Mit der Ausstellung von Peter Buggenhout startet der Skulpturenpark Waldfrieden in Wuppertal am 8. März 2025 in die neue Ausstellungssaison: Der belgische Bildhauer zeigt in zwei der Ausstellungshallen und im Außenbereich des Parks insgesamt sieben raumgreifende Objekte aus unterschiedlichen Werkgruppen. Buggenhout ist international bekannt für seine Plastiken, die er aus Weggeworfenem formt und die als ausladende Körpergebilde Gestalt im Raum annehmen. Der Künstler bezeichnet seine Skulpturen als "abjekte Dinge" – als Objekte, die sich gewohnten kognitiven Zusammenhängen entziehen und mehr als nur eine Betrachtungsperspektive fordern.

Die Skulpturen von Peter Buggenhout, der 1963 in Dendermonde in Belgien geboren wurde und in Gent lebt und arbeitet, bestehen aus Dingen, die durch den Wegfall des Gebrauchs ihrer ursprünglichen Funktionalität beraubt sind: Abfall und Artefakte bilden gleichermaßen die Stoffe, die der Künstler als Werkmaterial nutzt und aus denen er seine Objekte zusammenfügt. Gebrauchte Folien aus Kunststoff, Planen, Textilgewebe, Zeitungen, Altmetallschrott, Holzfragmente oder organische Substanzen wie Kuhmägen, Pferdehaar und Staub werden zu Bestandteilen seiner Arbeiten. Buggenhout bildet aus diesen hinterlassenen Resten gewaltige Formen, denen das Entstehen und Vergehen in der unmittelbaren Präsenz des Materials und seiner schroffen Formen innewohnt.

Peter Buggenhout, der sich um 1990 von der Malerei abwandte, um zu plastischen Gestaltungen überzugehen, arbeitet seit einigen Jahren in Werkgruppen mit unterschiedlichen Materialschwerpunkten und Obertiteln. Dabei sind das Vorgefundene, das Zyklische und die Temporalität von Dingen grundlegende Themen, die er in seinen Werkgruppen als variantenreiche skulpturale Bestandsaufnahmen ausformuliert.

Seine Skulpturen besitzen keine Schaurichtung, die Vielansichtigkeit seiner Werke ist so essenziell wie die Bedeutung der Gleichwertigkeit und Gleichzeitigkeit ihrer Elemente. Das Verworfene ist dabei stets ein wichtiger Teil der Basis seines Schaffens.

Peter Buggenhout über seine Arbeit:
„Die Materialien, die ich benutze, haben alle eines gemeinsam: Ich habe sie nicht gewählt, weil mir ihre Form oder ihr Aussehen gefallen. Allen Gegenständen, die ich finde, ist gemein, dass sie von ihrer formalen Identität her nicht wirklich auf eine Bedeutung verweisen. Ich kann zum Beispiel statt eines alten Stuhls ein Stück vom Stuhl so verwenden, dass man nicht merkt, was für ein Gegenstand es vorher war. Das ist sozusagen die Qualität von Abfall. Auch Staub besitzt diese Qualität. All meine Arbeitsmaterialien sind „abjekt“, also verworfen bzw. ekelhaft … aus ihrem ursprünglichen Zustand gebracht , haben ihre Form und Bedeutung verloren.“

11-18 Uhr, an allen Feiertagen geöffnet

ina Teubner, „die aufregendste, nachhaltigste und unterhaltsamste Frau der deutschen Kleinkunstszene“, weiß: Den Tatsachen ins Auge zu sehen, hat noch niemandem geschadet. Höchstens den Tatsachen.
Die Welt steht Kopf – wir stehen hilflos da und sammeln Treuepunkte.
Anstatt dem Leben die Sporen zu geben, nörgeln wir an unseren Liebsten herum, peitschen die Kinder durch gymnasiale Phantasie-Erstickungs-Anstalten (notfalls online), unterwerfen uns dem Freizeit-Stress-Diktat und glauben ernsthaft, wir könnten der Vergänglichkeit mit Botox Angst einjagen.
Tina Teubner holt zum Gegenschlag aus: Wie wäre es, ein Leben zu führen, das den Titel Leben verdient, fragt sie – unterstützt von ihrem Pianisten Ben Süverkrüp, dem Mann, vor dem Klaviere zittern.
Welttheater für alle! Je wahnsinniger und absurder die Welt wird, desto tiefer, wahrhaftiger und unterhaltsamer werden Tina und Ben.
Es wäre doch armselig, wenn von den Corona-Zeiten außer einem Schuldenberg nur die Erkenntnis bliebe: Es ist schlimm, wenn man alleine ist – noch schlimmer, wenn man es nicht ist.
„Und weil Tina Teubner ein Extra-Mensch ist, sind ihre Programme voll von Extra-Menschlichkeit.“ (Mario Angelo WDR)

Einlass: 19:15 Uhr

Ferhan und Ferzan Önder sehen einander zum Verwechseln ähnlich. In ihrem Wesen sind sie jedoch grundverschieden: ruhig die eine, temperamentvoll die andere. Die ideale Mischung für ein Klavierduo. Die Zwillinge spielen regelmäßig bei internationalen Festivals und in den großen Konzertsälen von Tokio bis London und New York. Eng befreundet sind sie mit ihrem Landsmann, dem Pianisten und Komponisten Fazil Say, der den beiden schon mehrere Werke widmete und auch schon 2022 in Monheim am Rhein aufgetreten ist.

Die Zwillingschwestern Ferhan und Ferzan Önder engagieren sich stark für zeitgenössische Musik. Daher beauftragten sie Komponistinnen wie Anna Dubrich, Rachel Grimes und Amritha Vaz, sich dem Thema der Anerkennung und Wahrnehmung von Frauen weltweit musikalisch zu widmen. Dank Crowdfunding konnten die Kompositionen in Auftrag gegeben werden, die für das Klavierduo geschrieben oder ihnen gewidmet wurden. Die Stücke sollen Frauen eine Stimme geben und exemplarisch Unterdrückung und Ungerechtigkeit aufzeigen. Ergänzt wird das Programm um die märchenhafte Suite „Ma mère l’oye“, die Maurice Ravel in eine bizarre Klangwelt von fast überirdischer Schönheit taucht.

Mit Werken von Anna Drubich, Rachel Grimes, Maurice Ravel, Fazil Say, Clara Wieck-Schumann und Amritha Vaz

Einlass: 19:00 Uhr

Mit der Ausstellung von Peter Buggenhout startet der Skulpturenpark Waldfrieden in Wuppertal am 8. März 2025 in die neue Ausstellungssaison: Der belgische Bildhauer zeigt in zwei der Ausstellungshallen und im Außenbereich des Parks insgesamt sieben raumgreifende Objekte aus unterschiedlichen Werkgruppen. Buggenhout ist international bekannt für seine Plastiken, die er aus Weggeworfenem formt und die als ausladende Körpergebilde Gestalt im Raum annehmen. Der Künstler bezeichnet seine Skulpturen als "abjekte Dinge" – als Objekte, die sich gewohnten kognitiven Zusammenhängen entziehen und mehr als nur eine Betrachtungsperspektive fordern.

Die Skulpturen von Peter Buggenhout, der 1963 in Dendermonde in Belgien geboren wurde und in Gent lebt und arbeitet, bestehen aus Dingen, die durch den Wegfall des Gebrauchs ihrer ursprünglichen Funktionalität beraubt sind: Abfall und Artefakte bilden gleichermaßen die Stoffe, die der Künstler als Werkmaterial nutzt und aus denen er seine Objekte zusammenfügt. Gebrauchte Folien aus Kunststoff, Planen, Textilgewebe, Zeitungen, Altmetallschrott, Holzfragmente oder organische Substanzen wie Kuhmägen, Pferdehaar und Staub werden zu Bestandteilen seiner Arbeiten. Buggenhout bildet aus diesen hinterlassenen Resten gewaltige Formen, denen das Entstehen und Vergehen in der unmittelbaren Präsenz des Materials und seiner schroffen Formen innewohnt.

Peter Buggenhout, der sich um 1990 von der Malerei abwandte, um zu plastischen Gestaltungen überzugehen, arbeitet seit einigen Jahren in Werkgruppen mit unterschiedlichen Materialschwerpunkten und Obertiteln. Dabei sind das Vorgefundene, das Zyklische und die Temporalität von Dingen grundlegende Themen, die er in seinen Werkgruppen als variantenreiche skulpturale Bestandsaufnahmen ausformuliert.

Seine Skulpturen besitzen keine Schaurichtung, die Vielansichtigkeit seiner Werke ist so essenziell wie die Bedeutung der Gleichwertigkeit und Gleichzeitigkeit ihrer Elemente. Das Verworfene ist dabei stets ein wichtiger Teil der Basis seines Schaffens.

Peter Buggenhout über seine Arbeit:
„Die Materialien, die ich benutze, haben alle eines gemeinsam: Ich habe sie nicht gewählt, weil mir ihre Form oder ihr Aussehen gefallen. Allen Gegenständen, die ich finde, ist gemein, dass sie von ihrer formalen Identität her nicht wirklich auf eine Bedeutung verweisen. Ich kann zum Beispiel statt eines alten Stuhls ein Stück vom Stuhl so verwenden, dass man nicht merkt, was für ein Gegenstand es vorher war. Das ist sozusagen die Qualität von Abfall. Auch Staub besitzt diese Qualität. All meine Arbeitsmaterialien sind „abjekt“, also verworfen bzw. ekelhaft … aus ihrem ursprünglichen Zustand gebracht , haben ihre Form und Bedeutung verloren.“

11-18 Uhr, an allen Feiertagen geöffnet

Allmonatlich liefert das Kölner Kabarett Klüngelpütz eine Lesung satirischer Kostbarkeiten, die Herz und Verstand gleichermaßen bedient. Vorgetragen von der Stammautorenschaft Dagmar Schönleber, Katinka Buddenkotte, Christian Bartel und Marina Barth gibt es eine Handvoll Kurzgeschichten. Parallel liefern Live-Musiker eine anständige Portion Rock´n Roll zur erlesenen Literatur. Sichert euch Tickets für Rock´n Read, denn wir erwarten spannende Gäste!

Die Band HALVLANG aus Köln spielt seit 2020 „Rheinisch-Folk“, eine Mischung aus Irish-Folk und Punk, und erzählt auf Kölsch humorvolle und sozialkritische Geschichten. Die fünf Musiker treten in Kneipen, auf Festivals und bei Demos auf und haben bereits mehrere Singles veröffentlicht. Ihr Debütalbum Rheinisch Folk erschien im Januar 2025. Den Durchbruch feierten sie mit einem Sieg beim Sängerwettstreit auf Burg Waldeck und ihrem Song „BMX-Kings“ für die Kölner Samplerreihe Kölsche Heimat. Außerdem ist HALVLANG auf den Samplern Kölsch für alle Runde 2 und 3 mit energiegeladenen Songs vertreten. HALVLANG steht für erdigen, rockigen Sound und zieht das Publikum mit Fröhlichkeit und Kritik in ihren Bann.

„Erdig, rockig und temporeich ist HALVLANG. Garant für gute Stimmung. Angesiedelt zwischen der Irisch-Folk-Punk-Band Flogging Molly, den Pogues, Bap und den Bläck Fööss.“ — Kölner Stadt-Anzeiger 2021

Einlass 18:00 Uhr

IHARTMANNMUELLER besuchen ihre eigene Vergangenheit, um unsere Betrachtung der Gegenwart zu schärfen. 2015 erschien ihr Stück it is what it is, in dem zwei isolierte Performer sich in monotonen Arbeitsroutinen ergingen und dabei ausdruckstarke Kontraste zwischen Zerstörung und Vergänglichkeit schufen.
Genau zehn Jahre später ist der Blick auf das Stück ein anderer: In Teilen verklärt und an den Rändern weichgezeichnet, wie in einem Gemälde von Monet. In anderen Teilen ehrlich, schonungslos und klar.
Auch die Welt ist eine andere, in der die neue Arbeit entsteht. Ein nie gesehener Kampf um die Deutungshoheit von Ereignissen ist entbrannt. Und in den (Sozialen) Medien ist die Emotionalisierung ein wesentlicher Garant für Klickzahlen und die größtmögliche Verbreitung von Meinungen.
In it (still) is what it is werden mit minimalistischen und präzisen Bewegungselementen die Tagesabläufe der Figuren auf der Bühne untersucht. Eine Stimme aus dem Off lenkt und leitet erneut das Geschehen. Doch was oder wer ist diese Stimme? Und welche Botschaften hält sie für die Performer und das Publikum bereit? HARTMANNMUELLER laden euch zu einer nostalgisch-intensiven Auseinandersetzung mit verborgenen Emotionen und der Macht der Manipulation ein.

Dauer: 55 Minuten

Frischer Rock mit Geschichte

Vier Jahrzehnte sind eine lange Zeit, eine verdammt lange Zeit! Und doch schaffte es Klaus Auer nach so vielen Jahren, die Mitglieder seiner alten Band „Nightingale“ für ein Revival zusammenzutrommeln. Gemeinsam rockten sie im Juni 2022 die Krefelder Live-Musik-Location „Kulturrampe“ und stellten das alte Feeling wieder her. Schnell waren sich Klaus Auer, Rainer Kretschmann, Rainer „James“ Koopmann und Thomas Stachelhaus einig, dass dieser Abend kein „One-Night-Stand“ bleiben sollte. Nightingale hatten sie 1978 gegründet und bis Anfang der 80er Jahre zusammen Musik gemacht. Dann gingen sie ins Berufsleben, gründeten Familien, bauten Häuser. Jetzt sollte es wieder losgehen.

Nightingale war nicht der musikalische Erstling der vier Krefelder. Sie waren bereits vorher in der sehr lebendigen lokalen Rock-Szene unterwegs: Thomas Stachelhaus und Rainer Kretschmann kamen von „Stormy Pain“, einer der angesagtesten Krefelder Bands. Klaus Auer und James Koopmann spielten vorher bei „Cast Iron“ und gewannen mit ihrer Formation 1977 bei einem Bandcontest in der Düsseldorfer Philipshalle den Titel „Beste Popgruppe am Rhein“.

Nach dem gelungenen Gig im Sommer 2022 ging ein Vibe durch die Band. In professionell ausgestatteten Studios begannen sie alte Songs aufzuarbeiten und Neue zu schreiben. Jetzt ist Nightingale `78 weltweit auf 150 Streaming-Plattformen vertreten, hat einen Youtube-Kanal und einen Instagram Account. Das nächste Projekt der Vier ist es, ihre Musik auf Vinyl zu bringen.

Wie damals spielt Nightingale`78 klassischen, geradlinigen Rock - zum Teil melodisch wie in ‚Sweet Emotions‘, zum Teil härter und dynamischer wie in ‚Jealousy‘. Klaus Auers Stimme hat nach wie vor eine große Elastizität mit hohen klaren Tönen in den Balladen und erdig-kantigem Groove in den schnelleren Stücken. Noch etwas härter, mit seiner kräftigen Rockröhre , singt Thomas Stachelhaus, der Songs wie „Losing my mind“ und „All your talk“ zugleich mit seinen hämmernden Drums nach vorne treibt. Die Virtuosität der Vier zeigt sich ebenso in Rainer Kretschmanns Classical Rock Gitarren Riffs und Licks und James Koopmanns sattem, fundamentalen Bass. Nightingale`78 ist so frisch wie vor 40 Jahren – und heute vielleicht sogar noch etwas weiterentwickelt.

„Wir hatten schon immer unseren eigenen Stil. Nightingale `78 klingt wie Nightingale´78“, betont Rainer Kretschmann. „Jetzt sind wir sehr neugierig, wie es weitergeht. Ich denke, bald gibt es mehr neue Nightingale`78 Songs, die die Band weiter nach vorne pushen werden.



Klaus Auer (voc)

Rainer „James“ Koopmann (b)

Rainer Kretschmann (g)

Thomas Stachelhaus (dr, voc)

Werner Knoodt (tec)

Einlass: 19:00 Uhr

Am 80. Jahrestag der Beendigung des Zweiten Weltkriegs, am 8. Mai 2025, eröffnen das Zentrum für verfolgte Künste in Solingen, in Kooperation mit der Stiftung für deutsch-polnische Zusammenarbeit, dem Polnischen Institut Düsseldorf und der Gerd-Keimer-Bürgerstiftung Solingen die erste monografische Ausstellung von Marian Ruzamski außerhalb Polens.

MARIAN RUZAMSKI – KUNST DER ERINNERUNG

Erste monografische Ausstellung Marian Ruzamskis außerhalb Polens

8.5. – 14.9.2025

Zentrum für verfolgte Künste, Wuppertaler Str. 160, 42653 Solingen

https://www.verfolgte-kuenste.com/wechselausstellungen/marian-ruzamki-kunst-der-erinnerung

 

100 Jahre nach seiner letzten Einzelausstellung. 80 Jahre nach seinem Tod –  kehrt das Werk Marian Ruzamskis in die Öffentlichkeit zurück.

Kunst als Zeugnis

Kunstwerke können das Unsagbare ausdrücken. Sie überliefern Geschichte nicht nur in Fakten, sondern in Gefühlen – und verbinden uns mit den Erfahrungen derer, die sie geschaffen haben. Die Ausstellung „Marian Ruzamski. Die Kunst der Erinnerung“ widmet sich einem Künstler, der nicht nur durch seine außergewöhnliche Farbwelt und Tiefe beeindruckt, sondern auch durch sein Schicksal. Ruzamski wurde während des Zweiten Weltkriegs nach Auschwitz deportiert und starb 1945 im Lager Bergen-Belsen. Seine in Auschwitz entstandenen Werke sind ein stiller Widerstand gegen das Vergessen – Ausdruck von Hoffnung in Zeiten größter Dunkelheit.

Der Künstler Marian Ruzamski (1889-1945)

„Trotz begeisterter Kritiken und Ausstellungen in den renommiertesten Salons der Zweiten Republik gelang es ihm nie, sich unter den führenden polnischen Malern des 20. Jahrhunderts zu etablieren. Auch nach dem Zweiten Weltkrieg blieb es unmöglich, ihn wieder ins kollektive Gedächtnis zu rufen.“ – Tadeusz Zych, 2025

Marian Ruzamski war ein sensibler Beobachter seiner Umgebung. Seine Gemälde zeigen Porträts, Landschaften, Szenen des Alltags – stets durchdrungen von einer tiefen Menschlichkeit. Er gehört zu den Künstlern, deren Werk durch Verfolgung fast ausgelöscht wurde. Mit dieser Ausstellung wird sein Gesamtwerk erstmals umfassend gezeigt – eine Hommage an einen großen polnischen Maler und Zeugen der Shoah.

Die dramatischen Umbrüche des vergangenen Jahrhunderts prägten das Leben von Marian Ruzamski: Geboren 1889 in Lipnik bei Bielsko-Biała, stammte er aus einer kulturell vielfältigen Familie. Seine Mutter war eine französische Jüdin, sein Vater ein polnischer Notar. Der junge, hochbegabte Künstler musste 1914 als damaliger Bürger Österreich-Ungarns sein Stipendium in Paris abbrechen und Frankreich verlassen, da er mit Kriegsbeginn zum „feindlichen Ausländer“ wurde. Im Ersten Weltkrieg verschleppten ihn russische Truppen nach Charkiw. Aus den Wirren der Revolution kehrte er schwer traumatisiert in den jetzt freien jungen polnischen Staat zurück. Während der deutschen Besatzung Polens im Zweiten Weltkrieg wurde Ruzamski 1943 als Jude und Homosexueller denunziert, von den Nationalsozialisten nach Auschwitz deportiert und später nach Bergen-Belsen verschleppt, wo er vor 80 Jahren am 8. März 1945 kurz vor Kriegsende starb.

Doch obwohl Ruzamskis Leben von Krieg, Verfolgung und Gewalt überschattet war, erzählen seine Werke eine andere Geschichte. Seine Bilder sind geprägt von einer tiefen Humanität, von Szenen des Alltags und einer fast schwebenden Leichtigkeit – als würde ein anderes, friedliches Jahrhundert an uns vorüberziehen. Es sind poetische, eindringliche Bilder, die an sommerliche Landschaften erinnern, nicht an Terror und Zerstörung.

Der Impulsgeber Marian Turski (1926–2025)

Die Idee zur Ausstellung geht auf Marian Turski zurück – Historiker, Journalist und Auschwitz-Überlebender. Zeit seines Lebens kämpfte er gegen das Vergessen, für Demokratie und Menschenrechte. 

Seine Worte „Auschwitz ist nicht vom Himmel gefallen. Es begann mit kleinen Manifestationen von Intoleranz und Antisemitismus, mit Rassismus. Das ist es, woran man sich erinnern muss: Es begann nicht mit Gaskammern.“ mahnen uns bis heute. Turski begleitete die Entstehung dieser Ausstellung bis kurz vor seinem Tod. Sein Vorwort zum Katalog wurde wenige Tage vor seinem Tod am 18. Februar 2025 abgeschlossen. Die Ausstellung ist ihm gewidmet. 

Die Kunst der Erinnerung

Im Jahr 2025 jährt sich das Ende des Zweiten Weltkriegs zum 80. Mal – ein Anlass, innezuhalten und sich neu mit der Frage auseinanderzusetzen, wie wir heute an die katastrophalen Ereignisse der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts erinnern. Die Ausstellung mit den Werken von Marian Ruzamski ist ein künstlerischer Beitrag zu diesem Gedenken. Sie richtet den Blick auf ein individuelles Schicksal, das exemplarisch für viele steht, und zeigt zugleich, dass Erinnerung nicht nur Mahnung, sondern auch kulturelles Erbe ist. In einer Zeit, in der geschichtliche Narrative zunehmend infrage gestellt werden, setzt die Ausstellung ein Zeichen für die Bedeutung der Kunst als Medium des historischen Bewusstseins. Sie erinnert daran, dass der Weg zur Versöhnung über das Verstehen führt – und dass dieses Verstehen oft in der Stille eines Bildes beginnt.

Die Ausstellung entstand in Zusammenarbeit mit dem Tarnowski-Schlossmuseum in Tarnobrzeg und dem Staatlichen Museum Auschwitz-Birkenau. Sie wird unterstützt von der Stiftung für deutsch-polnische Zusammenarbeit, dem Polnischen Institut Düsseldorf und der Gerd-Kaimer-Bürgerstiftung Solingen sowie weiteren Förderern. Nach der Erstpräsentation im Museum Zentrum für verfolgte Künste wird die Ausstellung in Tarnobrzeg, der letzten Heimat Ruzamskis, gezeigt und im Frühjahr 2026 im Palast der Schönen Künste in Krakau, wo Ruzamski 100 Jahre zuvor seine letzte Einzelausstellung hatte.

In Vorbereitung zu dieser Ausstellung fand am 4./5. September 2024 im Zentrum für verfolgte Künste die deutsch-polnische Tagung „Vergangenheit erinnern, Zukunft gestalten“ zu Leben und Werk von Marian Ruzamski und dem Kampf gegen Antisemitismus statt.

 

10.00-17.00 Uhr

DIE MAGIER 4.0 - MAGIC ENSEMBLE SHOW

Was passiert, wenn Magie, Rock und Comedy aufeinandertreffen? Antworten darauf liefert Entertainer Christopher Köhler mit dem neuen Bühnenprogramm seiner Erfolgsshow „Die Magier“.
Neue Künstler, neue Sensationen: Mit „Die Magier 4.0“ stellt Köhler einmal mehr unter Beweis, wie facettenreich Magie sein kann: von schockierenden Performances des Bad Boy der deutschen Zauberszene himself – Christopher Köhler – über klassische Magie vom Weltmeister André Desery bis hin zu kurzweiliger Stand-up Comedy von Jens Wienand. Diese drei sind eine explosive Mischung – und zeigen, wie nah Humor, Verblüffung und Nervenkitzel beieinander liegen!

Jeder Einzelne bringt dabei seinen ganz eigenen Stil auf die Bühne – abwechslungsreicher kann eine Show kaum sein. Gewohnt provokant, unfassbar, spontan und im wahrsten Sinne unheimlich lustig. Und wenn Christopher Köhler am Werk ist, ist eines garantiert: Es wird extrem. Vor allem extrem unterhaltsam.

Mit dem Ensemblekonzept „Die Magier“ ist Köhler seit 2017 auf Tour und zieht seither Zuschauer*innen deutschlandweit in Bann – zwischen schaurig, skurril, pointiert und magisch. Genau so geht es mit dem neuen Programm auch 2024 weiter – Sind Sie bereit?

Einlass ab 19:30 Uhr

Die Band HALVLANG aus Köln spielt seit 2020 „Rheinisch-Folk“, eine Mischung aus Irish-Folk und Punk, und erzählt auf Kölsch humorvolle und sozialkritische Geschichten.
Die fünf Musiker treten in Kneipen, auf Festivals und bei Demos auf und haben bereits mehrere Singles veröffentlicht.
Ihr Debütalbum Rheinisch Folk erschien im Januar 2025.
Den Durchbruch feierten sie mit einem Sieg beim Sängerwettstreit auf Burg Waldeck und ihrem Song „BMX-Kings“ für die Kölner Samplerreihe Kölsche Heimat.
Außerdem ist HALVLANG auf den Samplern Kölsch für alle Runde 2 und 3 mit energiegeladenen Songs vertreten.

Freie Platzwahl - Teilbestuhlt - Kein Sitzplatzanspruch

Einlass: 19:00 Uhr / Freie Platzwahl - Teilbestuhlt - Kein Sitzplatzanspruch

Das Programm als Überlebenshilfe nicht nur für Kölnbesucher und Zugereiste. Auch der Eingeborene wundert sich. Am Anfang war das Wort Köln. Und Gott sah, dass es gut war. Eine verbotene Stadt mit seltsamen Ritualen und unheimlichen Vorgängen, oder?

Entdecken Sie den geheimen Köln-Code und schon sind Sie einer von uns. Wir sind nicht korrupt, wir sind lernfähig.

Und wir sind auch nicht chaotisch, sondern kreativ.

Stur sind wir auch nicht, sondern durchsetzungsfähig und dass wir meistens geschminkt seien, ist ein Gerücht. Lernen Sie die ungeschminkte Seite Kölns kennen und lachen Sie mit – ein sehr italienischer Abend, witzig und nicht op kölsch. „Wir bewegen Menschen“, sagen die Kölner Verkehrsbetriebe, von der Richtung war nie die Rede.

„Sehr empfehlenswert! Uneitel, schonungslos, sarkastisch“ – Kölnische Rundschau

„Klischeefreie Zone, macht vor nichts halt und trifft den Nagel auf sämtliche Köpfe“ – aKT Kölner Theaterzeitung

Bitte 10 Minuten vor Beginn da sein

Mit der Ausstellung von Peter Buggenhout startet der Skulpturenpark Waldfrieden in Wuppertal am 8. März 2025 in die neue Ausstellungssaison: Der belgische Bildhauer zeigt in zwei der Ausstellungshallen und im Außenbereich des Parks insgesamt sieben raumgreifende Objekte aus unterschiedlichen Werkgruppen. Buggenhout ist international bekannt für seine Plastiken, die er aus Weggeworfenem formt und die als ausladende Körpergebilde Gestalt im Raum annehmen. Der Künstler bezeichnet seine Skulpturen als "abjekte Dinge" – als Objekte, die sich gewohnten kognitiven Zusammenhängen entziehen und mehr als nur eine Betrachtungsperspektive fordern.

Die Skulpturen von Peter Buggenhout, der 1963 in Dendermonde in Belgien geboren wurde und in Gent lebt und arbeitet, bestehen aus Dingen, die durch den Wegfall des Gebrauchs ihrer ursprünglichen Funktionalität beraubt sind: Abfall und Artefakte bilden gleichermaßen die Stoffe, die der Künstler als Werkmaterial nutzt und aus denen er seine Objekte zusammenfügt. Gebrauchte Folien aus Kunststoff, Planen, Textilgewebe, Zeitungen, Altmetallschrott, Holzfragmente oder organische Substanzen wie Kuhmägen, Pferdehaar und Staub werden zu Bestandteilen seiner Arbeiten. Buggenhout bildet aus diesen hinterlassenen Resten gewaltige Formen, denen das Entstehen und Vergehen in der unmittelbaren Präsenz des Materials und seiner schroffen Formen innewohnt.

Peter Buggenhout, der sich um 1990 von der Malerei abwandte, um zu plastischen Gestaltungen überzugehen, arbeitet seit einigen Jahren in Werkgruppen mit unterschiedlichen Materialschwerpunkten und Obertiteln. Dabei sind das Vorgefundene, das Zyklische und die Temporalität von Dingen grundlegende Themen, die er in seinen Werkgruppen als variantenreiche skulpturale Bestandsaufnahmen ausformuliert.

Seine Skulpturen besitzen keine Schaurichtung, die Vielansichtigkeit seiner Werke ist so essenziell wie die Bedeutung der Gleichwertigkeit und Gleichzeitigkeit ihrer Elemente. Das Verworfene ist dabei stets ein wichtiger Teil der Basis seines Schaffens.

Peter Buggenhout über seine Arbeit:
„Die Materialien, die ich benutze, haben alle eines gemeinsam: Ich habe sie nicht gewählt, weil mir ihre Form oder ihr Aussehen gefallen. Allen Gegenständen, die ich finde, ist gemein, dass sie von ihrer formalen Identität her nicht wirklich auf eine Bedeutung verweisen. Ich kann zum Beispiel statt eines alten Stuhls ein Stück vom Stuhl so verwenden, dass man nicht merkt, was für ein Gegenstand es vorher war. Das ist sozusagen die Qualität von Abfall. Auch Staub besitzt diese Qualität. All meine Arbeitsmaterialien sind „abjekt“, also verworfen bzw. ekelhaft … aus ihrem ursprünglichen Zustand gebracht , haben ihre Form und Bedeutung verloren.“

11-18 Uhr, an allen Feiertagen geöffnet

HINTEN SIND REZEPTE DRIN

Vom Wahnsinn eine Frau zu sein: Geschichten, die Männern nie passieren würden!

Kann ich emanzipiert sein und trotzdem ohne Unterwäsche in die Stadt?
Bin ich schon eine moderne Frau, nur weil ich nicht kochen kann?
Kriege ich in einer Beziehung auch Treuepunkte?
Muss es in Frauenbüchern eigentlich immer um Männer, Mode und Cellulite gehen?

Wenn Sie solche Fragen mögen, werden Sie auch an diesem Abend viel Spaß haben. Katrin Bauerfeind bringt ihr Buch auf die Bühne und damit auch Geschichten über Playmobilfrisuren, schlechten Sex und gute Freunde und Frauen im Allgemeinen. Nur Rezepte gibt’s leider keine. Dafür müssen Sie echt woanders hin.

Katrin Bauerfeind moderierte das erste ruckelfreie deutsche Internetfernsehen ›Ehrensenf‹, das mit mehreren Grimme-Online-Awards ausgezeichnet wurde. Harald Schmidt verpflichtete sie daraufhin zwei Jahre lang als Teilzeitfrau in seiner ARD-Show.
Seit Jahren sendet sie aus der Kulturnische 3sat, wo sie aktuell in „Bauerfeind assistiert...“ Prominente porträtiert.
Mit ihrem ersten Buch „Mir fehlt ein Tag zwischen Sonntag und Montag“ war sie über ein Jahr unter den Top Ten der Bestseller-Liste, es verkaufte sich über 100.000 mal. Mit dem gleichnamigen Programm tourte sie erfolgreich in der gesamten Republik.

Einlass 19:00 Uhr

Eventuell sind noch Karten an den örtlichen Vorverkaufsstellen oder der Abendkasse erhältlich.

Einlass: 19:00 Uhr

Eventuell sind noch Karten an den örtlichen Vorverkaufsstellen oder der Abendkasse erhältlich.

IHARTMANNMUELLER besuchen ihre eigene Vergangenheit, um unsere Betrachtung der Gegenwart zu schärfen. 2015 erschien ihr Stück it is what it is, in dem zwei isolierte Performer sich in monotonen Arbeitsroutinen ergingen und dabei ausdruckstarke Kontraste zwischen Zerstörung und Vergänglichkeit schufen.
Genau zehn Jahre später ist der Blick auf das Stück ein anderer: In Teilen verklärt und an den Rändern weichgezeichnet, wie in einem Gemälde von Monet. In anderen Teilen ehrlich, schonungslos und klar.
Auch die Welt ist eine andere, in der die neue Arbeit entsteht. Ein nie gesehener Kampf um die Deutungshoheit von Ereignissen ist entbrannt. Und in den (Sozialen) Medien ist die Emotionalisierung ein wesentlicher Garant für Klickzahlen und die größtmögliche Verbreitung von Meinungen.
In it (still) is what it is werden mit minimalistischen und präzisen Bewegungselementen die Tagesabläufe der Figuren auf der Bühne untersucht. Eine Stimme aus dem Off lenkt und leitet erneut das Geschehen. Doch was oder wer ist diese Stimme? Und welche Botschaften hält sie für die Performer und das Publikum bereit? HARTMANNMUELLER laden euch zu einer nostalgisch-intensiven Auseinandersetzung mit verborgenen Emotionen und der Macht der Manipulation ein.

Dauer: 55 Minuten

Ilija Tošić, serbischer Gitarrist mit Wohnsitz in Köln, stellt sein Debütalbum "Recital - a Depiction of the 20th Century" vor. In diesem Konzert präsentiert er die stilistische Vielfalt und das reiche Repertoire des 20. Jahrhunderts.

Von Neoklassik und Neo-Romantik über moderne Musik und Latin-American Klänge bis hin zu von Balkanfolklore inspirierten Kompositionen – freuen Sie sich auf ein eindrucksvolles Programm, das die Klänge und Emotionen dieser Epoche lebendig werden lässt.

Tošić wurde an der "Koblenz International Guitar Academy" aufgenommen wurde. Dort hatte er die Möglichkeit, bei den Professoren Goran Krivokapić, Aniello Desiderio und Hubert Käppel zu studieren. Von 2013 bis 2021 setzte er seine Ausbildung an der Hochschule für Musik und Tanz Köln fort, wo er unter der Leitung von Prof. Hubert Käppel sein Bachelor- und Masterstudium mit höchster Auszeichnung abschloss.

Einlass 18:00 Uhr

Am 80. Jahrestag der Beendigung des Zweiten Weltkriegs, am 8. Mai 2025, eröffnen das Zentrum für verfolgte Künste in Solingen, in Kooperation mit der Stiftung für deutsch-polnische Zusammenarbeit, dem Polnischen Institut Düsseldorf und der Gerd-Keimer-Bürgerstiftung Solingen die erste monografische Ausstellung von Marian Ruzamski außerhalb Polens.

MARIAN RUZAMSKI – KUNST DER ERINNERUNG

Erste monografische Ausstellung Marian Ruzamskis außerhalb Polens

8.5. – 14.9.2025

Zentrum für verfolgte Künste, Wuppertaler Str. 160, 42653 Solingen

https://www.verfolgte-kuenste.com/wechselausstellungen/marian-ruzamki-kunst-der-erinnerung

 

100 Jahre nach seiner letzten Einzelausstellung. 80 Jahre nach seinem Tod –  kehrt das Werk Marian Ruzamskis in die Öffentlichkeit zurück.

Kunst als Zeugnis

Kunstwerke können das Unsagbare ausdrücken. Sie überliefern Geschichte nicht nur in Fakten, sondern in Gefühlen – und verbinden uns mit den Erfahrungen derer, die sie geschaffen haben. Die Ausstellung „Marian Ruzamski. Die Kunst der Erinnerung“ widmet sich einem Künstler, der nicht nur durch seine außergewöhnliche Farbwelt und Tiefe beeindruckt, sondern auch durch sein Schicksal. Ruzamski wurde während des Zweiten Weltkriegs nach Auschwitz deportiert und starb 1945 im Lager Bergen-Belsen. Seine in Auschwitz entstandenen Werke sind ein stiller Widerstand gegen das Vergessen – Ausdruck von Hoffnung in Zeiten größter Dunkelheit.

Der Künstler Marian Ruzamski (1889-1945)

„Trotz begeisterter Kritiken und Ausstellungen in den renommiertesten Salons der Zweiten Republik gelang es ihm nie, sich unter den führenden polnischen Malern des 20. Jahrhunderts zu etablieren. Auch nach dem Zweiten Weltkrieg blieb es unmöglich, ihn wieder ins kollektive Gedächtnis zu rufen.“ – Tadeusz Zych, 2025

Marian Ruzamski war ein sensibler Beobachter seiner Umgebung. Seine Gemälde zeigen Porträts, Landschaften, Szenen des Alltags – stets durchdrungen von einer tiefen Menschlichkeit. Er gehört zu den Künstlern, deren Werk durch Verfolgung fast ausgelöscht wurde. Mit dieser Ausstellung wird sein Gesamtwerk erstmals umfassend gezeigt – eine Hommage an einen großen polnischen Maler und Zeugen der Shoah.

Die dramatischen Umbrüche des vergangenen Jahrhunderts prägten das Leben von Marian Ruzamski: Geboren 1889 in Lipnik bei Bielsko-Biała, stammte er aus einer kulturell vielfältigen Familie. Seine Mutter war eine französische Jüdin, sein Vater ein polnischer Notar. Der junge, hochbegabte Künstler musste 1914 als damaliger Bürger Österreich-Ungarns sein Stipendium in Paris abbrechen und Frankreich verlassen, da er mit Kriegsbeginn zum „feindlichen Ausländer“ wurde. Im Ersten Weltkrieg verschleppten ihn russische Truppen nach Charkiw. Aus den Wirren der Revolution kehrte er schwer traumatisiert in den jetzt freien jungen polnischen Staat zurück. Während der deutschen Besatzung Polens im Zweiten Weltkrieg wurde Ruzamski 1943 als Jude und Homosexueller denunziert, von den Nationalsozialisten nach Auschwitz deportiert und später nach Bergen-Belsen verschleppt, wo er vor 80 Jahren am 8. März 1945 kurz vor Kriegsende starb.

Doch obwohl Ruzamskis Leben von Krieg, Verfolgung und Gewalt überschattet war, erzählen seine Werke eine andere Geschichte. Seine Bilder sind geprägt von einer tiefen Humanität, von Szenen des Alltags und einer fast schwebenden Leichtigkeit – als würde ein anderes, friedliches Jahrhundert an uns vorüberziehen. Es sind poetische, eindringliche Bilder, die an sommerliche Landschaften erinnern, nicht an Terror und Zerstörung.

Der Impulsgeber Marian Turski (1926–2025)

Die Idee zur Ausstellung geht auf Marian Turski zurück – Historiker, Journalist und Auschwitz-Überlebender. Zeit seines Lebens kämpfte er gegen das Vergessen, für Demokratie und Menschenrechte. 

Seine Worte „Auschwitz ist nicht vom Himmel gefallen. Es begann mit kleinen Manifestationen von Intoleranz und Antisemitismus, mit Rassismus. Das ist es, woran man sich erinnern muss: Es begann nicht mit Gaskammern.“ mahnen uns bis heute. Turski begleitete die Entstehung dieser Ausstellung bis kurz vor seinem Tod. Sein Vorwort zum Katalog wurde wenige Tage vor seinem Tod am 18. Februar 2025 abgeschlossen. Die Ausstellung ist ihm gewidmet. 

Die Kunst der Erinnerung

Im Jahr 2025 jährt sich das Ende des Zweiten Weltkriegs zum 80. Mal – ein Anlass, innezuhalten und sich neu mit der Frage auseinanderzusetzen, wie wir heute an die katastrophalen Ereignisse der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts erinnern. Die Ausstellung mit den Werken von Marian Ruzamski ist ein künstlerischer Beitrag zu diesem Gedenken. Sie richtet den Blick auf ein individuelles Schicksal, das exemplarisch für viele steht, und zeigt zugleich, dass Erinnerung nicht nur Mahnung, sondern auch kulturelles Erbe ist. In einer Zeit, in der geschichtliche Narrative zunehmend infrage gestellt werden, setzt die Ausstellung ein Zeichen für die Bedeutung der Kunst als Medium des historischen Bewusstseins. Sie erinnert daran, dass der Weg zur Versöhnung über das Verstehen führt – und dass dieses Verstehen oft in der Stille eines Bildes beginnt.

Die Ausstellung entstand in Zusammenarbeit mit dem Tarnowski-Schlossmuseum in Tarnobrzeg und dem Staatlichen Museum Auschwitz-Birkenau. Sie wird unterstützt von der Stiftung für deutsch-polnische Zusammenarbeit, dem Polnischen Institut Düsseldorf und der Gerd-Kaimer-Bürgerstiftung Solingen sowie weiteren Förderern. Nach der Erstpräsentation im Museum Zentrum für verfolgte Künste wird die Ausstellung in Tarnobrzeg, der letzten Heimat Ruzamskis, gezeigt und im Frühjahr 2026 im Palast der Schönen Künste in Krakau, wo Ruzamski 100 Jahre zuvor seine letzte Einzelausstellung hatte.

In Vorbereitung zu dieser Ausstellung fand am 4./5. September 2024 im Zentrum für verfolgte Künste die deutsch-polnische Tagung „Vergangenheit erinnern, Zukunft gestalten“ zu Leben und Werk von Marian Ruzamski und dem Kampf gegen Antisemitismus statt.

 

10.00-17.00 Uhr