von Laura Naumann

Ein Projekt des 3. Jahrgangs Musical/Show in Zusammenarbeit mit den Studiengängen Bühnen- und Kostümbild der Universität der Künste Berlin (Wiederaufnahme)

Was ist uns unsere Erde wert? Die Umwelt? Das Klima? Wollen wir wirklich etwas ändern? Sind wir bereit, auf etwas zu verzichten? Geht gute Laune auch im Angesicht des Schreckens? Feurige Partys und heiße Shows? Wir machen weiter. Befragen unsere Machtlosigkeit. Wie wir das alles lieben: Bäume, Stühle, Käse, Kühe, Verbundenheit, gestreichelt werden, Ferien, Flugzeuge, Farne… Wir proben den Spagat zwischen Botschaft und Entertainment. Wir wollen beides: Bewusstsein und Rausch. Wir wollen unterhalten. Wir wollen sagen und singen, was eigentlich niemand hören will. Let's get this party started!

Inszenierung: Mathias Noack
Choreographie: Melissa King
Musikalische Leitung: Johannes David Wolff
Bühne: Eunkyung Jang und Josepha Lhuillier-Sion (Studiengang Bühnenbild)
Kostüme: Lynn Berner und Antonia Staecker (Studiengang Kostümbild)
Licht: Miriam Damm
Sound Design: Jakob Wundrack
Kampfchoreographie: Alfred Hartung
Regie- und Choreographische Assistenz: Fabio Kopf

Mit: Fenna Appold, Felix Bickele, Solen Brice, Anna Höfferer, Elias Raddatz, Katharina Shamiyeh, Michel Wiesinger

Dauer: 90 Min. (keine Pause)

Die Weimarer Republik war eine Gesellschaft im Ausnahmezustand: Hyperinflation, Massenarbeitslosigkeit und politische Gewalt auf den Straßen standen einem beispiellosen kulturellen Aufbruch gegenüber. Berlin wurde zur Welthauptstadt der Moderne – und die Kunst zum Seismografen dieser widersprüchlichen Zeit.

Die künstlerischen Antworten auf diesen Umbruch fielen höchst unterschiedlich aus. Lesser Ury hielt an der impressionistischen Formensprache fest und fing das flüchtige Großstadtleben im Lichtglanz der Berliner Metropole ein. Otto Dix und Georg Grosz hingegen radikalisierten ihre Bildsprache: Aus dem anarchischen Impuls des Dadaismus heraus entwickelten sie die Neue Sachlichkeit – eine schonungslose, oft bitterböse Bestandsaufnahme zwischen Kriegstrauma, Dekadenz und aufziehendem Faschismus. Otto Nagel und Karl Hofer wiederum wählten den Weg des expressiven Realismus und richteten ihren Blick auf die Verlierer der Moderne: die Armen, die Entrechteten, die Vergessenen.

So vielfältig diese Stile waren, so sehr eint sie ein gemeinsamer Impuls: Kunst als Reaktion auf gesellschaftliche Erschütterung, als Haltung und als Zeitzeugnis. Die Sonderausstellung „Ruin und Rausch" in der Neuen Nationalgalerie versammelt eindrucksvolle Werke all dieser Künstler. Der Kunsthistoriker Thomas R. Hoffmann nimmt dies zum Anlass, über die aktuelle Präsentation hinaus weitere Werke vorzustellen und sie in einen thematischen, inhaltlichen und stilistischen Dialog zu setzen.

Bild: Lesser Ury – In den Zelten (Berlin-Tiergarten) 1920er Jahre (Ausschnitt)

Ein Holocaust-Überlebender kehrt nach vielen Jahren nach Deutschland zurück. Er trifft auf Menschen, die weitergelebt haben, als wäre nichts geschehen. Das Kind, das er damals unter Zwang zeugen musste und nach dem er sucht, hat unterdessen, ohne seine Herkunft zu kennen, den umgekehrten Weg nach Israel angetreten. Ein generationenübergreifendes Geflecht aus Schuld und Vergebung, Nähe und Gewalt.

Das einzige Theaterstück des 2013 verstorbenen Schriftstellers Yoram Kaniuk wurde erst vor Kurzem im Nachlass entdeckt und feierte 2025 am TD Berlin seine Welturaufführung. Aus Kerem Hillels Regiekonzept, in dem alle Figuren Masken tragen, und der Musik von Meittam Govreen entsteht ein eindringliches Kammerspiel. Konkrete Dialoge treffen auf poetische Momente der Begegnung und schaffen in einem sich stetig zuspitzenden Bühnenbild einen atmosphärischen Raum der Aushandlung. Erinnerungen an die Verbrechen der NS-Zeit treten in Dialog mit dem Wunsch nach Erneuerung, zwischen Menschen, Kulturen und verhärteten nationalen Beziehungen.

„Was erinnern Sie nicht, wenn Sie sich erinnern?“ verbindet als bohrende Frage im Stück das Jetzt mit dem Damals. Geht es um richtig oder falsch – oder mehr darum, wie wir mit der Vergangenheit umgehen: sie verdrängen, festhalten? Oder können wir die Vergangenheit neu erzählen, bis wir uns endlich darin wiederfinden?

Eine Bildung, an der das Herz nicht beteiligt ist, ist keine. Passen wir mal auf, demnächst erwartet uns nach der großen Rechtschreibreform - die „BILD-DUNG“. Und dahinter steckt System, denn nur Dumme kann man richtig ausbeuten. “NU!” heißt das neue Programm, in dem der Volksschauspieler & Kabarettist fordert: Die Sprache der Deutschen sei Deutsch - Artikel 1 im Grundgesetz! Und so nimmt Uwe Steimle die Zuschauer mit durch seinen Bildungsweg. Dieser führt von Struppi, über den Zauberlehrling bis hin zu den kleinen und noch größeren Ausblicken auf die deutsche Politik. Wie sagte jüngst Markus Söder: „Nach der Flut, ist vor der Dürre“. Mittlerweile kann man in Deutschland Kabinett ja nicht mehr unterscheiden von Kabarett. So wirbt die CDU im Wahljahr 2025: „Wir denken vorher nach.“ Steimle denkt nach wie vor. Die Brücke in Dresden ist nicht eingestürzt. Sie ging nur zu Boden. Wie wir wurden was wir werden, werden. Mehr „W“ geht nicht. Mit seiner lakonischen Art und seiner feinen Ironie hat er sich Uwe Steimle ein treues Publikum erobert. Lassen wir uns wieder gefangen nehmen vom Zauberer von Ost, der es wie kaum ein anderer schafft, scharfzüngig und zugleich charmant den Finger in die zahlreichen westöstlichen Wunden zu legen. Neue liebenswerte und skurrile Geschichten von Uwe Steimle – immer getragen vom Bemühen Brücken zu bauen..

Eine Stunde Vorher

Aus der Reihe "Berliner Geschichten"

GEORG KREISLER: UNHEILBAR GESUND
Ein musikalischer Abend

Buch und Regie: Barbara Abend
Musikalische Einrichtung: Ute Falkenau
Mit: Carl Martin Spengler (Spiel, Gesang) und Jürgen Beyer (Klavier)

Dauer: ca. 1h 45 Min. (inkl. 1 Pause nach 50 Min.)

PREMIERE war am 11.10.2019 im THEATER IM PALAIS Berlin

Unter dem Titel GEORG KREISLER: Unheilbar gesund hat sich das bewährte Team, welches bereits mit dem Otto-Reutter-Abend Erfolge gefeiert hat, erneut einen genialen Bühnen-Autor ausgewählt.

Carl Martin Spengler und Peter-Philipp Röhm widmen sich, unter der Leitung von Barbara Abend, dem großen Österreicher.

Georg Kreisler war ein Genie, ein literarisch–musikalisches Genie, das es so wahrscheinlich nie wieder geben wird.
Was er schrieb und komponierte, war kein Kabarett, es waren schon gar nicht Chansons. Es war so viel mehr als Lyrik und Literatur. Es gibt keinen Begriff dafür, außer vielleicht den Titel einer seiner Schallplatten: Kreisleriana.

Er konnte mit Melodien und Musikstilen jonglieren, wie er wollte. Mit den Worten sowieso. Seine Lieder sind immer mehr-dimensional…er konnte grotesk kalauern und blödeln und dabei tieftraurig sein, er konnte scharf kritisieren und war dabei immer gewitzt.
(Eva Menasse, Schriftstellerin)

Bei Nennung seines Namens - Georg Kreisler - kommt´s prompt: “Tauben vergiften im Park“. Im Katalog seiner 500 Liedschöpfungen erfuhr dieses Lied heftige Kritik und giftige Ablehnung in den Wiener Medien nach seiner Rückkehr aus dem Exil.

Geboren in Wien teilte er, vierzehnjährig, das Los der jüdischen Einwohner Wiens, die das Glück hatten, unter Verzicht ihres Vermögens, 1938 /39 einen Auswanderungsbescheid in die USA zu erlangen.

Nach der kurzen Kindheit in Wien, der Flucht mit den Eltern über den Ozean kam der Durchbruch in New York und schließlich die Rückkehr in ein ihm fremdes Österreich, das ihn immer wieder frösteln ließ - Das 20.Jahrhundert machte aus Georg Kreisler einen Unbehausten, „der seine Heimat in der Kunst und in der Sprache fand. Er war ein Genie, das es so nie wieder geben wird.“ ( Atrium Verlag Zürich)

10 Jahre lebte er in Berlin und hatte Lesungen und Aufführungen seiner Bühnenwerke, seine gefeierten Abende bei den führenden Kabaretts in Berlin, den „Wühlmäusen“ und den „Stachelschweinen“, einen produktiven Kontakt mit dem Interpreten Tim Fischer, eine stilprägende Berliner (Theater)-Geschichte.

Über 500 Lieder, Romane, Essays, Kurzgeschichten, Theaterstücke und Opern – er hat ein unglaubliches Werk hinterlassen.

Einlass Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Können wir den Moment erkennen, in dem wir eine Grenze nicht überschreiten, nicht zustimmen oder nicht wegsehen sollten?
Was geschieht, wenn Zensur Teil des künstlerischen Schaffens wird? Wann beginnen Strategien des Überlebens, genau jenes System zu stützen, das sie ursprünglich aushalten oder überwinden sollten?
Jede Aufführung eröffnet einen Raum, in dem wir die Kräfte, die künstlerisches Schaffen prägen, genauer betrachten. Gemeinsam fragen wir, wie Zensur in unsere Entscheidungen, Gesten und Beziehungen eindringt. Was verändert sich, wenn wir eine Grenze überschreiten und aufgefordert werden, anderen Regeln zu folgen? Was hilft uns, der eigenen Kunst, der Kunst anderer und den Werten, für die wir einstehen möchten, treu zu bleiben?
Rebel-IST-hah! hat drei Künstler*innen eingeladen, diesen Raum gemeinsam zu betreten – sich zu begegnen, zu sprechen, zu schweigen, zu handeln und durch diese Fragen in Erscheinung zu treten.
Was können wir gemeinsam mit dem Publikum in diesem Raum zurücklassen – für diejenigen, die ihn nach uns betreten?

„Ich saß in einem großen Wartesaal, und der hieß Europa. Acht Tage später fährt der Zug. Das wusste ich. Aber wohin er fuhr und was aus mir werden sollte, das wusste kein Mensch. Und jetzt sitzen wir wieder im Wartesaal, und wieder heißt er Europa! Und wieder wissen wir nicht, was geschehen wird. Wir leben provisorisch!“

Als der arbeitslose Werber Fabian nach der letzten und vor der nächsten durchzechten Nacht an der populären Pommesbude der Metropole erwacht, findet er sich in ungeheuren Zuständen wieder. Den letzten Krieg im Rücken, die nächsten im Kopf gibt sich die Bevölkerung hingebungsvoll dem Hedonismus hin. „Herrlich“, denkt sich Fabian und schlummert beruhigt wieder ein. Kurz darauf versammelt sich eine kleine Gruppe besorgt um den regungslosen jungen Mann. Zwei vervetterte Betreiber einer populären Pommesbude der Metropole, eine Kennerin des internationalen Filmrechts, ein aufstrebender Germanist in Lederslacks, die Männerbordellbetreiberin Frau Moll und eine kommunistische Drag-Queen fragen ihn: „Junger Mann, was nun?“ Dieser erwacht und entgegnet: „Soll ich hingehen oder nicht? Wozu soll ich vorwärtskommen? Wofür und wogegen? Warum sitz ich nicht zuhause bei meiner Mutter, wo man den Untergang Europas genauso gut abwarten kann? Was macht die Kugel in meiner linken Arschbacke? Wer macht meiner Mutter Tee? Wann kommen wir an und in welcher Begleitung? Ist, wenn die Kriege aus sind, Frieden?“
Gemeinsam entschließt man sich zu weiteren Untersuchungen in die Cousine weiterzuziehen.

Erich Kästners Großstadtroman von 1933 zeichnet ein hellsichtiges Porträt einer Gesellschaft im Umbruch. Mit scharfem Witz, grotesker Überzeichnung und tiefer Melancholie schildert Kästner das Berlin der späten Weimarer Republik, eine Welt voller politischer Radikalisierung und moralischer Verwahrlosung, in der sich niemand mehr dazu herablassen mag, dem anderen zuzuhören. Im Zentrum steht bei Kästner der junge Fabian als ironischer Beobachter, der nicht ins Handeln findet, in den Wirbeln der Großstadt abgetrieben wird und einsam untergeht. Oft werden die gespenstischen Parallelen des Romans zur Gegenwart als Prophezeiung einer Wiederkehr der selbigen und absoluten Katastrophe gelesen.

Im RZt will man nicht auf den kulturpessimistischen Entwurf eines unumgänglichen Untergangs vertrauen und lässt Fabian nicht allein durch die Großstadt taumeln. Eine Gruppe Außenseiter diskutiert gemeinsam die Fragilität von Moral, Empathie und Widerständigkeit inmitten heutiger Krisenerfahrungen in Form eigener Texte, Drag-Show-Elementen und der wummernden Beats der Hausband 21 downbeat. So entsteht ein flimmerndes Stadtbild von Berlin, das man in dieser Form wohl nur im RZt erleben kann.

Gefördert vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln des Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien sowie aus Mitteln der Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt.

Seit nunmehr drei Jahrzehnten hat sich Gitarrist & Sänger Randy Hansen einen Ruf als einen der weltbesten Hendrix-Tributes erarbeitet.

Er hat im Laufe der Jahre unzählige Alben veröffentlicht, die sowohl herausragende Hendrix-Jams & Songs als auch sein eigenes authentisches, von Hendrix inspiriertes Riffing enthalten.

In einem Meer von Hendrix-inspirierten Gitarristen sticht Randy Hansen heraus und ist einer der wenigen offiziell von der Hendrix-Familie anerkannten Gitarristen.

Nachdem er unter anderem mit Uli Jon Roth, Jack Bruce, Paul Rodgers, Mitch Mitchell und Buddy Miles getourt und gespielt hat, legt Hansen ein wahres Zeugnis des `Vaters der Heavy Guitar` (Jimi) ab und erschafft mit seiner unbändigen Leidenschaft, Klanglandschaften, die vom Geist von Jimi Hendrix durchflutet sind.

Randy Hansen ist ein vollendeter Performer mit unglaublicher Tiefe, der die Fans mit seiner explosiven Show in seinen Bann zieht. Durch jahrelange harte Arbeit und unermüdliche Perfektionierung `seines Handwerks` hat er sich den Ruf eines Weltklasse-Gitarrenhelden verdient.
Hansen wurde von dem gefeierten Filmregisseur Francis Ford Coppola engagiert, um zum Soundtrack von „Apocalypse Now“, dem Oscar-Gewinner für den besten Sound von 1980, beizutragen. Der Film führte zu einem Plattenvertrag bei Capitol Records.

Heute tourt Hansen weltweit, aufgrund der anhaltenden Nachfrage der Fans in Amerika und Europa. Sei es mit der Randy Hansen Band oder in Zusammenarbeit mit anderen Entertainern wie Steve Miller, Paul Rodgers (Free, Bad Company, The Firm, Queen), Buddy Miles, Don Wilson (The Ventures), Alan White (YES, John Lennon), Sammy Hagar, Herbie Hancock, Stevie Ray Vaughn, Robert Cray, Roger Fisher (Heart), Bob Segar und Hendrix-Alumni Noel Redding und Mitch Mitchell, um nur einige Künstler zu nennen mit denen er kooperiert hat.

Einlass 21 Uhr

Gehobene Unterhaltung
KABARETT OBELISK mit Bella Liere, Andreas Zieger und Lutz Andres
NEUES PROGRAMM:

DAS DSCHUNGELCAMP IN SANSSOUCI
Willkommen zum kulturellen Totalschaden des Jahres! Die Welt - voller Probleme. Ja klar. Doch das POTSDAMER KABARETT macht´s jetzt der deutschen Unterhaltungsindustrie gleich. Erleben Sie ein provokativ, extraordinäres Spezial - Spektakel zwischen Ruhm, Restwürde und Rattenprüfung. BELLA LIERE, ANDREAS ZIEGER und LUTZ ANDRES kämpfen um die goldene Kartoffel der Aufklärung. Gastauftritte großer Stars von ABBA bis Nena sind geplant. Keiner sagt ab, alle brauchen die Kohle! (Inflation! Inflation!..) NiwoWoNiNiwoWar –dennoch, bitte helfen Sie mit, das Beste aus diesem Abend zu machen! Wir zählen auf Sie!

Die The Reverend Peyton’s Big Damn Band ist eine dreiköpfige amerikanische Country-Blues-Band aus Brown County, Indiana.
Die Band entsteht in der Mitte des neuen Jahrtausends in Bloomington in Indiana um den 1981 geborenen Frontmann Reverend Peyton (Gesang, Gitarre). Zur Seite stehen ihm seine spätere Frau Breezy (Waschbrett) und Jacob Powell (Schlagzeug).
Die dreifach für den BMA nominierte The Reverend Peyton’s Big Damn Band gilt als “die beste Vorgarten-Bluesband der Welt”. Sie werden von Reverend Peyton angeführt, den die meisten für einer der besten Fingerpicker der Neuzeit halten. Er hat sich den Ruf erworben, sowohl ein einzigartig fesselnder Künstler als auch ein überzeugender `Evangelist` für den bodenständigen Country-Blues-Stil zu sein, der schon früh seine Fantasie beflügelte und ihn und seine Band dazu inspirierte, nach Clarksdale, Mississippi, zu pilgern, um von Blues-Meistern wie T-Model Ford, Robert Belfour und David “Honeyboy” Edwards zu lernen. Ihr Album `Dance Songs For Hard Times` erreichte Platz 1 der Billboard, iTunes und Sirius XM Blues Charts und wurde von Grammy-Gewinner Vance Powell (Jack White, Chris Stapleton) produziert. Das Album wurde von Rolling Stone, Relix, Popmatters, Guitar World, American Songwriter, No Depression, Glide, Wide Open Country, Paste, American Blues Scene und vielen anderen hochgelobt!

Das aktuelle Studio Album Honeysuckle erschien im Februar 2025. „Honeysuckle“ wurde von Reverend Peyton selbst produziert und aufgenommen und ebenfalls von Vance Powell (Chris Stapleton, Jack White) gemischt. Auf dem Album sind zahlreiche Gastmusiker zu hören, darunter die Gospelgruppe The McCrary Sisters im Song „Manger“, der Blues-Music-Hall-of-Famer und Grammy-nominierte Mundharmonikaspieler Billy Branch, der im Blind-Lemon-Jefferson-Song „Nell (Prison Cell Blues)“ mitwirkt, der Grammy-Preisträger und zehnfache IBMA-Fiddle-Spieler des Jahres Michael Cleveland im Song „Freeborn Man“ sowie Colton Crawford von The Dead South am Banjo in „The Good Die Young“.
Ihre Auftritte sind mitreißend und energiegeladen, ihre Musik mischt Blues, Folk und Punk, ihre Texte erzählen von dem alltäglichen Leben.
Pressezitate:
"Kindred spirits to Reverend Peyton are John Lee Hooker and RL Burnside." - The Washington Post
"Like the Rolling Stones in the 60's, Reverend Peyton is bringing young music fans back to the blues." - American Blues Scene

von Toks Körner

auf Deutsch mit englischen ÜT

– Bitte beachten Sie, dass während der Vorstellungen Stroboskoplicht verwendet wird!


Samo ist bildender Künstler. Geschickt ist es ihm gelungen, seine Werke für sich sprechen zu lassen. Als Person tauchte er bisher in der Öffentlichkeit nicht auf. Aber seine Werke sind gefeiert.

Und plötzlich steigt der Druck, Journalist*innen und Kunst-Makler*innen wittern eine Geschichte, rücken näher. Das Gesicht zu zeigen, wäre eine Sensation; eine pikante Story, eine Preissteigerung - so das Kalkül. Aber Samo zögert. Denn der Preis, den er zu zahlen hätte, könnte hoch sein, existenzgefährdend hoch. Ein Wettlauf um Selbstbestimmung und Deutungshoheit, eine erzwungene Performance um das Recht am eigenen Bild beginnt.

Aesthetics of Color - ein Kammerspiel zeigt einen Künstler und seine Strategie in einem weißen Markt zu überleben. Schwarze bildende Künstler*innen haben Absatz, sie scheinen Teil der weltweiten Kunstzirkulationen aus Biennalen und Messen zu sein. Ein neuer Hype in der geweißten Kunstwelt! Aber was produzieren sie? Welche Räume bieten die freien Künste? Wer kann sich darin wie behaupten? Und was ist der Preis, den man zu zahlen hat, wenn man sich im White Cube dem freien Markt der Kunst aussetzt?

Für sein Drama Aesthetics of Color - ein Kammerspiel ließ sich Toks Körner von Protagonist*innen der Berliner Kunstszene inspirieren, zahlreiche Interviews bilden den Ausgangspunkt. Es ist eine Betrachtung der Mechanismen der kosmopolitischen Szene, in der Autonomie, Kreativität und Freiheit zentrale Werte sind. Es ist eine scharfe Analyse der Projektionen, die im Namen der Kunstkritik über Werke und Kunstschaffende gelegt werden. Es ist eine zeitgenössische, selbstbestimmte Repräsentation eines Schwarzen Künstlers im Medium des Theaters. Der vielfach allein geführte Kampf - um Anerkennung, Würde und Auskommen - bekommt hier, mit der Produktion Aesthetics of Color - ein Kammerspiel, einen Raum, eine theatrale Form, eine Öffentlichkeit.

Der Schauspieler und Drehbuchautor Toks Körner schrieb 2017 seinen ersten Theatertext: Walking Large. Die gleichnamige Inszenierung (Regie: Atif Mohammed Nor Hussein) am Ballhaus Naunynstraße war für den Monica-Bleibtreu-Preis nominiert und zu den Privattheatertagen 2018 eingeladen. Aesthetics of Color ist das zweite von ihm geschriebene Drama und sein Debüt als Regisseur.


Foto: Zé de Paiva

Ein Holocaust-Überlebender kehrt nach vielen Jahren nach Deutschland zurück. Er trifft auf Menschen, die weitergelebt haben, als wäre nichts geschehen. Das Kind, das er damals unter Zwang zeugen musste und nach dem er sucht, hat unterdessen, ohne seine Herkunft zu kennen, den umgekehrten Weg nach Israel angetreten. Ein generationenübergreifendes Geflecht aus Schuld und Vergebung, Nähe und Gewalt.

Das einzige Theaterstück des 2013 verstorbenen Schriftstellers Yoram Kaniuk wurde erst vor Kurzem im Nachlass entdeckt und feierte 2025 am TD Berlin seine Welturaufführung. Aus Kerem Hillels Regiekonzept, in dem alle Figuren Masken tragen, und der Musik von Meittam Govreen entsteht ein eindringliches Kammerspiel. Konkrete Dialoge treffen auf poetische Momente der Begegnung und schaffen in einem sich stetig zuspitzenden Bühnenbild einen atmosphärischen Raum der Aushandlung. Erinnerungen an die Verbrechen der NS-Zeit treten in Dialog mit dem Wunsch nach Erneuerung, zwischen Menschen, Kulturen und verhärteten nationalen Beziehungen.

„Was erinnern Sie nicht, wenn Sie sich erinnern?“ verbindet als bohrende Frage im Stück das Jetzt mit dem Damals. Geht es um richtig oder falsch – oder mehr darum, wie wir mit der Vergangenheit umgehen: sie verdrängen, festhalten? Oder können wir die Vergangenheit neu erzählen, bis wir uns endlich darin wiederfinden?

Der Komödienklassiker von Neil Simon erlangte 1968 durch die Verfilmung
von »The Odd Couple« mit dem beliebten Komikerduo Jack Lemmon und
Walter Matthau weltweite Bekanntheit.
Inhalt: Als der Putz- und Ordnungsfanatiker Felix nach 25-jähriger Ehe von seiner Frau vor die Tür gesetzt wird, nimmt sein Freund Oscar ihn bei sich auf. Die »eheähnliche Gemeinschaft« entwickelt sich bald zur »Beziehungskrise« – mit dem einzigen Unterschied, dass das ewig putzende Heimchen am Herd eben keine Frau ist, sondern der hypochondrische Felix. Die Skat-Freunde können nur kopfschüttelnd zusehen. Aber vielleicht ergibt sich doch noch ein Ausweg aus dem Desaster? Ein handfestes – aber urkomisches – Beziehungschaos!

Regie: Marten Sand
Kostüme: Ulrike Stelzig-Schaufert

Oscar Guido Hammesfahr
Felix Marten Sand
Winne Harald Effenberg
Manne Johannes Hallervorden

Die Produktion ist eine Wiederaufnahme und Gastspiel der Seefestival UG
Foto: DERDEHMEL/ URBSCHAT

von Toks Körner

auf Deutsch mit englischen ÜT

– Bitte beachten Sie, dass während der Vorstellungen Stroboskoplicht verwendet wird!


Samo ist bildender Künstler. Geschickt ist es ihm gelungen, seine Werke für sich sprechen zu lassen. Als Person tauchte er bisher in der Öffentlichkeit nicht auf. Aber seine Werke sind gefeiert.

Und plötzlich steigt der Druck, Journalist*innen und Kunst-Makler*innen wittern eine Geschichte, rücken näher. Das Gesicht zu zeigen, wäre eine Sensation; eine pikante Story, eine Preissteigerung - so das Kalkül. Aber Samo zögert. Denn der Preis, den er zu zahlen hätte, könnte hoch sein, existenzgefährdend hoch. Ein Wettlauf um Selbstbestimmung und Deutungshoheit, eine erzwungene Performance um das Recht am eigenen Bild beginnt.

Aesthetics of Color - ein Kammerspiel zeigt einen Künstler und seine Strategie in einem weißen Markt zu überleben. Schwarze bildende Künstler*innen haben Absatz, sie scheinen Teil der weltweiten Kunstzirkulationen aus Biennalen und Messen zu sein. Ein neuer Hype in der geweißten Kunstwelt! Aber was produzieren sie? Welche Räume bieten die freien Künste? Wer kann sich darin wie behaupten? Und was ist der Preis, den man zu zahlen hat, wenn man sich im White Cube dem freien Markt der Kunst aussetzt?

Für sein Drama Aesthetics of Color - ein Kammerspiel ließ sich Toks Körner von Protagonist*innen der Berliner Kunstszene inspirieren, zahlreiche Interviews bilden den Ausgangspunkt. Es ist eine Betrachtung der Mechanismen der kosmopolitischen Szene, in der Autonomie, Kreativität und Freiheit zentrale Werte sind. Es ist eine scharfe Analyse der Projektionen, die im Namen der Kunstkritik über Werke und Kunstschaffende gelegt werden. Es ist eine zeitgenössische, selbstbestimmte Repräsentation eines Schwarzen Künstlers im Medium des Theaters. Der vielfach allein geführte Kampf - um Anerkennung, Würde und Auskommen - bekommt hier, mit der Produktion Aesthetics of Color - ein Kammerspiel, einen Raum, eine theatrale Form, eine Öffentlichkeit.

Der Schauspieler und Drehbuchautor Toks Körner schrieb 2017 seinen ersten Theatertext: Walking Large. Die gleichnamige Inszenierung (Regie: Atif Mohammed Nor Hussein) am Ballhaus Naunynstraße war für den Monica-Bleibtreu-Preis nominiert und zu den Privattheatertagen 2018 eingeladen. Aesthetics of Color ist das zweite von ihm geschriebene Drama und sein Debüt als Regisseur.


Foto: Zé de Paiva