MAGIC OF MOVIE XVII

Donnerstag, 29. Mai 2025, 11.00, Staatstheater Darmstadt

Freitag, 30. Mai 2025, 19.00 Uhr, Staatstheater Darmstadt

Deutsche Philharmonie Merck

Juri Tetzlaff, Moderation

Markus Huber, Dirigent

Ob mit der Thüringen Philharmonie Gotha-Eisenach, dem Philharmonischen Orchester Pilsen oder einem der vielen anderen Orchestern, mit denen dieser Dirigent regelmäßig zusammenarbeitet: Filmmusik hat einen hohen Stellenwert für Markus Huber, seine Filmkonzerte sind große Abende des Entertainments. So ist es längst einmal an der Zeit, dass der sympathische Münchner mit dem großen Herz für den Blockbuster-Sound bei der Erfolgsreihe MAGIC OF MOVIE der Deutschen Philharmonie Merck zu Gast ist. Hier wird er Klassiker von John Williams zum Klingen bringen, aber auch einige unbekannte Scores, die aber nicht weniger eindrucksvoll demonstrieren: Ohne Filmmusik wäre Kino nur die Hälfte wert.

Tickets: 30 €/ 20 €

* 50 % Ermäßigung für Kinder, Schüler: innen, Student: innen, Azubis, FSJler: innen. Der entsprechende Nachweis ist beim Einlass vorzuzeigen

Eine Koch-Satire von Michael Herl

Dr. Kögel: Ilja Kamphues
Regie: Manfred Roth
Bühnenbild/Licht: Herbert Huber
Fotos: Harald Schröder

Eine Produktion des Stalburg Theaters in Zusammenarbeit mit dem Hessischen Rundfunk

Uraufführung 26. September 2002 im Stalburg Theater

Einlass 19:00 Uhr

Auf ihrem neuen Album "Tomorrow We´ll Figure Out The Rest" hat Silje Nergaard eine Sammlung wunderschöner melodischer Songs komponiert, die von klassischen Jazz-Standards inspiriert sind. Lieder über das Leben und die Liebe - universelle Themen, mit denen wir uns alle identifizieren können.
„Das war die Popmusik meiner Eltern, Lieder, zu denen sie sangen und tanzten. Ich bin mit dieser Musik aufgewachsen und sie wurde zu einer wichtigen Inspiration für mich, als ich anfing, meine eigenen Songs zu schreiben. Jazz war schon immer das Herzstück meines Schaffens und hat mich dazu inspiriert, ein Album mit meinen persönlichen Jazz-Standards zu machen“.
Mit diesem Album kehrt Silje zu ihren Jazz-Wurzeln zurück, wo alles 2001 mit dem Grammy-nominierten "At First Light" begann, das ihr die Tür zur internationalen Jazzszene öffnete.

Diese neue Sammlung von Songs wurde mit ihrem langjährigen norwegischen Jazz-Trio und dem Stavanger Symphony Orchestra aufgenommen, mit tadellosen Arrangements des mehrfachen Grammy-Preisträgers Vince Mendoza.
Siljes Trio hat eine wichtige Rolle in ihrer Karriere gespielt. Alle drei einzigartigen und brillanten Instrumentalisten tragen dazu bei, eine intime Jazz-Stimmung zu schaffen, während sie einen dynamischen, spielerischen, poetischen und nordischen Sound in ihre vollendeten, eindringlichen und hypnotisierenden Live-Auftritte einbringen.
Silje beschreibt die Verbindung zu ihren Musikern „Wie eine Familie! Wir sind auf der Bühne instinktiv im Einklang miteinander und atmen fast den gleichen Atem“.
Neben den Songs des neuen Albums enthält Siljes Liveshow auch ihre wunderschönen Klassiker wie Be Still My Heart, Tell Me Where You´re Going, Dance Me Love und Lullaby to Erle. Lieder, die zum Synonym für Silje geworden sind und einen besonderen Platz im Leben von Musikfans auf der ganzen Welt gefunden haben.

„Ich möchte, dass meine Lieder zeitlos sind, genau wie die Lieder, die mich inspiriert haben. Ich möchte schöne und gefühlvolle Aufnahmen machen, die einen Kontrast in der heutigen unbeständigen Welt und Industrie bilden. Wir leben in einer Zeit, in der Dinge kommen und gehen und schnell vergessen werden. Deshalb ist es für mich so wichtig, in allen Aspekten meiner Arbeit ein hohes künstlerisches Niveau zu halten.
Dies ist eine wirklich bemerkenswerte Zusammenarbeit - Silje und ihr Weltklasse-Trio schaffen eine einzigartige und wunderschön strukturierte Klanglandschaft, die Erinnerungen an die Liebe, das Leben und vergangene Epochen hervorruft. Ihre Live-Show ist voller warmer und zärtlicher Darbietungen, die eine Medizin für Herz, Seele und Ohren sind und dem Publikum ein wahrhaft emotionales Erlebnis bescheren, bei dem die Zeit für einen schönen Moment stillzustehen scheint.

Helge Lien piano
Fin Guttormsen bass
Jarle Vespestad drums

Bild: Olav Forsang

Einlass: 19:00 Uhr

MAGIC OF MOVIE XVII

Donnerstag, 29. Mai 2025, 18.00 Uhr, Staatstheater Darmstadt

Freitag, 30. Mai 2025, 19.00 Uhr, Staatstheater Darmstadt

Deutsche Philharmonie Merck

Juri Tetzlaff, Moderation

Markus Huber, Dirigent

Ob mit der Thüringen Philharmonie Gotha-Eisenach, dem Philharmonischen Orchester Pilsen oder einem der vielen anderen Orchestern, mit denen dieser Dirigent regelmäßig zusammenarbeitet: Filmmusik hat einen hohen Stellenwert für Markus Huber, seine Filmkonzerte sind große Abende des Entertainments. So ist es längst einmal an der Zeit, dass der sympathische Münchner mit dem großen Herz für den Blockbuster-Sound bei der Erfolgsreihe MAGIC OF MOVIE der Deutschen Philharmonie Merck zu Gast ist. Hier wird er Klassiker von John Williams zum Klingen bringen, aber auch einige unbekannte Scores, die aber nicht weniger eindrucksvoll demonstrieren: Ohne Filmmusik wäre Kino nur die Hälfte wert.

Tickets: 30 €/ 20 € *

* 50 % Ermäßigung für Kinder, Schüler: innen, Student: innen, Azubis, FSJler: innen. Der entsprechende Nachweis ist beim Einlass vorzuzeigen

Einlass: 19 Uhr / Stehplatz

Einlass ab 18:30 Uhr

ausverkauft

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

„Einszweiundzwanzig vor dem Ende“ ist eine rabenschwarze Komödie, die zwischen Tragik und Komik, Drama und Persiflage pendelt. Matthieu Delaporte, bekannt für Werke wie „Der Vorname“, zeichnet in diesem Stück eine originelle und witzige Spekulation über die unmittelbare Zeit vor dem Ende. Die deutsche Erstaufführung fand am 4. Juni 2023 im Renaissance-Theater Berlin statt.

Theater 30 min. vor Vorstellungsbeginn geöffnet

Der Mensch ist zentrales Thema im künstlerischen Werk von Richild Holt (*1941, Einöde bei Villach, Österreich). Eine Kombination aus realistischer Genauigkeit in der figürlichen Darstellung und einem expressiven Stil charakterisiert die sensiblen, ehrlichen (Selbst-)Porträts der Künstlerin.

Die Gesichter und Körper sind in starkem Hell-Dunkel- sowie Farbkontrast modelliert. Die Figuren befinden sich auf einem reduzierten und stark abstrahierten Hintergrund. Emotionale Intensität, gespannte Dynamik und große Intimität zeichnen die Porträts aus.

Den Malprozess begleitet ein enger Austausch zwischen Porträtierten und Künstlerin, in dessen Verlauf ein Bildnis entsteht, das die Persönlichkeit des Gegenübers erfasst und auf die Leinwand übersetzt. Richild Holt bezeichnet diese gemeinsamen Porträtsitzungen als „das intensivste Gespräch, das man sich vorstellen kann“.

Ihre Akte sind feinfühlige Porträts, in denen sie Authentizität statt idealisierter Darstellung erreicht. In der Tradition und dem Anspruch der Porträtmalerei seit der Hochrenaissance kommen in Richild Holts Werken Erscheinungsbild und Persönlichkeit zum Ausdruck. Den Betrachter:innen begegnet eine intensive Körperlichkeit und Verletzlichkeit. In seiner unmittelbaren Präsenz stellt sich der Körper zugleich als Träger und sichtbarer Ausdruck von Erfahrungen, Emotionen und sozialen Konnotationen, von Identität dar. Genau wie in der blauen Stunde der abendlichen Dämmerung mit ihrer melancholischen Atmosphäre strahlen Äußeres und Inneres der Porträtierten gleich hell.

12:00 bis 17:00 Uhr

unterhaus zu Gast im Frankfurter Hof

Wer Angst hat, soll zuhause bleiben!

Poesie gegen Populismus
Sarah Bosetti stellt eine gewagte These auf: Die größte Gefahr für die Menschheit sind nicht Klima, Krieg und Katastrophen, sondern der Populismus.
Mausgerutscht? Klima-Terrorismus? Desinfektionsmittel gegen Corona? Geburtstagsparty für 69 Abschiebungen? Das ist das Niveau, auf dem die Mächtigen dieser Welt über die wichtigen politischen Fragen unserer Zeit sprechen. Dabei wären fast alle Krisen zu meistern, wenn wir ihnen mit ehrlicher Vernunft begegnen würden – was wir mit beeindruckender Konsequenz nicht tun. Deshalb nimmt Sarah Bosetti sich im Kampf gegen Fake News, Diskriminierung und Diskursverschiebung einige der schönsten, schlimmsten oder absurdesten populistischen Aussagen bekannter Persönlichkeiten vor – von Alice Schwarzer über Olaf Scholz bis Wladimir Putin – und beantwortet sie mit klugen und witzigen Gedichten. Sie bekämpft den Populismus mit der schärfsten Waffe, die sie hat: mit Poesie!
Sarah Bosetti ist Satirikerin, Autorin und Feministin wider Willen. Für ihre wöchentliche Satiresendung «Bosetti will reden!» (ZDF) wurde sie 2022 für den Deutschen Fernsehpreis nominiert. Zuvor wurde sie bereits u.a. mit dem Dieter-Hildebrandt-Preis und dem Deutschen Kleinkunstpreis ausgezeichnet. Sie moderiert den extra3-Podcast «Bosettis Woche» (NDR), in dem sie mit prominenten Gäst*innen das politische Geschehen bespricht, tourt mit ihrem Live-Programm durch den deutschsprachigen Raum und ist Kolumnistin bei WDR2 und radioeins (RBB).
«Also wenn die Kacke irgendwann zusammenbricht ... an Sarah Bosetti lag’s nicht.» – Marc-Uwe Kling
«Sarah Bosetti hat eine noch nie dagewesene Form des Kabaretts und der Satire entwickelt.» – Jury Dieter-Hildebrandt-Preis

Sarah Bosetti ist eine Erfindung ihrer Eltern. Seit 1984 ist sie anwesend, halb Mensch und halb Frau, studierte zunächst Filmregie in Brüssel und zog dann nach Berlin, wo sie sich seither zur Ersparnis eigener Heizkosten im Scheinwerferlicht der Lese- und Kabarettbühnen wärmt.
Neben Auftritten im ZDF (Die Anstalt), in der ARD (Nuhr im Ersten, Ladies Night), auf 3sat, ZDF.kultur und im WDR ist sie Kolumnistin bei radioeins (RBB) und tourt derzeit mit ihrem Soloprogramm »Ich hab nichts gegen Frauen, du Schlampe!« durch Deutschland. 2015 erschien ihr erster Roman »Mein schönstes Ferienbegräbnis« (Voland & Quist), 2017 das Buch »Ich bin sehr hübsch, das sieht man nur nicht so« und in diesem Jahr »Ich habe nicht gegen Frauen, die Schlampe!« (beide Rowohlt Verlag).

Einlass: 19:00 Uhr

Londoner Meister

Noa Wildschut | Violine
Ivor Bolton | Dirigent

Johann Christian Bach | Sinfonie g-Moll op. 6 Nr. 6
Wolfgang Amadeus Mozart | Violinkonzert A-Dur KV 219
Joseph Haydn | Sinfonie Nr. 103 (»mit dem Paukenwirbel«)


London war immer eine Musik-Metropole, keine Frage. Aber die, die einst für die Musik dort sorgten, trugen selten typisch britische Namen. Was letztlich aber kein Schaden war, lieferten diese neuen »Londoner Meister« doch allerfeinste Werke. Johann Christian Bach war einer von ihnen, Joseph Haydn ein anderer. Seine letzten Sinfonien schrieb Haydn in London, sie setzten nicht nur dort neue Maßstäbe. Als eine seiner modernsten, ja visionärsten gilt dabei die mit der Nummer 103. Sie hat einen Beginn, den man so schnell nicht vergisst: eine solistischen Pauken-Intrada – für das Londoner Publikum ein unerhörter Effekt und noch heute atemberaubend in ihrer Wirkung. Vor Haydn hatte bereits Johann Christian Bach in London den Ton angegeben, den »Londoner Bach« verehrte Mozart wie kaum einen anderen Komponistenkollegen – sie hatten sich 1764 ebendort kennengelernt. Nicht aus London, sondern aus der Nähe von Manchester stammt der Dirigent Ivor Bolton, in der Hauptstadt aber hat er studiert und dort in den 1980ern mit Ensembles der historischen Aufführungspraxis gearbeitet, bevor er in München, Salzburg und Madrid Karriere machte. Diesen vitalen, beherzten Zugriff aus der Welt der Alten Musik überträgt er regelmäßig auf die Welt der klassischen Sinfonieorchester – so dass nicht nur der berühmte Paukenwirbel besonderen Effekt machen wird.

Konzertdauer: ca. 105 Minuten – inklusive Pause
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London has always been a music metropolis, no question about it. But those who once provided the music there rarely bore typically British names. Which was ultimately no harm, as these new »London masters« produced some of the finest works. Johann Christian Bach was one of them, Joseph Haydn another. Haydn wrote his last symphonies in London, and they set new standards not only there. One of his most modern, even visionary symphonies is number 103, which has an opening that will not soon be forgotten: a solo timpani intrada – an unprecedented effect for the London audience and still breathtaking today. Before Haydn, Johann Christian Bach had already set the tone in London, and Mozart admired the »London Bach« more than almost any other fellow composer – they had met there in 1764. Conductor Ivor Bolton is not from London, but from near Manchester, but he studied in the capital and worked there with period performance ensembles in the 1980s before making a career in Munich, Salzburg and Madrid. He regularly transfers this vital, spirited approach from the world of early music to the world of classical symphony orchestras – so that not only the famous timpani roll will have a special effect.

Concert duration: about 105 minutes – including break

Hausöffnung: 19:00 Uhr Nach Vorstellungsbeginn besteht kein Anspruch auf Saaleinlass.

„Man ist selber schuld, wenn man sie einlädt, doch erst recht, wenn man sie verpasst.“

Kein Satz beschreibt die Saarbrücker Band Lumbematz besser. Chaotisch, sympathisch und garantiert nicht 08/15, liefern sie deutschsprachigen Rock mit Ecken, Kanten und einer ordentlichen Portion Spaß. Ihre Besonderheit? Zwei Geiger und eine Energie, die jedes Konzert zum Erlebnis macht.

Seit ihrem Debüt Bleibe stehen (2018) ziehen Anna und die Jungs das Publikum in ihren Bann. Mit ihrem charismatischen Stil, der irgendwo zwischen Ferienlager und handgemachter Rockmusik liegt, haben sie sich längst über ihre Heimat hinaus einen Namen gemacht. Über 7 Millionen Streams auf Spotify, ausverkaufte Konzerte und Auftritte bei Festivals wie dem Rocco del Schlacko sprechen für sich. Mit der EP Alles ist gut (2020) und dem Album Nichts Perfekt (2022) bewiesen sie bereits, dass deutschsprachiger Rock auch Geige verträgt, ohne an Rohheit zu verlieren.

2025 erscheint ihr neues Album LIGA. Es knüpft an diesen Geist an, klingt aber rauer, ehrlicher und intensiver als je zuvor. Die Songs, die live im Studio eingespielt wurden, erzählen von Freundschaft, Verlust, Neuanfängen und den kleinen wie großen Geschichten des Lebens. Lumbematz sind erwachsener geworden, aber eines bleibt: Ihre Konzerte fühlen sich immer noch an wie eine wilde Klassenfahrt – authentisch, nahbar und unvergesslich.

Ob auf Festivals, in Clubs oder als Support für Größen wie Rogers und Alex Mofa Gang: Lumbematz hinterlassen Eindruck und jede Menge Spaß. Wer sie einlädt, wird es nicht bereuen. Und wenn man sie verpasst? Naja, dann ist man eben selber schuld.

Einlass: 19:00 | Beginn: 20:00

Das Zwillingspaar Lotte und Luise weiß nicht voneinander, bis es sich in einem Ferienheim zufällig trifft. Die beiden freunden sich an und beschließen die Rollen zu tauschen, und zum jeweils anderen Elternteil heimzukehren. Dadurch stiften sie allerlei Verwirrung bis am Ende ihre Eltern wieder zueinanderfinden und das familiäre Happy-End gefeiert werden kann.

Regie Ulrich Cyran | Ausstattung Jana Wassong

MAGIC OF MOVIE XVII

Freitag, 30. Mai 2025, 19.00 Uhr, Staatstheater Darmstadt

Deutsche Philharmonie Merck

Juri Tetzlaff, Moderation

Markus Huber, Dirigent

Ob mit der Thüringen Philharmonie Gotha-Eisenach, dem Philharmonischen Orchester Pilsen oder einem der vielen anderen Orchestern, mit denen dieser Dirigent regelmäßig zusammenarbeitet: Filmmusik hat einen hohen Stellenwert für Markus Huber, seine Filmkonzerte sind große Abende des Entertainments. So ist es längst einmal an der Zeit, dass der sympathische Münchner mit dem großen Herz für den Blockbuster-Sound bei der Erfolgsreihe MAGIC OF MOVIE der Deutschen Philharmonie Merck zu Gast ist. Hier wird er Klassiker von John Williams zum Klingen bringen, aber auch einige unbekannte Scores, die aber nicht weniger eindrucksvoll demonstrieren: Ohne Filmmusik wäre Kino nur die Hälfte wert.

Tickets: 30 €/ 20 € *

* 50 % Ermäßigung für Kinder, Schüler: innen, Student: innen, Azubis, FSJler: innen. Der entsprechende Nachweis ist beim Einlass vorzuzeigen

Stereolab ist eine britische Rockband, die 1990 in London gegründet wurde. Die Band bestand ursprünglich aus Tim Gane (Gitarre und Keyboard) und Lætitia Sadier (Gesang, Keyboard und Gitarre), die als Haupttreiber und Konstanten über die vielen Wechsel im Line-up blieben. Stereolab wird zu den Vertretern des Post-Rock gezählt und spielt eine experimentelle Mischung aus Pop, Rock und Elektronik. Der Sound der Band wird durch den Kontrast zwischen mächtigen Orgelakkorden, meist im Farfisasound, und dem weiblichen, leicht schrägen englischen oder französischen Gesang bestimmt. Ebenso treffen Stilelemente von Easy Listening über Psychedelia bis Krautrock aufeinander. Stereolab ging 1990 aus der Band McCarthy hervor und bestand zunächst aus Tim Gane und Lætitia Sadier. Im selben Jahr wurden Joe Dilworth (Schlagzeug), Martin Kean (Bass) und Gina Morris (Keyboard und Begleitgesang) angeworben. Im Folgejahr wurde die erste Single Super 45 über das bandeigene Label Duophonic veröffentlicht. 1992 änderte sich die Besetzung erstmals und Andrew Ramsay (Schlagzeug) und Mary Hansen (Gesang, Keyboard, Gitarre) ersetzten Dilworth, Kean und Morris. Hansen blieb bis zu ihrem Unfalltod 2002 festes Mitglied. 1993 stießen Sean O’Hagan (Keyboard) und Duncan Brown (Bass) hinzu. Als zusätzliche Keyboarderin sprang ab 1994 Katherine Gifford ein, da sich O’Hagan vermehrt seinem Projekt The High Llamas widmete. Gifford wurde bereits 1996 von Morgane Lhote abgelöst. Im Jahr darauf wurde Brown von Richard Harrison am Bass ersetzt. Die Besetzung änderte sich in den folgenden Jahren noch mehrfach, weitere temporäre Mitglieder waren Simon Johns (Bass), Dominic Jeffery (Keyboard), Joe Walters (Keyboard, Horn und Gitarre) und Julien Gasc (Keyboard und Gesang). Am 2. April 2009 teilte die Band mit, auf unbestimmte Zeit eine Pause einlegen zu wollen. 2010 erschien noch das Album Not Music, auf denen noch Songs aus der Zeit versammelt sind, als die Band noch nicht pausierte. Seit 2019 ist Stereolab wieder aktiv. 2021 und 2022 erschienen Volume 4 und 5 der Serie Switched On, die Aufnahmen aus den 1990er und 2000er Jahren, jedoch kein neues Material enthalten.

Einlass: 18.00 Uhr

Hildegard Pfahlhammer besucht nach dem Fall der Mauer Cornelia Strunk, ihre Freundin aus der alten Zeit, den 80er Jahren. Damals war sie im Rahmen eines Schüleraustausches anlässlich der Weltfestspiele zu ihr in die DDR gekommen, um den real existierenden Sozialismus kennen zu lernen. Als Schülerinnen hatten sie sich getroffen, beide voller Begeisterung für ihre jeweilige Weltanschauung, die unterschiedlicher nicht sein konnte. Cornelia und Hildegard lassen nun die alte Zeit wieder aufblitzen mit all ihrer Leidenschaft, Herzlichkeit und Komik.

Spritzige Textpassagen machen dieses Theaterstück zu einem wahren Erlebnis. Geschichte und aktueller Witz reichen sich die Hand. Menschen, die damals geliebt und gelebt haben und junge Menschen von heute erfahren hier Zeitgeschehen aus einem ganz neuen Blickwinkel und dürfen sich dabei köstlich amüsieren.

Vor der Aufführung bieten wir ab 18.30 Uhr im Galli Theater Café unser legendäres OSSI-DINNER an (nur mit vorheriger Reservierung):

Vorspeise: Fettbemme mit saurer Gurke
Hautspeise: Königsberger Klopse mit Salzkartoffeln und Rote Beete Salat / Vegetarische Variante: Senfeier
Nachspeise: Schwedeneisbecher mit Vanilleeis, Apfelmus, Sahne und einem Schuss Eierlikör
Preis: € 34,50

Reservierung unter: cafe@galli.de oder wiesbaden@galli.de

Einlass: 19:30 Uhr

Podcasts gibt es viele, zu allen möglichen Themen, und in allen möglichen Kombinationen und Zusammensetzungen.
Vater und Sohn-Podcasts gibt es aber kaum welche.
„Das kann man ja ändern!“ haben sich da Max und Henni Nachtsheim gedacht, und „Wie Vater und Sohn“ ins Leben gerufen. Und dafür ziemlich viel Beachtung bekommen. Nicht nur von FFH, die den Podcast in ihr Funkhaus geholt haben, sondern vor allem von vielen Vätern und vielen Söhnen, die mit großem Interesse verfolgen, wie sich Max und Henni über alles Mögliche austauschen. Und weil das fast immer auch mit jeder Menge großen Humor geschieht, haben wir die Beiden überredet, damit auch auf die Bühne der „Käs“ zu kommen!
Und präsentieren stolz eine absolute Weltpremiere, denn auch wenn beide viel Live und Bühnenerfahrung haben, standen sie tatsächlich noch nie abendfüllend zusammen auf einer Bühne!
Freuen Sie sich auf einen besonderen Abend mit Max Nachtsheim, mittlerweile im deutschsprachigen Podcast-Bereich eine feste Größe („Radio Nukular“, „Mancave“ usw.) und Henni Nachtsheim („Badesalz“, „Dollbohrer!“ „Null null Sibbe!“ usw.) wenn es am 31.Mai heißt „Wie Vater und Sohn“!

Foyer und Bar ab 18:00 Uhr geöffnet. Einlass in den Saal ab 18:30 Uhr.