Fr 13.03.2026 | 11:00 & 16:30 Uhr | tjg. Studiobühne
Sa 14.03.2026 | 16 Uhr | tjg. Studiobühne
Regina Rossi
DU BIST DRAN!

Ab 11 Jahren
Eintritt: 16/8 €, Familientickets ab 20/27/30 €
Dauer: 1 Std. 15 Minuten
Sprache: Deutsch, mit deutschen und englischen Übertiteln
14.03.: Übersetzung in Deutsche Gebärdensprache (DGS)

“DU BIST DRAN!” ist ein Quartett für vier Spieler*innen, und ein Publikum. In der Tanzperformance für alle ab 11 Jahren werden Spiele und Spielregeln auf der Bühne performativ und choreografisch untersucht: Wer spielt wo mit wem? Wer gewinnt, wer verliert? Sind Regeln für einen fairen Spielverlauf sinnvoll? Wer darf sich neue Spielregeln ausdenken? Welche Grenzen werden dabei überschritten, welche nicht? Und was hat das auf einer Bühne zu suchen?
In “DU BIST DRAN!” werden auch die Regeln im Theater einer Prüfung unterzogen. So wird Partizipation in “DU BIST DRAN!” anders erlebt als in einer ‘normalen’ Bühnenerfahrung: Zuschauende sind eingeladen, mitzumachen und -gestalten, sich zu bewegen, und den Verlauf der Tanzperformance zu beeinflussen.
Mit humorvollen Tanz-Improvisationen, dezidierter Publikumsbeteiligung und ein paar krummen Tricks werden gesellschaftliche Fragen von Macht, Zugehörigkeit, Ausschluss und Fairness unter die Lupe genommen. Tänzer*innen und Publikum müssen am Ball bleiben, um sich nicht gegen die Wand spielen zu lassen und im richtigen Moment den letzten Trumpf auszuspielen. Denn wer am Ende gewinnen soll und wieso, wird erst dann entschieden.

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“DU BIST DRAN!” (YOUR TURN!) is a quartet for four performers – and an audience. In this dance performance for everyone aged 11 and up, games and game rules are explored performatively and choreographically on stage: Who plays where and with whom? Who wins, who loses? Are rules necessary for fair play? Who gets to invent new rules? Which boundaries are crossed – and which are not? And what does any of this have to do with being on stage?
In “DU BIST DRAN!”, even the rules of the theatre itself are put to the test. Participation is experienced differently here than in a ‘normal’ theatre setting: the audience is invited to join in and co-create, to move, and to actively influence the course of the performance.
With humorous dance improvisations, deliberate audience involvement, and a few sly tricks, “DU BIST DRAN!” takes a closer look at social questions of power, belonging, exclusion, and fairness. Dancers and audience alike must stay sharp to avoid being played into a corner – and to play their final trump card at just the right moment. Because who ends up winning – and why – is only decided in the end.

Ausgebucht! Restkarten ggf. an der Abendkasse. / Sold out! Remaining tickets may be available at the box office.

Do & Fr 12. & 13.03.2026 | 20 Uhr | tjg. Große Bühne
Stefan Kaegi (Rimini Protokoll) mit Sasha Waltz & Guests
Spiegelneuronen
Ein dokumentarischer Tanzabend mit Publikum

Eintritt: 29/21 €
Dauer: 1 Std. 20 Minuten
Sprache: Deutsch, Englisch, in der jeweils anderen Sprache übertitelt

“Spiegelneuronen” ist ein Experiment, in jeder Aufführung von neuem. Es geht um das menschliche Gehirn und sein Verhältnis zum Körper. Das Publikum ist wesentlicher Teil dieses Versuchs: eingeladen, nicht nur tänzerische Bewegung zu beobachten, sondern sich selbst zu bewegen – als aktiver Teil eines gemeinsamen Systems, als Teil eines großen Gehirns.
Ein Spiegel ersetzt die Bühne. Er reflektiert nicht nur die Tänzer*innen, sondern – wie ein gigantisches Selfie – die ganze Tribüne mitsamt Publikum. Der Zuschauerraum wird zum Hauptaktionsort. Im Austausch mit den Tänzer*innen rückt das Publikum ins Zentrum der Bewegung, verkörpert Bilder, trägt zur Choreografie bei. Über den Spiegel betrachten die Zuschauer*innen sich selbst und andere beim Beobachten des Experiments, dessen Mittelpunkt sie sind.

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“Spiegelneuronen” (Mirror Neurons) is an experiment. A new one in every performance. It explores the human brain and its relationship to the body. The audience is an essential part of this experiment: invited not only to observe dance movement, but to move themselves – as active participants in a shared system, as part of a larger brain.
A mirror replaces the stage. It reflects not only the dancers, but – like a gigantic selfie – the entire audience seated on the tribune. The auditorium becomes the main site of action. In exchange with the dancers, the audience moves to the center of the choreography, embodies images, and contributes to the unfolding of the piece. Through the mirror, viewers see themselves and others as they watch the experiment of which they are the focus.

Ausgebucht! Restkarten ggf. an der Abendkasse. / Sold out! Remaining tickets may be available at the box office.

Konzert

Er war 16 und ich 31 – Oder: Was heißt eigentlich 'Hossa'?
Who the fuck ist diese Alice – und wie war das für sie, seit ewiger Zeit Tür an Tür mit Howard zu leben? Was sind das für ominöse sieben Brücken, über die du gehen musst? Und warum steht da jemand bei Wind Nordost auf der Startbahn null-drei? Andreas Pietsch gibt in seinen Texten schräge Antworten auf ungelöste Schlagerfragen zu Kornfeldbetten, griechischem Wein und Tränen, die nicht lügen.

Der Programmtitel zeigt an, wo die Reise hingeht: „Er war 16 und ich 31.“ Hier kommt mal nicht der Bubi zu Wort, der in dem legendären Es-war-Sommer-Hit zum Mann wird. Stattdessen erzählt die Frau, die um die Schultern nur ihr langes Haar trug, wie das nun wirklich war. An diesem schönen Tag, dem letzten im August.

Als musikalische Begleitung steigt Marco Pfennig auf die Bühne. Der Gitarrist und Sänger präsentiert die Lieder nah am Original. „Das ist was zum Mitsingen“, sagen die einen. Und die anderen summen selig schwelgend vor sich hin. Nach jedem Song kommt Pietsch mit seinen Texten. Und mit seinem Geblödel.

Foto: Helmut Orwat

Einlass: 19:30 Uhr

Wenn Sängerin Helena Forster zum Mikrophon greift, fönt es dem Vater Kilian Forster am Piano den Bart weg (-:
Hits von Rihanna, Adele, Ariana Grande, Stevie Wonder und Michael Jackson interpretiert sie genauso intensiv wie Jazzstandards und Soulklassiker.

Fr 13.03.2026 | 21:30 Uhr | HELLERAU, Nancy-Spero-Saal
Sa 14.03.2026 | 18 Uhr | HELLERAU, Nancy-Spero-Saal
So 15.03.2026 | 14 Uhr | HELLERAU, Nancy-Spero-Saal
Eszter Salamon
Dance for Nothing (revisited)

Eintritt: 21/14 €
Dauer: 1 Std. 30 Min.
Sprache: Englisch

In dieser Performance setzt sich Eszter Salamon erneut mit John Cages “Lecture on Nothing (1949)” auseinander, einem Stück, dem sie sich erstmals 2010 in ihrer Soloperformance “Dance for Nothing” widmete, indem sie Cages Worte mit ihrer Bewegung verband. Diese Produktion wurde auch bereits in Dresden auf der Tanzplattform Deutschland 2012 gezeigt. Diesmal experimentiert Salamon mit der Modulation und Transformation körperlicher Gesten und konzentriert sich auf den klanglichen Aspekt dieses bahnbrechenden Vortrags über Nichts, Leere und Komposition. Sie verleiht dem Ganzen Tiefe, indem sie sich eine eigene vorherige Performance anhört, bei der sie den Text nach einer verlangsamten Aufnahme der amerikanischen Cellistin und Komponistin Frances-Marie Uitti wiederholte, und schafft so eine auditive Erkundung von Interpretation und Übertragung. Salamons Verschmelzung von Körper, Stimme und Partitur setzt den Rahmen für eine Meditation über die Gleichzeitigkeit von Bewegung und Klang sowie über Interpretation.

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In this performance Eszter Salamon revisits John Cage’s “Lecture on Nothing (1949)”, a piece she initially engaged with in 2010 through her solo performance “Dance for Nothing”, which paired Cage’s words with her movement. This production was also presented in Dresden at the Tanzplattform Deutschland 2012. This time, Salamon experiments with the modulation of physical movements, focusing on the sonic aspect of this seminal lecture on nothingness, void, and composition. She adds depth by listening to one of her past performances in which she repeated the text after a slowed-down recording by the American cellist and composer Frances-Marie Uitti, creating an auditory exploration of transmission and transformation. Salamon’s fusion of body, voice, and score sets the framework for a meditation on the simultaneity of movement and sound, and on interpretation.

Fr 13.03.2026 | 16 Uhr | HELLERAU, Kleiner Saal
Sa 14.03.2026 | 14 Uhr | HELLERAU, Kleiner Saal
So 15.03.2026 | 16 Uhr | HELLERAU, Kleiner Saal
Ewa Dziarnowska
This resting, patience

Eintritt: 24/17 €
Dauer: ca. 3 Std.

Zugleich als geisterhaftes Archiv ungenutzter Sinnlichkeit, installatives Fadeout und somatischer (Strip-)Tease, thematisiert „This resting, patience“ Anziehung, freiwillige Objektivierung, Nähe und die Ästhetik der Enthüllung. In einem experimentellen Format unterwandert das Stück die Passivität der Installation sowie die zeitliche Strukturierung und dramatische Auflösung der Performance. Es löst sich von der Tradition, Tanz als entfremdetes Spektakel zu betrachten, und betont stattdessen seine immanente Geselligkeit.
In seiner Hingabe an den Körper schlägt „This resting, patience“ Sinnlichkeit und Tanz als zeitlose und demokratisch zugängliche Technologien vor, um die Welt aufzulösen und die kontinuierliche Gegenwart in eine Zukunft zu projizieren, die andauert, ganz und gar zärtlich, vernarrt und fürsorglich.

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Part ghostly repository of unconsumed sensuality, an installative kinetic fadeout, part somatic (strip)tease, “This resting, patience” addresses attraction, voluntary objectification, proximity and the aesthetics of bareness. Employing an experimental format, it upsets the passivity of installation and the time-delineation and dramaturgical resolution of performance and steps away from the tradition of viewing dance as an alienated spectacle to instead emphasize its immanent sociability. In its devotion to the body, “This resting, patience” proposes sensuousness and dancing as timeless and democratically available technologies of undoing the world and projecting the continuous present into a future that lasts, quintessentially tender, infatuated, attentive.

Ausgebucht! Restkarten ggf. an der Abendkasse. / Sold out! Remaining tickets may be available at the box office.

Fr 13.03.2026 | 11:00 & 16:30 Uhr | tjg. Studiobühne
Sa 14.03.2026 | 16 Uhr | tjg. Studiobühne
Regina Rossi
DU BIST DRAN!

Ab 11 Jahren
Eintritt: 16/8 €, Familientickets ab 20/27/30 €
Dauer: 1 Std. 15 Minuten
Sprache: Deutsch, mit deutschen und englischen Übertiteln
14.03.: Übersetzung in Deutsche Gebärdensprache (DGS)

“DU BIST DRAN!” ist ein Quartett für vier Spieler*innen, und ein Publikum. In der Tanzperformance für alle ab 11 Jahren werden Spiele und Spielregeln auf der Bühne performativ und choreografisch untersucht: Wer spielt wo mit wem? Wer gewinnt, wer verliert? Sind Regeln für einen fairen Spielverlauf sinnvoll? Wer darf sich neue Spielregeln ausdenken? Welche Grenzen werden dabei überschritten, welche nicht? Und was hat das auf einer Bühne zu suchen?
In “DU BIST DRAN!” werden auch die Regeln im Theater einer Prüfung unterzogen. So wird Partizipation in “DU BIST DRAN!” anders erlebt als in einer ‘normalen’ Bühnenerfahrung: Zuschauende sind eingeladen, mitzumachen und -gestalten, sich zu bewegen, und den Verlauf der Tanzperformance zu beeinflussen.
Mit humorvollen Tanz-Improvisationen, dezidierter Publikumsbeteiligung und ein paar krummen Tricks werden gesellschaftliche Fragen von Macht, Zugehörigkeit, Ausschluss und Fairness unter die Lupe genommen. Tänzer*innen und Publikum müssen am Ball bleiben, um sich nicht gegen die Wand spielen zu lassen und im richtigen Moment den letzten Trumpf auszuspielen. Denn wer am Ende gewinnen soll und wieso, wird erst dann entschieden.

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“DU BIST DRAN!” (YOUR TURN!) is a quartet for four performers – and an audience. In this dance performance for everyone aged 11 and up, games and game rules are explored performatively and choreographically on stage: Who plays where and with whom? Who wins, who loses? Are rules necessary for fair play? Who gets to invent new rules? Which boundaries are crossed – and which are not? And what does any of this have to do with being on stage?
In “DU BIST DRAN!”, even the rules of the theatre itself are put to the test. Participation is experienced differently here than in a ‘normal’ theatre setting: the audience is invited to join in and co-create, to move, and to actively influence the course of the performance.
With humorous dance improvisations, deliberate audience involvement, and a few sly tricks, “DU BIST DRAN!” takes a closer look at social questions of power, belonging, exclusion, and fairness. Dancers and audience alike must stay sharp to avoid being played into a corner – and to play their final trump card at just the right moment. Because who ends up winning – and why – is only decided in the end.

Sa 14.03.2026 | 20 Uhr | HELLERAU, Großer Saal
So 15.03.2026 | 16 Uhr | HELLERAU, Großer Saal
Katharina Senzenberger
Lovedance

Eintritt: 29/21 €
Dauer: ca. 2 Std., eine Pause
Sprache: ohne Sprache

„Lovedance“ beschäftigt sich mit der Liebe aus queerer Perspektive. Als Pendant zum Lovesong begibt sich das Team um Katharina Senzenberger auf die Suche nach einem Lovedance, der sich der Liebe als Höhenflug annähert. Dabei denkt die Tanzperformance über Möglichkeiten des Zusammenseins nach und entwirft neue Formen des Miteinanders.

Die Choreografie schöpft aus einem kollektiven Archiv affektiver Tanzformen und romantischer Gesten wie dem Wiener Walzer und Pas de Deuxs aus der Entertainmentindustrie, die von den Performer*innen verkörpert und befragt werden.
Zwischen Abhängigkeit und Vertrauen, Führen und Folgen, Widerstand und Hingabe widmet sich das Duett einer Praxis des Relation-Making, die spekuliert, wie vielschichtig und ambivalent geschichtet unsere Beziehungen werden können. Auf sanft-spektakuläre Weise nistet sich „Lovedance“ auf Wolke 7 ein. Ohne Angst vor der Überlagerung von expressivem Kitsch, Konfrontation, Leichtigkeit, Dramatik, Rohheit, Fürsorge, und maximaler Aufrichtigkeit entfaltet sich leidenschaftliche Zweisamkeit als subtiler Zwischenzustand.

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“Lovedance” explores the theme of love from a queer perspective. As a counterpart to the lovesong, the team around Katharina Senzenberger embarks on a search for a lovedance that approaches love as an uplifting, soaring experience. The performance reflects on possibilities of being together and imagines new forms of connection and relationality.
The choreography draws from a collective archive of affective dance forms and romantic gestures, from Viennese waltz to pas de deux from the entertainment industry, which are embodied and questioned by the performers.
Oscillating between dependence and trust, leading and following, resistance and surrender, this duet engages in a practice of relation-making. It speculates on how layered and ambivalent our relationships can become. In a gently spectacular way, “Lovedance” settles onto cloud nine – unafraid to let expressive kitsch, confrontation, tenderness, rawness, drama, care, lightness, and utter sincerity overlap. Passionate togetherness unfolds as a subtle in-between state.