Aus der Reihe "Berliner Geschichten"

DIE HEXEN VON BERNAU
Von Feindbildern, Justizversagen und einem Verbrechen gegen die Menschheit

Mit: Alina Gause (Spiel, Gesang), Carl Martin Spengler (Spiel, Gesang) und Matthias Behrsing (Klavier)
Regie: Alina Gause
Musikalische Leitung: Matthias Behrsing
Text: Ildiko Bognar
Bühnenbild: Joshua Tewes-McCoy
Kostümbild: Tatjana Hajdukova
Regieassistenz: Milena Mielke

URAUFFÜHRUNG / PREMIERE im Rahmen der Festivalwoche HEIMAT_KUNST zum Motto „DIE KRAFT DER FRAUEN“:
Samstag, 13.06.2026, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS Berlin
Weitere Aufführungen: Sonntag, 21.06.2026, 16:00 Uhr

Dauer: ca. 1h 45 Min. (inkl. Pause nach 45 Min.)

Passend zu unserem Jahresmotto „Die Kraft der Frauen“ widmen wir uns in unserer neuen szenisch-musikalischen Hausproduktion einem dunklen Kapitel der Geschichte: der Hexenverfolgung.

In Bernau bei Berlin setzt ab 1617 eine Verfolgungswelle ein, in deren Verlauf viele Unschuldige, in erster Linie Frauen, als Hexen angeklagt werden. Eine dieser Frauen ist die 70-jährige Bernauerin Dorothea Meermann. Bereits in dritter Generation wird sie wegen Zauberei verhaftet und über zwei Jahre wiederholt gefoltert. Dennoch bietet sie dem Machtapparat der frühen Neuzeit die Stirn und bleibt bis zu ihrem Tod bei ihrer Aussage, keine Zauberin zu sein.

Nach intensiven historischen Recherchen und anhand von wahren Schicksalen machen wir eine Epoche erlebbar, die nur auf den ersten Blick nichts mit unserer modernen Zeit zu tun hat. Alina Gause und Carl Martin Spengler tauchen mal spielend mal erzählend in eine Geschichte ein, in der Narrative mehr wiegen als Fakten und die Mächtigen immer recht haben.

Einlass Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Einlass ab 19:00 Uhr

Weißt du schon, wie wir denken werden
Weißt du schon, wie wir erkennen werden
Wie wir lachen werden über das, was morgen wird
und weißt du noch wie´s doch nicht wird
Alles hier wie immer…
Acht Eimer Hühnerherzen

Siggi Leupold verbrachte die ersten 49 Jahre seines Lebens in Berlin, spielte Posaune und betrachtete die Kreuzung Danziger Straße/Ecke Schönhauser Allee. Manchmal trank er mit seinen Freunden ein Bier und war glücklich. Bis ihm einer seiner Freunde, ein Fremder, den er bei Konnopke kennengelernt hatte, kurz vor seinem 50. Geburtstag die Frage stellte: „Weißt du schon, wie schön es wird?“, und Siggi antwortete: „Nein, weiß ich nicht. Aber ich würde es gern wissen.“ Woraufhin er kurzentschlossen in die nächste Straßenbahn stieg, fröhlich und ausgelassen und voller Ideen für sein nächstes Posaunensolo.

Regisseur Milan Peschel nähert sich gemeinsam mit dem Ensemble und der Band Acht Eimer Hühnerherzen musikalisch dem Thema aller Schauspieler:innen unseres Hauses – der Inklusion – an. Sie fragen sich: Worin besteht der Sinn des Lebens für die Schauspieler:innen mit Behinderungen? Wie definieren sie Glück? Und wie ist eigentlich unser aller Verhältnis zu Vergangenheit und Zukunft? Weshalb haben viele Dinge aus dem Osten (Berlins) keinen Platz mehr? Ist die eigene Identität nicht eng verknüpft mit Erinnerungen an die Kindheit? In einer Stadt, in der stetig Erinnerungen verschwinden, wird nachts, wenn es ruhig wird, gemeinsam über das Leben philosophiert. Es geht um die Möglichkeiten und den Nutzen des Sich-Anpassens, die Vorteile des Langsam-Seins und um das, was wirklich wichtig ist.

English version below

Performance
Kantine
Englisch / English
Ca. 50 Min.

Sein Darm hat eine Stimme – und sie ist gnadenlos. Spill your Guts ist eine schwarzhumorige Bauchredner-Show über einen Darm, der durchdreht. Hendrik Quast steht mit einer scharfzüngigen Puppe auf der Bühne, die seine chronisch-entzündliche Darmerkrankung verkörpert. Mit Theater, Comedy und Musical streiten die beiden über Scham, unverdaute Reste, das Gesundheitssystem und unsichtbare Behinderung. Die zentrale Frage: Wer hat die Deutungshoheit über den kranken Körper – die Medizin, die Patient*innen oder die Krankheit selbst? Nach der Premiere von Spill your Guts in den Sophiensælen 2022 bringt Hendrik Quast nun mit Spill Your Guts: Waiting Room Visions eine englischsprachige Neuentwicklung auf die Bühne, die im August beim Edinburgh Fringe-Festival Premiere feiert.

Text, Performance, Konzept, Raum: Hendrik Quast
Puppe, Maske, Kostüme: Christina Neuss
Licht: Maika Knoblich, Hendrik Borowski
Sound: Toben Piel
Coaching Bauchreden: Marcus Geuss
Dramaturgie: Alex Hennig
Künstlerische Mitarbeit: Florian Fischer
Bühne: Jonas Maria Droste
Künstlerische Assistenz: Michel Wagenschütz
Basierend auf einer Übersetzung von: David Tushingham
Produktionsleitung: Maret Zeino-Mahmalat, Lisa Gehring

Eine Produktion von Hendrik Quast in Koproduktion mit Sophiensæle, Kampnagel Hamburg und dem Künstler*innenhaus Mousonturm. Gefördert durch die Wiederaufnahmeförderung der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt und durch den Hauptstadtkulturfonds. Unterstützt durch das Residenzprogramm der Akademie Schloss Solitude Stuttgart, Schloss Bröllin und Cimma Cità.

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His gut has a voice, and it's relentless. Spill Your Guts is a darkly comic ventriloquist show about a gut gone rogue. Hendrik Quast performs alongside a sharp-tongued dummy embodying his chronic inflammatory bowel disease. Blending theater, comedy and musical, the two argue about shame, undigested leftovers, the medical system and hidden disability. The central question: Who actually holds the interpretive control over the sick body—medicine, the patients, or the disease itself? After premiering Spill Your Guts at the Sophiensæle in 2022, Hendrik Quast returns with Spill Your Guts: Waiting Room Visions — a newly developed English-language performance that will have its premiere at the Edinburgh Fringe Festival this August.

Text, performance, concept, space: Hendrik Quast
Puppet, make-up, costumes: Christina Neuss
Lighting: Maika Knoblich, Hendrik Borowski
Sound: Toben Piel
Coach for ventriloquism: Marcus Geuss
Dramaturgy: Alex Hennig
Artistic collaboration: Florian Fischer
Stage: Jonas Maria Droste
Artistic assistance: Michel Wagenschütz
Based on a translation by: David Tushingham
Production management: Maret Zeino-Mahmalat, Lisa Gehring

A production by Hendrik Quast in co-production with Sophiensæle, Kampnagel Hamburg and Künstler*innenhaus Mousonuturm. Funded by the Funding for presentations of existing work by the Senate Department for Culture and Social Cohesion and by the Capital Cultural Fund (HKF). Supported by the residency programme Akademie Schloss Solitude Stuttgart, Schloss Bröllin and Cimma Cità.

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Im Oktober und November dieses Jahres spielen TEENAGE FANCLUB 35 Konzerte in ganz Europa, genauer gesagt in Spanien, Frankreich, Belgien, Deutschland, den Niederlanden, Großbritannien und Irland. Norman Blake beschreibt es so: „Wir touren schon ewig. Jemand hat mir gerade erzählt, dass es 37 Jahre her ist, seit unserem ersten Konzert 1989. Aber so sehe ich das nicht. Das ist einfach mein Leben, unser Leben. Das ist, was wir tun. Aber wir haben jetzt mehr Spaß daran als je zuvor. Wenn man von so etwas jemals genervt ist, sollte man besser aufhören. Zwölf Konzerte in Spanien und all die anderen Orte auch –
Wahnsinn!"
Ist das eine Jubiläumstour? Raymond McGinley: „Nun ja, für uns ist es der Jahrestag von allem und der Jahrestag von nichts. „Jahrestag von Nichts“ – das wäre ein guter Albumtitel. Ich denke, jeder Tag ist ein Jahrestag von irgendetwas …“ Wenn es keine Jubiläumstour ist, wird es dann eine Tournee zu einem neuen Album sein? Raymond erneut: „Als Band finden wir es wichtig, immer an etwas Neuem zu arbeiten. Wir sehen uns nach wie vor als moderne Band, nicht viel anders als zu unseren Anfängen. Irgendwann werden wir neue Songs veröffentlichen, aber bis dahin behalten wir unsere laufenden Projekte lieber für uns.“

Einlass ab 19:00 Uhr

Romantische Komödie von Samantha Ellis

Er ist Feminist. Sie steht auf Machos.
Aber Feministin sei sie auch, sagt sie, nur - anders als er.
Steve, aufgewachsen in einem Frauenfriedenscamp, und Kate, aufgewachsen bei einem Vater „vom alten Schlag“, könnten unterschiedlicher nicht sein. Dennoch fühlen sie sich zueinander hingezogen. Heirat nicht ausgeschlossen…
Versteht sich also von selbst, das auch seine progressive Mutter und ihr konservativer Vater sich kennenlernen müssen.
Auch Kate’s Ex-Freund und Steve’s Ex-Freundin sind immer in der Nähe.
Kleine und große Katastrophen bahnen sich an.

Auf unterhaltsame und amüsante Art und Weise stellt die rasante Komödie die Frage: Welcher Feminismus, welche Lebensweise ist die „richtige“?

Mit Johannes Hallervorden und Solveig Kolletzki

Regie: Irene Christ

Ausstattung: Sabine Lindner

Romantische Komödie von Samantha Ellis

Er ist Feminist. Sie steht auf Machos.
Aber Feministin sei sie auch, sagt sie, nur - anders als er.
Steve, aufgewachsen in einem Frauenfriedenscamp, und Kate, aufgewachsen bei einem Vater „vom alten Schlag“, könnten unterschiedlicher nicht sein. Dennoch fühlen sie sich zueinander hingezogen. Heirat nicht ausgeschlossen…
Versteht sich also von selbst, das auch seine progressive Mutter und ihr konservativer Vater sich kennenlernen müssen.
Auch Kate’s Ex-Freund und Steve’s Ex-Freundin sind immer in der Nähe.
Kleine und große Katastrophen bahnen sich an.

Auf unterhaltsame und amüsante Art und Weise stellt die rasante Komödie die Frage: Welcher Feminismus, welche Lebensweise ist die „richtige“?

Mit Johannes Hallervorden und Solveig Kolletzki

Regie: Irene Christ

Ausstattung: Sabine Lindner

Von Menschen, die den riskanten Weg übers Mittelmeer auf sich nehmen, in der Hoffnung, in Europa Sicherheit zu finden.

Übertitel in arabisch, englisch und französisch

Die Mittelmeer-Monologe sind dokumentarisches Theater. Autor Michael Ruf (Wort und Herzschlag) führt Interviews, die mehrere Stunde, teils mehrerer Tage dauern. Diese Interviews werden dann lediglich gekürzt und verdichtet. Es wird dabei nichts hinzu erfunden und die sprachliche Ausdrucksweise wird beibehalten. Wortgetreues, wortwörtliches Theater. Inspiriert durch diese Interviews schrieb Michael Ruf auch Songtexte, die in Zusammenarbeit mit Komponist*innen musikalisch umgesetzt wurden. So entstanden »Tons of Water« (Komposition: Marlène Colle), »We fall into silence« (Komposition: Torsten Knoll) und »The Memories always return« (Komposition: Peer Kleinschmidt). Seit Dezember 2021 sind diese Lieder fester Bestandteil der Mittelmeer-Monologe.

Die Mittelmeer-Monologe erzählen von Menschen, die den riskanten Weg über das Mittelmeer auf sich nehmen, in der Hoffnung, in Europa in Sicherheit leben zu können – von libyschen Küstenwachen, italienischen Seenotrettungsstellen und deutschen Behörden, die dies verhindern und von Aktivist*innen, die dem Sterben auf dem Mittelmeer etwas entgegen setzen. Diese Aktivist*innen überzeugen als Ehrenamtliche beim Alarmphone die Küstenwachen davon, Menschen in Seenot zu retten oder lernen auf der Seawatch, Menschen vor dem Ertrinken zu bewahren – kurzum sie tun das eigentlich Selbstverständlichste, was aber im Jahr 2024 alles andere als selbstverständlich ist: menschliches Leben zu retten!

Es ist, als ob die Schauspieler*innen die Menschen im Publikum direkt ansprechen, ihnen die Hand reichen und sie reinziehen in eine Welt, die die Zuschauer*innen von nun an nicht mehr kalt lassen wird: verwickelt, verschlungen, verbunden und vernetzt mit den Protagonist*innen der Mittelmeer-Monologe folgt das Publikum gespannt den Wegen der erzählten Geschichten. Wenn die Schauspieler*innen flüstern, schweigen, behutsam ein Wort in den Raum werfen, dann und wann lauter werden, fordernd oder wütend die Stimme anheben, einmal sogar beinah schreien, dann dringen die Töne nicht abstrakt zu den Zuschauer*innen, dann wird das Publikum ganz direkt und in all ihrer Körperlichkeit von dem Gesagten getroffen und berührt. Wenn die Schauspielerin das Publikum anschaut, dann wird dieses in das Geschehen einbezogen, von dem es weiß und glaubt, dass es so in Wirklichkeit stattgefunden hat.

Jeweils im Anschluss Publikumsgespräche mit Aktivist*innen

Einlass ab 18:45 Uhr (Studio)

Weißt du schon, wie wir denken werden
Weißt du schon, wie wir erkennen werden
Wie wir lachen werden über das, was morgen wird
und weißt du noch wie´s doch nicht wird
Alles hier wie immer…
Acht Eimer Hühnerherzen

Siggi Leupold verbrachte die ersten 49 Jahre seines Lebens in Berlin, spielte Posaune und betrachtete die Kreuzung Danziger Straße/Ecke Schönhauser Allee. Manchmal trank er mit seinen Freunden ein Bier und war glücklich. Bis ihm einer seiner Freunde, ein Fremder, den er bei Konnopke kennengelernt hatte, kurz vor seinem 50. Geburtstag die Frage stellte: „Weißt du schon, wie schön es wird?“, und Siggi antwortete: „Nein, weiß ich nicht. Aber ich würde es gern wissen.“ Woraufhin er kurzentschlossen in die nächste Straßenbahn stieg, fröhlich und ausgelassen und voller Ideen für sein nächstes Posaunensolo.

Regisseur Milan Peschel nähert sich gemeinsam mit dem Ensemble und der Band Acht Eimer Hühnerherzen musikalisch dem Thema aller Schauspieler:innen unseres Hauses – der Inklusion – an. Sie fragen sich: Worin besteht der Sinn des Lebens für die Schauspieler:innen mit Behinderungen? Wie definieren sie Glück? Und wie ist eigentlich unser aller Verhältnis zu Vergangenheit und Zukunft? Weshalb haben viele Dinge aus dem Osten (Berlins) keinen Platz mehr? Ist die eigene Identität nicht eng verknüpft mit Erinnerungen an die Kindheit? In einer Stadt, in der stetig Erinnerungen verschwinden, wird nachts, wenn es ruhig wird, gemeinsam über das Leben philosophiert. Es geht um die Möglichkeiten und den Nutzen des Sich-Anpassens, die Vorteile des Langsam-Seins und um das, was wirklich wichtig ist.

Jede Sekunde wird eine Frau weltweit auf eine Achterbahn gesetzt - mit verbundenen Augen, ohne Vorwarnung oder Zustimmung. Die Fahrt dauert zwischen einem und fünfzehn Jahren. WIND OF CHANGE ist ein Solo über die Wechseljahre, feministisches Altern, die Transformation weiblicher Körper und den ganzen Rest. Er ist witzig und böse, virtuos, ernst und relevant.

Susanne Abelein und Sabrina Zwach haben eine Sprache gefunden, über das „unlustigste Thema der Welt“ lustig zu erzählen, andererseits aber auch zu berühren, zu informieren, Tabus zu brechen und Scham zuzulassen. WIND OF CHANGE ist kein Aufklärungsabend und kein Betroffenheitstheater – es ist ein Theaterabend nicht nur für die Frauen, die es betrifft, sondern für alle, die es angeht: Arbeitgeber*innen, Ärzt*innen sind, Forschende, Versicherer, Partner*innen, Familie, Freund*innen, Kinder.

Es geht um Erfahrungen, über die noch immer viel zu selten gesprochen wird. Um Körper, die sich verändern. Um den Widerspruch zwischen diesen Erfahrungen, dem gesellschaftlichen Imperativ des Funktionierens und einem eklatanten Mangel an Forschung. Vor allem aber geht es um Selbstermächtigung: um die Rückeroberung weiblicher Körper – und der Deutungshoheit über sie. Denn: „Wir haben viel zu lange die Zähne zusammengebissen und sind durch die Changes durchmarschiert, vollgestopft mit Pillen und Tampons, bis wir ausgeblutet sind.“

"Klug, erhellend, witzig, politisch, notwendig und ebenso selbstbestimmt wie unterhaltsam. Ernsthaft." - P.S. Zeitung

KONZEPT / TEXTMITARBEIT / PERFORMANCE Susanne Abelein KONZEPT / AUTORIN / REGIE Sabrina Zwach Kostüm Nic Tillein SOUND Polina Lapkovskaja LICHT Ueli Kappeler PRODUKTIONSLEITUNG H&K BühnenGlück Produktionen Koproduktion Fabriktheater Rote Fabrik Zürich MIT FREUNDLICHER UNTERSTÜTZUNG DURCH Migros-Kulturprozent / Elisabeth Weber Stiftung / Kanton Zürich Kulturförderung/Swisslos / Ernst Göhner Stiftung AUFFÜHRUNGSRECHTE S. Fischer Verlag GmbH, Frankfurt am Main

SUSANNE ABELEIN arbeitet als Performerin und Schauspielerin in Zürich, Hannover, Berlin. Kollaborative Theater-Projekt-Arbeit von der Konzeption bis zur Performance bilden den Schwerpunkt. Einladungen u.a. zum Impulse Festival, Biennale Venedig- Mitglied im Ensemble des Luzerner Theaters unter Barbara Mundel. 2003–06 Ensemblemitglied am Theater Basel unter Lars Ole Walburg. Arbeiten u.a. mit René Pollesch, Sebastian Nübling, CapriConnection und Regisseurin beim transkulturellen Basler Theaterprojekt fremd?! und in unzähligen freien Produktionen u.a. mit Marcel Schwald Patrick Frank, Anne Andresen, Georg Scharegg, Ulrike Willberg, Tim Zulauf/KMU Produktionen, Kiel/Meppelink. 2017–20 t.Zürch Vorsitz, Mitinitiatorin von FairSpec.

SABRINA ZWACH arbeitete als Dramaturgin und Regisseurin in der Freien Szene. Im Auftrag der Bundesregierung kuratierte sie das 5. Festival Politik im Freien Theater 2005 in Berlin. Von 2008–2011 arbeitete sie unter Frank Castorf in der künstlerischen Leitung an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz und an Projekten mit Herbert Fritsch. Im Berliner Ensemble arbeitete sie als Dramaturgin, war dann in der künstlerischen Leitung des Burgtheaters und ist nun wieder als freie Autorin und Dramaturgin tätig. Sie schreibt für Theater und Fernsehen. Ab der Spielzeit 2027/28 wird sie Teil der Leitung am Schauspielhaus Bochum. Sie lebt in Berlin.

Holy Shit! 20 Jahre Steaming Satellites!
Seit ihrem Debütalbum Neurotic Handshake at the Local Clown Party (2006) waren die Steaming Satellites europaweit und in den USA auf Tour. Als Support Act für Bands wie Portugal. The Man, Alt-J, The White Lies und viele mehr konnten sie schon ein großes Publikum begeistern und fanden internationalen Zuspruch.

Ihr unverkennbar emotional geladener Sound und ihre ekstatischen Live- Performances lassen niemanden kalt und machen Lust auf mehr. Ihre Musik, die irgendwo zwischen Indie, Alternative, Psychedelic und Space Rock angesiedelt ist, wurde nicht nur in den Charts gefeiert, sondern fand auch in der Filmwelt Anklang, unter anderem im Soundtrack zum preisgekrönten Film „Das finstere Tal“. Auch die eine oder andere Netflix-Serie wurde schon mit dem Sound der dampfenden Satelliten untermalt.

Auf der Suche nach frischem Wind stoßen die Steaming Satellites ein weiteres Mal in neue Dimensionen vor. Mit dem im Herbst 2026 erscheinenden Album „The Great Lime Paradigm” präsentiert sich die Band um den Singer-Songwriter Max Borchardt von einer neuen Seite. Etwas leichter, frischer und unbeschwerter als je zuvor. Weg mit dem Ballast!

Die Triebfeder war, sich von der Schwere der Welt nicht erdrücken zu lassen. Die Kunst als Hoffnungsträger, die Musik als Ventil!

Get ready for some action!

Einlass: 19:00 Uhr

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

PRINZESS ROSINE
Große Operette mit Luftballett frei nach Paul Lincke

Besetzung:
STEFANIE DIETRICH (Spiel, Gesang)
MEIK VAN SEVEREN (Spiel, Gesang)
MARKUS ZUGEHÖR / INSA BERNDS alternierend (Klavier)
Idee und Konzept: STEFANIE DIETRICH
Fassung: FABIAN GERHARDT, STEFANIE DIETRICH
Regie: FABIAN GERHARDT
Musikalische Leitung: MARKUS ZUGEHÖR
Kostümbild, Bühne: STEPHAN BOLZ
Kostümbildassistenz: TATJANA HAJDUKOVA
Lichtdesign: LUCAS MÜLLER, LORENZ REIMANN

PREMIERE war am 01.03.2025, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS BERLIN

Dauer: ca. 120 Min (Teil I: 55 MIn. / Pause: 20 Min. / Teil II: 45 Min.)

In unserer jüngsten Produktion geht es – ganz im Sinne der so genannten „Berliner Operette“ – richtig albern, frivol und herrlich bunt zu.
Paul Linckes großartige Musik, die extravaganten Kostüme und nicht zuletzt zwei fantastische Darstellenden, die sonst auf den großen Operettenbühnen zu Hause sind, sorgen für jede Menge Spaß.
In der Tat werden sämtliche Haupt- und Nebenrollen von der Prinzessin Rosine über die Gäste und Bewohner eines ominösen Schlaraffenlandes bis hin zu den Mitgliedern des königlichen Hofes, aber auch das komplette Orchester und das Corps de Ballet von zwei Personen gespielt und gesungen: Stefanie Dietrich, bekannt als Mizzi Meier und aus unserer Hausproduktion über Kurt Tucholsky und Meik van Severen, der sich auch als Dragqueen einen Namen gemacht hat und den Sie erstmalig auf unserer Bühne erleben dürfen!

Prinzess Rosine, 1905 in Berlin uraufgeführt, ist ein echtes musikalisches Juwel, das wir aus der Vergessenheit holen und erneut auf Hochglanz polieren. So kehrt Paul Linckes Musik dorthin zurück, wo sie hingehört: ins Herz der Hauptstadt.

Freuen Sie sich auf unseren musikalischen Ausstattungsspaß im Taschenformat!

Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

English version below

Performance
Kantine
Englisch / English
Ca. 50 Min.

Sein Darm hat eine Stimme – und sie ist gnadenlos. Spill your Guts ist eine schwarzhumorige Bauchredner-Show über einen Darm, der durchdreht. Hendrik Quast steht mit einer scharfzüngigen Puppe auf der Bühne, die seine chronisch-entzündliche Darmerkrankung verkörpert. Mit Theater, Comedy und Musical streiten die beiden über Scham, unverdaute Reste, das Gesundheitssystem und unsichtbare Behinderung. Die zentrale Frage: Wer hat die Deutungshoheit über den kranken Körper – die Medizin, die Patient*innen oder die Krankheit selbst? Nach der Premiere von Spill your Guts in den Sophiensælen 2022 bringt Hendrik Quast nun mit Spill Your Guts: Waiting Room Visions eine englischsprachige Neuentwicklung auf die Bühne, die im August beim Edinburgh Fringe-Festival Premiere feiert.

Text, Performance, Konzept, Raum: Hendrik Quast
Puppe, Maske, Kostüme: Christina Neuss
Licht: Maika Knoblich, Hendrik Borowski
Sound: Toben Piel
Coaching Bauchreden: Marcus Geuss
Dramaturgie: Alex Hennig
Künstlerische Mitarbeit: Florian Fischer
Bühne: Jonas Maria Droste
Künstlerische Assistenz: Michel Wagenschütz
Basierend auf einer Übersetzung von: David Tushingham
Produktionsleitung: Maret Zeino-Mahmalat, Lisa Gehring

Eine Produktion von Hendrik Quast in Koproduktion mit Sophiensæle, Kampnagel Hamburg und dem Künstler*innenhaus Mousonturm. Gefördert durch die Wiederaufnahmeförderung der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt und durch den Hauptstadtkulturfonds. Unterstützt durch das Residenzprogramm der Akademie Schloss Solitude Stuttgart, Schloss Bröllin und Cimma Cità.

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His gut has a voice, and it's relentless. Spill Your Guts is a darkly comic ventriloquist show about a gut gone rogue. Hendrik Quast performs alongside a sharp-tongued dummy embodying his chronic inflammatory bowel disease. Blending theater, comedy and musical, the two argue about shame, undigested leftovers, the medical system and hidden disability. The central question: Who actually holds the interpretive control over the sick body—medicine, the patients, or the disease itself? After premiering Spill Your Guts at the Sophiensæle in 2022, Hendrik Quast returns with Spill Your Guts: Waiting Room Visions — a newly developed English-language performance that will have its premiere at the Edinburgh Fringe Festival this August.

Text, performance, concept, space: Hendrik Quast
Puppet, make-up, costumes: Christina Neuss
Lighting: Maika Knoblich, Hendrik Borowski
Sound: Toben Piel
Coach for ventriloquism: Marcus Geuss
Dramaturgy: Alex Hennig
Artistic collaboration: Florian Fischer
Stage: Jonas Maria Droste
Artistic assistance: Michel Wagenschütz
Based on a translation by: David Tushingham
Production management: Maret Zeino-Mahmalat, Lisa Gehring

A production by Hendrik Quast in co-production with Sophiensæle, Kampnagel Hamburg and Künstler*innenhaus Mousonuturm. Funded by the Funding for presentations of existing work by the Senate Department for Culture and Social Cohesion and by the Capital Cultural Fund (HKF). Supported by the residency programme Akademie Schloss Solitude Stuttgart, Schloss Bröllin and Cimma Cità.

English version below

Premiere
Tanz / Dance, Performance
Festsaal
Englisch, Arabisch / English, Arabic
Ca. 1h

Im Arabischen ist „athar“ das Wort für „Spur" – und zugleich für „Ruine". In dieser neuen Arbeit des Performers und Choreografen Enad Marouf bezeichnet „athar" das, was bleibt: ein Fragment, zugleich Beweis einer Abwesenheit und Überrest eines Daseins. Die Performance kehrt zurück in die 1960er und frühen 70er-Jahre – Zeit des politischen Wandels und Geburtsstunde von Befreiungsbewegungen und Studierendenprotesten. Jene Epoche ähnelt unserer Gegenwart, doch die Unterschiede reichen tief: Damals schienen eine politische Vorstellungskraft und ein Versprechen von Zukunft noch möglich – etwas, das sich heute nur sehr schwer denken lässt. Die Performance bringt das Publikum und Künstler*innen im Theater als Kollektiv zusammen: auf der Spur eines Moments von Zeit, Raum und Verlust – und zugleich der Möglichkeit, gemeinsam zu denken.

Konzept, Choreografie: Enad Marouf
Performance: Ronald Alonso Berger, jee chan, Kiana Rezvani
Stimme: Majdoleen Shalgheen, Bassyma Saad
Musik: Cem Dukka
Licht: Jacqueline Sobiszewski
Bühne: Enad Marouf
Kostüme: Grzegorz Matlag
Choreografische Assistenz: Samuel Pereira
Im Gespräch mit: Franziska Aigner, Edwin Nasr
Produktionsleitung: Florian Greß

Eine Produktion von Enad Marouf in Koproduktion mit Sophiensæle. Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

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In Arabic, “athar” means both “trace” and “ruin”. In this new work by performer and choreographer Enad Marouf, it refers to what remains: a fragment, a proof of absence and a remnant of existence at the same time. The work revisits the 1960s and early 70s, a time of political change that gave rise to liberation movements and student uprisings worldwide. That era mirrors our own, yet the differences run deep: back then, a political imagination and a promise of the future felt possible – something that seems very difficult to imagine today. The performance seeks to bring audience and artists together as a collective in the theater: tracing a moment of time, space and loss—and at the same time the possibility of thinking together.

Concept, choreography: Enad Marouf
Performance: Ronald Alonso Berger, jee chan, Kiana Rezvani
Voice: Majdoleen Shalgheen, Bassyma Saad
Music: Cem Dukka
Light: Jacqueline Sobiszewski
Stage: Enad Marouf
Costumes: Grzegorz Matlag
Choreographic assistance: Samuel Pereira
In conversation with: Franziska Aigner, Edwin Nasr
Production management: Florian Greß

A production by Enad Marouf in co-production with Sophiensæle. Funded by the Senate Department for Culture and Social Cohesion. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Der Klassiker des deutschen Kabaretts

Kein anderes Volk der Welt hat wie wir Deutschen eine derartige Fülle an Gesetzen und Paragrafen hervorgebracht. Wir regeln einfach alles: die Eheschließung bei Bewusstlosigkeit (§1314 BGB) und das vorschriftsmäßige Anbringen von Warndreiecken bei Trauer-Prozessionen (§27 StVO). Und das packt der Gesetzgeber dann in eine Sprache, die selbst Juristen kaum noch verstehen. Dagegen gibt es nur eine Notwehr: Lachen!Das Programm setzt in der Pointendichte neue Maßstäbe, ist grandios schwarzhumorig, intelligent und dabei höchst unterhaltsam.

"Am achten Tag..." bedeutet: zwei Stunden erfrischender Humor.

Buch: Werner Koczwara
Foto: Dirk Dehmel / Foto Urbschat

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Joe Bonamassa, der Blues-Rock Superstar wird 2026 für 7 Shows nach Deutschland kommen. Der
Start seiner Tournee wird am 22.04.2026 in der Barclays Arena in Hamburg stattfinden. Insgesamt 7
Shows stehen auf dem Programm. Die Tournee, die im April mit 4 Terminen startet, wird Ende Oktober
mit weiteren 3 Shows fortgesetzt.
Der New Yorker Gitarrist gehört zu den Dauergästen in deutschen Konzerthallen. Ziemlich genau ein
Jahr nach seinem letzten triumphalen Zug durch deutsche Konzerthallen kehrt Joe Bonamassa wieder
zurück. Erstmals wird er auch Songs aus seinem aktuellen Album 'Breakthrough' (Platz 5 der
deutschen Album Charts) live vorstellen.
Mit dem Gold-Award für 'Live From The Royal Albert Hall' 2011 in Deutschland begann für den
Gitarristen sein Triumphzug durch unser Land. Seine jährlichen Stippvisiten bescherten ihm immer
größer werdende Hallen, die er mühelos füllte bzw. ausverkaufte. 2025 konnten Fans Joe und seine
erstklassige Band in Oberhausen (Rudolf Weber Arena), München (Olympiahalle), Hannover (ZAG
Arena) und zweimal in der ausverkauften Frankfurter Jahrhunderthalle bewundern. Zudem spielte er
noch ein umjubeltes Konzert im Sommer bei den Stuttgarter Jazz Open.
Wer vor ein paar Jahren noch glaubte, dass Bluesrock nur ein musikalisches Nischenprodukt wäre,
wurde von Joe Bonamassa eines Besseren belehrt. Der Amerikaner wurde hierzulande bereits 3-mal
mit Gold ausgezeichnet und seit über 10 Jahren spielt er in den vorderen Rängen der Charts mit. Auf
sein Konto gehen allein in Deutschland 18 Top 10 Platzierungen, davon vier Nummer 3 Platzierungen
und er erhielt bereits drei Gold-Awards. In den USA kommt er auf eine schwindelerregende Anzahl
von 25 Nummer 1 Alben in den Billboard Blues Charts.
Auch wenn er mit seinen Alben so erfolgreich ist, bleibt die Bühne der perfekte Ort für den Sänger und
Gitarristen. Mit dem für ihn mittlerweile typischen Outfit mit Anzug und Sonnenbrille wird er seine Fans
begeistern und sein Erbe als einer der größten Gitarristen unserer Zeit weiter ausbauen.
“Es gibt niemanden in der Bluesrock-Szene, der mit so viel Talent und Leidenschaft und gleichzeitig
mit so viel Ehrerbietung vor denen, die vor ihm auf der Bühne standen spielt. Niemand hat so viel
Hingabe für sein Handwerk wie Joe Bonamassa!“
Classic Rock Magazin

Einlass: 18:30 Uhr

Der Klassiker des deutschen Kabaretts

Kein anderes Volk der Welt hat wie wir Deutschen eine derartige Fülle an Gesetzen und Paragrafen hervorgebracht. Wir regeln einfach alles: die Eheschließung bei Bewusstlosigkeit (§1314 BGB) und das vorschriftsmäßige Anbringen von Warndreiecken bei Trauer-Prozessionen (§27 StVO). Und das packt der Gesetzgeber dann in eine Sprache, die selbst Juristen kaum noch verstehen. Dagegen gibt es nur eine Notwehr: Lachen!Das Programm setzt in der Pointendichte neue Maßstäbe, ist grandios schwarzhumorig, intelligent und dabei höchst unterhaltsam.

"Am achten Tag..." bedeutet: zwei Stunden erfrischender Humor.

Buch: Werner Koczwara
Foto: Dirk Dehmel / Foto Urbschat