, deren Machtergreifung aus der Erfahrung von Ausgrenzung, Spott und strukturellem Ableismus entsteht. Statt als „dämonischer Tyrann“ erscheint Richard als jemand, der sich die ihm verweigerte Teilhabe mit allen Mitteln aneignet – kompromisslos, schillernd, unerbittlich. Regisseurin Julia Wissert legt dabei den Fokus auf die politischen Dimensionen: Wer hat Zugang zu Macht? Wer darf sichtbar sein? Und welche Gewalt erzeugt eine Gesellschaft, die ihre Außenseiter:innen permanent abwertet?

Die Regisseurin Julia Wissert, bekannt für ihre politischen, diskursstarken Inszenierungen, erarbeitet mit der Autorin Antigone Akgün eine Textfassung zwischen Shakespeare-Rhythmus und heutiger Überzeichnung, die Wut, Witz und Widerstand in den Dialogen spürbar macht. Die unterschiedlichen Körper und Stimmen der Schauspieler:innen des RambaZamba Theaters erzeugen einen Resonanzraum, in dem Norm und Abweichung immer wieder neu verhandelt werden.

Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds und aus Mitteln der Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt.

Vorverkauf startet in Kürze

Aus der Reihe "Berliner Geschichten"

DIE HEXEN VON BERNAU
Von Feindbildern, Justizversagen und einem Verbrechen gegen die Menschheit

Mit: Alina Gause (Spiel, Gesang), Carl Martin Spengler (Spiel, Gesang) und Matthias Behrsing (Klavier)
Regie: Alina Gause
Musikalische Leitung: Matthias Behrsing
Text: Ildiko Bognar
Bühnenbild: Joshua Tewes-McCoy
Kostümbild: Tatjana Hajdukova
Regieassistenz: Milena Mielke

URAUFFÜHRUNG / PREMIERE im Rahmen der Festivalwoche HEIMAT_KUNST zum Motto „DIE KRAFT DER FRAUEN“:
Samstag, 13.06.2026, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS Berlin
Weitere Aufführungen: Sonntag, 21.06.2026, 16:00 Uhr

Dauer: ca. 1h 45 Min. (inkl. Pause nach 45 Min.)

Passend zu unserem Jahresmotto „Die Kraft der Frauen“ widmen wir uns in unserer neuen szenisch-musikalischen Hausproduktion einem dunklen Kapitel der Geschichte: der Hexenverfolgung.

In Bernau bei Berlin setzt ab 1617 eine Verfolgungswelle ein, in deren Verlauf viele Unschuldige, in erster Linie Frauen, als Hexen angeklagt werden. Eine dieser Frauen ist die 70-jährige Bernauerin Dorothea Meermann. Bereits in dritter Generation wird sie wegen Zauberei verhaftet und über zwei Jahre wiederholt gefoltert. Dennoch bietet sie dem Machtapparat der frühen Neuzeit die Stirn und bleibt bis zu ihrem Tod bei ihrer Aussage, keine Zauberin zu sein.

Nach intensiven historischen Recherchen und anhand von wahren Schicksalen machen wir eine Epoche erlebbar, die nur auf den ersten Blick nichts mit unserer modernen Zeit zu tun hat. Alina Gause und Carl Martin Spengler tauchen mal spielend mal erzählend in eine Geschichte ein, in der Narrative mehr wiegen als Fakten und die Mächtigen immer recht haben.

Einlass Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

English version below

Theater
Deutsch: 24./25./26./27.09., 19:15
Englisch: 01./02./03./04.10., 19:15
Deutsch: 08./09./10./11.10., 19:15
Ca. 3h 15 Min.

Das ist Binge-Watching fürs Theater und aus größter Nähe: In den Stücken der queeren Volkstheatergruppe Nesterval begleitet das Publikum einzelne Charaktere durch eine Vielzahl von Szenen – wie auf einem verschachtelten Filmset führt das gekonnte Storytelling durch unterschiedliche Erzählstränge und Räume. Erstmals in Berlin, entwickelt die Gruppe aus Wien jetzt eine ortspezifische Arbeit für die Sophiensæle: Nestervals Eldorado. Im Zentrum steht die queere Geschichte im Berliner Scheunenviertel und rund um die Sophiensæle während der NS-Diktatur. Inspiriert von den Biografien schwuler, lesbischer, bisexueller und trans* Menschen, die systematisch verfolgt und ermordet wurden, verweben Nesterval Fiktion und Wirklichkeit gekonnt zu einer berührenden Erzählung.

Eine Produktion von Nesterval in Koproduktion mit Sophiensæle. Basierend auf der Koproduktion mit brut Wien. Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes. Gefördert von dem Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien. Gefördert durch das Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport (BMWKMS) und die Stadt Wien. Gefördert durch die Dr. Host Rusch-Stiftung und die Between Bridges Stiftung. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz, Yorck Kinogruppe.
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Theater
German: 24./25./26./27.09., 19:15
English: 01./02./03./04.10., 19:15
German: 08./09./10./11.10., 19:15
Ca. 3h 15 min.

This is binge-watching meets theater, live and up close. Much like a camera weaving through an elaborate film set, this piece guides the audience through a multitude of scenes, introducing them to a whole range of characters and their stories along the way. The Vienna-based troupe Nesterval makes their Berlin debut with Nestervals Eldorado, a site-specific work developed for Sophiensæle. Set in and around the Sophiensæle bulding complex and Berlin’s Scheunenviertel neighborhood, the piece center’s on the city’s queer history before and during Nazi rule. Inspired by the biographies of gay, lesbian, bisexual, and trans people who were systematically persecuted and murdered at the hand of the Nazi regime, Nesterval artfully weaves fiction and reality into a poignant, deeply moving story.

A production by Nesterval in co-production with Sophiensæle. Based on the co-production with brut Wien. Funded by the German Federal Cultural Foundation. Funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media. Funded by the Federal Ministry of Housing, Arts, Culture, Media and Sport (BMWKMS) and the City of Vienna. Funded by the Dr. Horst Rusch Foundation and the Between Bridges Foundation. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz, Yorck Kinogruppe.

Einlass ab/Admission: 18:00–19:15 | Kein Nacheinlass!/No late entry!

Ausverkauft/Sold out; Weitere Vorverkaufstermine/Additional ticket sales dates: 20.08, 10.09., jeweils 16:00/4:00 p.m.

Die im Februar 1992 gegründete Band eint die Begeisterung für den Jazz der 10er bis 30er Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts. Die Musik der sechs Bandmitglieder um Christian Hetz ist fröhlich und handgemacht. Sie spielen feinsten Jazz, gern auch mal improvisiert. Kommen Sie vorbei und genießen Sie den Abend im gemütlichen Bürgerhaus Teltow.

Foto: Christian Hetz

Einlass ab 19 Uhr

Ein alter Esel, ein müder Hund, eine verbitterte Katze und ein zäher Hahn leisten für den Menschen nicht mehr genug und werden von ihren Herren fortgejagt. Aber die verjagten Tiere treffen sich rein zufällig und beschließen, zusammen zu bleiben. Ihr Wahlspruch lautet: "Was besseres als den Tod finden wir überall". Sie fassen einen Plan und wollen Stadtmusikanten in Bremen werden. Aber es kommt alles anders als geplant, und nachdem sie sehr geschickt die Räuber aus einem Waldhaus vertrieben haben, ziehen sie selbst dort ein. Als ein Räuber zurückkehrt, um die Lage zu erforschen, verpassen die Tiere dem Räuber in genialer Zusammenarbeit einen ordentlichen Denkzettel und keiner der Räuber traut sich jemals mehr zurück. Die Tiere aber leben nun in froher Eintracht und singen für ihr Leben gern.

Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei dem eine erfahrene Schauspielerin ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft.
Die Kinder erleben beim Mitspieltheater die große Kunst des Schauspielens hautnah mit, nämlich den Rollenwechsel – den der Spieler vor ihren Augen auf der Bühne vollzieht. Dabei dürfen sie dem Märchen nicht nur gespannt zuhören, sondern aktiv mitwirken. Sie können ihre Gedanken und Ideen der Schauspielerin auf der Bühne zurufen, die diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert.


Es spielt: Marion Martinez

Ein Theaterstück mit Musik, satirisch und bissig, aber mit einem hohen
Unterhaltungswert mit zwei Schauspielerinnen, Dagmar Jaeger und Sabine Matthes,
und zwei Schauspieler, Olaf Schülke und Uwe Karpa.
Das Thema ist Berlin und natürlich auch Köpenick.
Wer ist eigentlich "der Berliner? Was denkt er über sich selbst oder die anderen
Nichtberliner z.B. aus Sachsen, und das alles im Bissig-Berliner-Dialekt.
Texte: Ensikat, Bernd Wefelmeyer, Musik Bernd Wefelmeyer
Licht-Ton: Klaus Gehlhar, Ausstattung: Jan Hofmann,
Regie: Bernd Wefelmeyer
Das Theaterstück ist auch für Berlin-Touristen geeignet !

Einlass ab 18.00 Uhr

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Was haben Mütter und Magie gemein? TIGERS’ KITCHEN thematisieren die Abwesenheiten ihrer Mütter und rücken damit ins Zentrum, was zu lange im Verborgenen herumgeisterte. Was mit Ticks und Tricks beginnt, macht auch vor Tod und Traurigkeit nicht halt.

Wahrscheinlich das letzte Kabarett-Programm der Menschheits-
geschichte, das komplett ohne KI entstanden ist. Allein deshalb
sollten Sie es sich ansehen. Robert Griess mobilisiert noch
einmal alle Reserven der Natürlichen Intelligenz kurz vor
ihrem Verglühen: Und er gibt lustige und überraschende
Antworten auf große Fragen wie: Hat Gott uns erschaffen
oder ist Gott die erste von Menschen erfundene KI ?