Philippiner*innen sind dafür bekannt, in vielfältigen Rollen „der Welt zu dienen“ – sie übernehmen weltweit Jobs im Dienstleistungssektor, als Haushaltshilfen, Service- und Pflegekräfte oder Entertainer*innen. Mit wuchtigem Pop und gefühlvollen Balladen gehen Eisa Jocson und ihre Mitstreiter*innen dem Phänomen der „Overseas Filipino Musicians (OFM)“ nach – Coverbands, die die globale Nachfrage nach westlicher Musik in Hotels, Clubs und Vergnügungsparks bedienen. Auf dem stimmlichen und gestischen Repertoire der Single „Superwoman“ (1989) der amerikanischen R&B-Sängerin Karyn White aufbauend, setzt sich „The Filipino Superwoman Band“ mit weiblich konnotierter Gefühls- und Sorgearbeit auseinander. Der Song, der in den 90er-Jahren ein Hit in Manila war, behandelt die Klage einer Ehefrau, als zu selbstverständlich angesehen zu werden. In ihrem Live-Band-Format mit Sounddesign von Teresa Barrozo und Videoprojektionen von Franchesca Casauay feiern die Performer*innen Eisa Jocson, Bunny Cadag und Cathrine Go die Stärke und Vielfalt philippinischer Arbeitsmigrant*innen.

Foto: Joyie's Studio

Gespräch im Anschluss

Die Philippinen sind geprägt von Migration. Unzählige Menschen verlassen ihre Heimat, um als „Overseas Workers“ in der Seefahrt und im Gesundheitswesen, als Hausangestellte, Musiker*innen oder Entertainer*innen in anderen Ländern, Kulturen und Sprachen zu arbeiten. Die ortsspezifische Performance „Speak, my language“ schafft einen intimen Raum, in dem das Verhältnis der Stimme zur Erfahrung der Migration im Mittelpunkt steht. Sie ist stark von Angeline de Dios‘ Forschung und ihrer eigenen Erfahrung als Migrantin geprägt. Über Jahre hat die Soundkünstlerin und Wissenschaftlerin die Arbeit philippinischer Musiker*innen im Ausland erforscht, bevor sie selbst aus persönlichen Gründen nach Polen gezogen ist. Mit den anderen Arbeitsmigrant*innen teilt sie nun die Erfahrung, außerhalb ihrer Heimat zu leben, aber dennoch mit ihr verbunden zu sein. Mit Hilfe von Gesangskompositionen und nichtlinearen Bewegungen, unterstützt durch die Choreografie von Madge Reyes und die Dramaturgie von Jaya Jacobo, füllt de Dios den Aufführungsraum mit einem „inneren Radio“, das die Geschichte des Zuhörens und Singens für Andere in der philippinischen Stimme zum Ausdruck bringt. Das Stück macht zugleich die beharrliche Sehnsucht erfahrbar, sich selbst zu hören – zwischen und durch die vielen Migrationen in andere Sprachen, für andere Ohren –, die zugleich Frage und Möglichkeit ist.

17:30 Uhr Einführung

Eine Koch-Satire von Michael Herl

Dr. Kögel: Ilja Kamphues
Regie: Manfred Roth
Bühnenbild/Licht: Herbert Huber
Fotos: Harald Schröder

Eine Produktion des Stalburg Theaters in Zusammenarbeit mit dem Hessischen Rundfunk

Uraufführung 26. September 2002 im Stalburg Theater

Einlass 19:00 Uhr

Einlass ab 17:30 Uhr

Schon über 20 Jahre sind Brigitte und Herbert Schwerdtfeger, gespielt von Gabriele Meyer und Jörg Zick das hessische Vorzeigeehepaar schlechthin und bieten hessische Comedy – hemmungslos, geschwätzig, zankend und philosophisch – so komisch, wie eine nachmittägliche Talkshow und so absurd wie Beckett. Zwei wie aus dem richtigen Leben, die weder miteinander noch ohneeinander auskommen können.

Brigitte ist die Plappertante. Sie betreibt ein Nagelstübchen, nimmt das Leben locker, will vor allem ihren Spaß.

Für Herbert ist das oft nicht ganz so spaßig, aber er ist die Gelassenheit in Person. Als langjähriger Sparkassenangestellter legt er Wert auf Ordnung und Sauberkeit und ist zudem sehr harmoniebedürftig.

Das Ehepaar Schwerdtfeger ist ein Garant für beste Unterhaltung und der Beweis dafür, dass sich Gegensätze anziehen. Nach über 20 Jahren Bühnenehe lieben sie sich noch immer, auch wenn man das nicht immer merkt …

Als der Schriftsteller Paul Sheldon die Hauptfigur seiner erfolgreichen Romanserie „Misery“ sterben lässt, will er sich endlich anspruchsvollerer Literatur widmen. Doch kaum hat er ein neues, tiefgründigeres Buch fertiggestellt, verunglückt er auf schneeglatter Straße in den Bergen Colorados und wird in seinem Wagen eingeklemmt. Die Krankenschwester Annie findet ihn, befreit ihn schwer verletzt aus dem Wrack und nimmt ihn mit auf ihre abgelegene Farm, um ihn zu pflegen.

Es stellt sich heraus, dass Annie Pauls größter Fan ist und die Romanfigur Misery über alles liebt. Dass diese nun im letzten Roman sterben musste, kann sie nicht verwinden und schmiedet einen Plan. Mit brutaler Gewalt zwingt sie den hilflosen Paul, eine weitere Folge zu schreiben und Misery wiederauferstehen zu lassen. Es entbrennt ein Spiel von gegenseitigen Abhängigkeiten, das sich immer mehr steigert. Paul wird klar, dass er seine bisher größte Geschichte planen muss: wie er mit seinem Leben davonkommt.

1990 wurde Stephen Kings Bestseller „Misery“ mit Kathy Bates und James Caan erfolgreich verfilmt. Das Drehbuch schrieb Oscar-Preisträger William Goldman, der auch das Theaterstück verfasste. Es hatte im Jahre 2015 am Broadway Premiere.

"Laut wird es selten. Das ist feinstes Konversationstheater. Vorerst. Mag sein, dass vorher einige denken: Warum brauchten sie denn Katharina Wiedenhofer, um eine Kampfchoreografie einzustudieren? Nachher denkt man das nicht mehr. Katharina Wiedenhofer hat ganze Arbeit geleistet". Ovationen im Stehen, auch in der Stalburg keine Selbstverständlichkeit". (Judith von Sternburg, Frankfurter Rundschau)

Einlass 19 Uhr

Feste soll man feiern wie sie kommen, und am besten mit den besten Freunden!

Ihr hattet gefragt, sogar mehrfach gefragt. Das erste MaschinenBoot ist bei Euch sehr gut angekommen. Und daher gehen wir in die nächste Runde. Dieses Mal dann auch ausserhalb der Ferien, sodass keiner mehr eine Ausrede hat :)

EBM - ELECTRO - INDUSTIRAL - FUTUREPOP - ELECTROCLASH - TECHNOBODYMUSIC und mehr! Das Beste aus Nacht der Maschinen - Return to the Classixx - Excited Celebration und alles was das ElectronicDanceArt Herz so begehrt!

Wie immer auf der Wappen ist das Kontingent begrenzt. Also nicht zu lange warten, denn wie immer gilt ...
"wenn ausverkauft - dann ausverkauft! Es gibt keine Abendkasse"

Wir freuen uns auf einen tollen Abend mit Dir!

Boarding 19:00h
Start 19:45h
Rückkehr 0:00h

Boarding: 19:00

Your favorite comedi-hens Abby & René are back again for a night of eggs-citing improv! We will gather a whole new hen-semble of fun guests for more hi-jinks and hilarity. Don´t miss it! It will be clucking awesome!

IN ENGLISH LANGUAGE!

MIRJA REGENSBURG
„HAPPY.”

Das neue Programm ab Herbst 2023

„Don´t worry, be happy!“
„Happy wife, happy life!“
„Choose happy!“

Vom Wandtattoo bis Mottoshirt:
Feel-Good-Botschaften wie diese gibt es unzählige. Wenn`s nur so einfach wäre! Glücklich sein wollen wir alle, aber wer kriegt´s auch wirklich hin?
Mit ihrem neuen Programm HAPPY. verspricht Mirja Regensburg: Gemeinsam schaffen wir´s – und es wird ein Riesenspaß!

In ihrer Show lernen wir die merkwürdigsten Menschen der Welt kennen: Uns selbst! Dabei werden wir herausfinden, wer uns das Glücklichsein am schwersten macht. (Spoiler: Es sind in den seltensten Fällen „die Anderen“.)
Mirja erzählt uns auf ihrem Weg zum Glück von den alltäglichsten Situationen, in denen wir uns alle wiederfinden. Vielleicht ist es manchmal nur eine Frage der Perspektive:
Ärgere ich mich, wenn überall Socken des Partners „herumstehen“ oder bin ich einfach froh, dass er überhaupt noch da ist? Ist mein Glas halb voll, halb leer oder bin ich Flaschenkind?
Was macht uns überhaupt HAPPY.? Familie, Geld, Sport, eine neue Harley oder Schuhe und Schokolade?

Kein grummeliger Mensch ist vor Mirja sicher. Ein Abend mit der „herrlichen Quasselstrippe mit dem Herz auf der Zunge“ (O-Ton ihrer Fans) lädt unsere Gute-Laune-Akkus wieder auf!

Herzerwärmend, augenzwinkernd und spontan verbindet Mirja mit ihrer Comedy-Show die Menschen in ihrem Publikum. Ihr Ziel: Lachen bis die Muffinjeans platzt!
Mit- und nicht übereinander. Das versteht sich von selbst.
Immer anders, immer interaktiv und mit Lach-zurück-Garantie.
Ein prall gefüllter Abend mit Stand-Up-Comedy, Gesang und Improvisation:
HAPPY. mit Mirja Regensburg.

Einlass in den Saal ab 18:30 Uhr.

Die Philippinen sind geprägt von Migration. Unzählige Menschen verlassen ihre Heimat, um als „Overseas Workers“ in der Seefahrt und im Gesundheitswesen, als Hausangestellte, Musiker*innen oder Entertainer*innen in anderen Ländern, Kulturen und Sprachen zu arbeiten. Die ortsspezifische Performance „Speak, my language“ schafft einen intimen Raum, in dem das Verhältnis der Stimme zur Erfahrung der Migration im Mittelpunkt steht. Sie ist stark von Angeline de Dios‘ Forschung und ihrer eigenen Erfahrung als Migrantin geprägt. Über Jahre hat die Soundkünstlerin und Wissenschaftlerin die Arbeit philippinischer Musiker*innen im Ausland erforscht, bevor sie selbst aus persönlichen Gründen nach Polen gezogen ist. Mit den anderen Arbeitsmigrant*innen teilt sie nun die Erfahrung, außerhalb ihrer Heimat zu leben, aber dennoch mit ihr verbunden zu sein. Mit Hilfe von Gesangskompositionen und nichtlinearen Bewegungen, unterstützt durch die Choreografie von Madge Reyes und die Dramaturgie von Jaya Jacobo, füllt de Dios den Aufführungsraum mit einem „inneren Radio“, das die Geschichte des Zuhörens und Singens für Andere in der philippinischen Stimme zum Ausdruck bringt. Das Stück macht zugleich die beharrliche Sehnsucht erfahrbar, sich selbst zu hören – zwischen und durch die vielen Migrationen in andere Sprachen, für andere Ohren –, die zugleich Frage und Möglichkeit ist.

Der Choreograf und Tänzer Aaron Kaiser Garcia wurde auf der berühmten Philippine High School for the Arts in verschiedenen Formen des philippinischen Volkstanzes ausgebildet. In einer außergewöhnlichen Lecture-Performance unterzieht er diese Tänze nun einer Revision – präzise, klug und mit feinem Humor. Wie werden Erfindungen zu Traditionen? Was passiert, wenn Bewegungen nicht mehr uns gehören? Wenn unsere Gesten choreografiert werden, um die Interpretation und Wahrnehmung eines anderen von uns darzustellen? Garcia legt die kolonialen Schichten, die politischen und ökonomischen Machtstrukturen und Vorgänge der Institutionalisierung offen, die in die tänzerischen Praktiken eingeschrieben sind und von Unterdrückung, Ausbedeutung, Enteignung und Auslöschung erzählen. Dabei dreht der Choreograf existierende Regeln um. Er versucht die Schichten des kommerziellen Konsums abzutragen, die den tanzenden Körper geformt haben und umhüllen, mit dem Ziel dieses gestohlene „Kulturgut“ zurückzuerobern.

Foto: Mei Lim

Einlass ab 17:30 Uhr

“The Times They Are a-Changin’” sang Bob Dylan, Kanzler Scholz sprach von einer Zeitenwende, Wolf Biermann wusste „Nur wer sich ändert, bleibt sich treu“. Und Lore und Harry? Da hat sich auch einiges geändert. Sie sind in die Jahre gekommen, ihre wilden Zeiten sind vorbei, ihr Summer of Love ist zum Spätherbst geworden. Immerhin haben sie es trotz aller Widrigkeiten des freigeistigen Daseins geschafft, mehr als 30 Jahre verheiratet zu sein. Und das soll jetzt auch so bleiben.

Aber wie? Die umtriebige Lore ist mit großem Engagement im Literaturbetrieb beschäftigt. Der brummelige Harry hingegen, pensionierter Baurat, trinkt gelegentlich gerne ein Weizenbier und kümmert sich innig um den Rittersporn in seinem Garten. Lore befürchtet allerdings, Harry könne sich für den Rest seines Lebens nur noch innig um den Rittersporn in seinem Garten kümmern und gelegentlich gerne ein Weizenbier trinken. So sticheln sie sich durch ihre Tage. Sich irgendwie liebend, gleichzeitig sich gegenseitig auf die Nerven gehend.

Doch dann geschieht etwas, was die beiden wieder an einem Strang ziehen lässt: Tochter Gloria heiratet. Und das zum dritten Mal. Und dann noch den schnöseligen Sohn eines „Immobiliendreckskerls“, wie Harry befindet. Aber dann entwickelt er „einen grimmigen Spaß an der ganzen Sache“ und sieht darin „eine Auffrischungskur für seinen alten antikapitalistischen Kampfgeist“. Also auf zur Hochzeit. Und zwar in der alten Cordjacke.

"Ein wunderbar leicht dahinfließender Dialogroman, der aber letztlich schwer wiegt. Ein bühnenreifes Capriccio." Mathias Schreiber, „Der Spiegel“

*Elke Heidenreich schrieb den Roman „Alte Liebe“ zusammen mit ihrer alten Liebe Bernd Schroeder, mit dem sie eine gute Weile verheiratet war. "Wir hatten zwanzig glückliche Jahre, fünf tapfere, zwei grauenhafte und jetzt unseren Frieden“, resümierte sie einmal in der „Brigitte“. Aus dem Roman erarbeitete sie dann ein Theaterstück, das nun zum ersten Mal in Frankfurt aufgeführt wird.*

Mit Katja Hufgard und Hans Richter
Regie: Rainer Ewerrien

Einlass 19 Uhr

Sonntag, 21.09.2025, 11:00 Uhr
Dreikönigskirche Frankfurt am Main

Kantatengottesdienst

Johann Justus Kahle (1668-1740)
"Jauchzet dem Herrn, alle Welt"

Simone Schwark | Sopran
Telemann-Ensemble Frankfurt

Andreas Köhs | Leitung und Orgel
Pfarrerin Slike Alves-Christe | Liturgie und Predigt

Von denen ganz da oben ist nichts mehr zu erwarten, das ist klar. Die Götter sind malade und kraftlos, die Geister zu porös zum Spuken. Und so liegt es wieder einmal an Die Heiterkeit, uns mit der für sie ureigenen zärtlichen Strenge an den Trampelpfad zu geleiten, der uns jetzt wieder rausführt aus diesem Schlamassel. Oder, noch besser, hinein in eine neue, in Wahrheit natürlich uralte Welt des magischen Denkens. Nach dem leichten Glanzpop von „Was Passiert Ist“ strahlt Die Heiterkeit nun mächtig-mystisch in einem Schmiedewerk zwischen Pop und Folk und geht mit selbstverständlicher großer Geste ganz aufs Elementare. „Manchmal hilft nur noch schwarze Magie“, singt Stella Sommer und nimmt uns, sicher eingehüllt in warme Klangkapuzen, mit auf den Teufelsberg und zwischen die Zeilen der großen Songwritingkunst.

Wer im 15. Heiterkeitsjahr und bei ihrem insgesamt mittlerweile 9. Album (bisher: 4x Die Heiterkeit, 3x Stella Sommer, 1x Die Mausis) immer noch bass erstaunt auf Sommers dunkle Stimme verweist und erneut nur die längst abgegrabbelten wohlfeilen Vergleichsverweisen herauskramt, verpasst das spektakulär einzigartige in dieser Musik, das niemand in diesem Land so scheinbar mühe- und vor allem furchtlos beherrscht wie Stella Sommer. Und man verpasst, mit welch großer Songwriterin und Musikerin man es zu tun hat. Wie der Vorgänger „Was Passiert Ist“ entstand auch „Schwarze Magie“ wieder in enger Zusammenarbeit von Sommer und Produzent Moses Schneider.

Dieses Album klingt gleichzeitig neu und vertraut, schwer und leicht. Wie eine Sammlung der größten Popsongs aus der goldenen Zeit, bevor diese Musik hohl und ausgebleicht klang. Nichts lässt hier an deutsche Indiemusik denken. Das Great American Songbook diente Sommer als Inspiration (schon Frank Sinatra sang schließlich über „Witchcraft“), ein Zitat aus einer Elvis-Rede wird leichterhand zum Impuls für ein Lied über die Gefahren zu erfolgreicher Manifestation („Alles, was ich je geträumt hab“).

„Schwarze Magie" besitzt eine Tiefe und alte Weisheit, die hierzulande ihresgleichen suchen. Wie schwere Samtvorhänge legt sich dieses Album mit Abgründigkeit und einnehmender Gravitas auf unsere so genannte Wirklichkeit, immer wieder blitzt dabei der ganz eigene Heiterkeit-Esprit auf. Stella Sommer ist die Frau, die nicht nur den Blitz, sondern unbedingt auch den Witz in ihrer Jackentasche trägt.

Und ein Gespür dafür, welche Interpretation des ursprünglich persischen Hoffnungsmantras „This too shall pass“ wir gerade brauchen: „Auch das hier wird vorübergehen“, singt Stella Sommer: „Der Mund ist eine Wunde, die lacht / auch das hier wirst du überstehen.“

In „Teufelsberg“ heißt es: „Manchmal merkt man erst, dass man einsam war, wenn man es nicht mehr ist.“ Und wie sehr Die Heiterkeit gefehlt hat, hört man unbedingt, wenn sie nach sechs Jahren mit diesem Meisterwerk zurückkommt.

Einlass: 19 Uhr / Stehplatz

The Genitorturers are not just a band—they’re a full-on sensory assault, a electrifying fusion of sound and spectacle that defies convention and demands attention. Hailing from the United States, this industrial metal powerhouse has carved out a notorious reputation since their inception, blending the raw aggression of heavy metal with the abrasive, mechanical pulse of industrial music. But what truly sets them apart is their fearless dive into the provocative, the taboo, and the unapologetically sensual—a cocktail of performance art and sonic chaos that leaves audiences both captivated and unsettled.

Led by the enigmatic and commanding presence of frontwoman Gen, the Genitorturers emerged from the underground scene with a mission to push boundaries. Their music is a visceral experience—think grinding riffs, pulsating beats, and lyrics that oscillate between seductive whispers and guttural roars. Tracks like “Lecher Bitch” and “Devil in a Bottle” showcase their ability to weave dark, hedonistic themes into anthems that resonate with the rebellious and the restless. It’s industrial metal with a razor-sharp edge, polished with a subversive sheen that dares you to look away—and makes it impossible to do so.

What truly electrifies their fanbase, however, is their live shows. The Genitorturers don’t just perform; they orchestrate a twisted theater of the senses. Their stage is a playground of sexually charged imagery, BDSM-inspired aesthetics, and jaw-dropping stunts that blur the line between concert and performance art. Whips crack, sparks fly, and bodies contort in ways that challenge the faint-hearted while igniting the adventurous. It’s a ritualistic celebration of the primal and the perverse, where the band’s sonic ferocity is matched by visuals that linger long after the final note fades. Fans don’t just attend a Genitorturers show—they survive it, emerging with stories to tell and a hunger for more.

Einlass: 19:00Uhr

Die Veranstaltung findet nur vor Ort statt.

Junges Literaturhaus – Bilderbuchnachmittag ab 6 Jahren
Sonntag 21.09.25 / 15.00 h
Jens Rassmus: Dunkel war’s, der Mond schien helle
Saalticket 5 Euro

Schönster Sprachquatsch für alle
„Dunkel war’s, der Mond schien helle“, ein Kindergedicht, das schon Generationen begeistert hat. Nun wurde es unlängst mit der Liebe für paradoxe Sprachbilder erweitert. Daran mitgedichtet haben Paul Maar und andere große Namen, aber auch Kinder. Herausgegeben hat dieses Wunderwerk der vielfach ausgezeichnete Autor und Lektor Uwe-Michael Gutzschhahn im Aladin Verlag. So richtig zum Leben erweckt wird der zeitlose Sprachquatsch allerdings erst durch die kongenialen Bilder von Jens Rassmus. Er kommt zum Bilderbuchnachmittag nach Frankfurt, erzählt von diesem besonderen Buchprojekt, zeigt
die Bilder zum Text auf der Leinwand und liest und zeichnet live für die Kinder.

Das Junge Literaturhaus wird unterstützt von der Dr. Marschner Stiftung und der Cronstett- und Hynspergischen evangelischen Stiftung.


Foto: © Corinna Klug

Der Choreograf und Tänzer Aaron Kaiser Garcia wurde auf der berühmten Philippine High School for the Arts in verschiedenen Formen des philippinischen Volkstanzes ausgebildet. In einer außergewöhnlichen Lecture-Performance unterzieht er diese Tänze nun einer Revision – präzise, klug und mit feinem Humor. Wie werden Erfindungen zu Traditionen? Was passiert, wenn Bewegungen nicht mehr uns gehören? Wenn unsere Gesten choreografiert werden, um die Interpretation und Wahrnehmung eines anderen von uns darzustellen? Garcia legt die kolonialen Schichten, die politischen und ökonomischen Machtstrukturen und Vorgänge der Institutionalisierung offen, die in die tänzerischen Praktiken eingeschrieben sind und von Unterdrückung, Ausbedeutung, Enteignung und Auslöschung erzählen. Dabei dreht der Choreograf existierende Regeln um. Er versucht die Schichten des kommerziellen Konsums abzutragen, die den tanzenden Körper geformt haben und umhüllen, mit dem Ziel dieses gestohlene „Kulturgut“ zurückzuerobern.

Foto: Mei Lim

Gespräch im Anschluss

Einlass ab 10:30 Uhr