Mit »All Memory Is Theft« zeigt das ZKM eine umfassende Retrospektive des belgischen Film- und Medienkünstlers Johan Grimonprez (*1962), dessen Werk sich an der Grenze zwischen Theorie und Praxis, Kunst und Kino, Dokumentation und Fiktion bewegt.

„Wem gehört unsere Fantasie in einer Welt, in der die Existenz ins Wanken gerät, und die Wahrheit als schiffbrüchige Geflüchtete umherirrt? Sind es die Geschichtenerzähler:innen, die die Widersprüche in Schach halten können, indem sie zwischen die uns gegebenen Sprachen schlüpfen und zu Zeitreisenden der Imagination werden?“ (Johan Grimonprez)

Basierend auf einer Archäologie der heutigen Medienlandschaft kombiniert Grimonprez Fragmente aus Filmen, Fernsehnachrichten, Werbung, Kino- und Amateurfilmen sowie dem Internet und webt daraus neue Narrative, die unsere Wahrnehmung der Realität auf die Probe stellen. Grimonprez‘ Werke, die in den bedeutendsten Museen weltweit präsentiert und auf Festivals vielfach ausgezeichnet wurden, führen uns vor Augen, inwieweit sich die Art der Darstellung von Aktualität und Imagination, von CNN und Hollywood heute verschränkt haben. Sie betonen damit die Komplexität unserer durch Medien geprägten Gegenwart, die in Zeiten von Populismus und im Internet grassierenden Verschwörungstheorien mehr denn je anfällig für Manipulationen ist.    

In der Ausstellung werden Johan Grimonprez‘ Werke aus den letzten 30 Jahren in einem vielschichtigen Parcours präsentiert, bei dem Bewegtbilder, Archivmaterialien und Zitate intertextuell miteinander verwoben sind. Die Ausstellung umfasst Filminstallationen, Lang- und Kurzfilme, Vlogs, Storyboards und Zeichnungen des Künstlers und spannt so einen Bogen von seinen frühen Arbeiten wie »Kobarweng or Where is your Helicopter« (1992) und seiner Mehrkanal-Installation “It will be alright if you come again (…)” (1994) über seinen documenta X Beitrag »dial H-I-S-T-O-R-Y« aus dem Jahr 1997 bis zu seinem neuesten, vom ZKM für die Ausstellung koproduzierten Film »Soundtrack to a Coup d‘Etat« (2024), der in diesem Jahr für die Oscars® als Bester Dokumentarfilm nominiert wurde – eine rasante Montage aus Archivmaterial, die von der Unabhängigkeit des Kongo von der belgischen Kolonialherrschaft im Jahr 1960 und der Ermordung des ersten frei gewählten Premierministers Patrice Lumumba handelt und dabei die Verbindungen zwischen Jazzmusik, Geopolitik und kolonialer Machtdynamik während des Kalten Krieges nachzeichnet.

Unter Bezugnahme auf Paul Virilio sagte Johan Grimonprez einmal, dass jede Technologie auch ihren eigenen Unfall hervorbringt: „Mit dem Schiff hat man den Schiffbruch erfunden, mit dem Fliegen den Flugzeugabsturz“, so der französische Philosoph und Medientheoretiker. Man könnte hinzufügen, dass mit der Erfindung der virtuellen Realität und der KI die Wirklichkeit verunfallt ist. Grimonprez' Arbeiten weisen also nicht nur darauf hin, dass die Medien heute nicht mehr die Realität einholen müssen, sondern dass es vielmehr die Realität ist, die heute die Medien einholen muss.

Museumsöffnungszeiten

Die Rose ist eine faszinierende Blume. Nicht nur, dass sie eine Zierde für jeden Garten ist und auch noch wunderbar duftet – nein, sie hat mit ihrer Symbolkraft auch weite Teile des Lebens, wie Liebe, Politik, Kunst, Mythologie, Religion und vieles mehr geprägt. Außerdem werden Rosenöl und Rosenwasser in der Kosmetik- und Nahrungsmittelindustrie verwendet, und 42 Prozent aller verkauften Schnittblumen sind Rosen, wobei der Anbau in außereuropäischen Staaten und Handel nicht unproblematisch sind.

Als besonders schöne Blühpflanzen und unverzichtbarer Teil des Ökosystems können Rosen aber auch für die drängenden Probleme der Gegenwart wie Artenvielfalt und -erhalt und damit für die Klimaproblematik sensibilisieren. All dies steht im Mittelpunkt der Ausstellung zur Kulturgeschichte der Rose, wobei natürlich die Pflanze und ihre Rolle in der Gartenkultur nicht zu kurz kommen.
Interessante Objekte aus den Bereichen Mode, Design, Kunst, aber auch Alltag sollen einen Eindruck von der Anziehungskraft vermitteln, die die Rose ausgeübt hat und noch immer ausübt – auch mit ihrer dunklen Seite.

Duftstationen versprechen eine Erfahrung für die Sinne und mehrere Mitmachstationen machen die Ausstellung zu einem Erlebnis für die ganze Familie.

Gefördert vom MWK und vom Lüneburgischen Landschaftsverband, von der VR-Stiftung der Volksbanken und Raiffeisenbanken in Norddeutschland, der Volksbank Celle, Niederlassung der Hannoverschen Volksbank, und vom Museumsverein Celle e.V.

Di - So 11-17 Uhr

Mit der Ausstellung »The Story That Never Ends. Die Sammlung des ZKM« gibt das ZKM | Karlsruhe einen umfassenden Einblick in die eigene Sammlung, die mit ca. 12.000 Werken zu den größten und bedeutendsten Medienkunstsammlungen der Welt gehört. Die Ausstellung erzählt nicht nur von den miteinander verwobenen Geschichten von Kunst und Technologie, sondern auch von den Herausforderungen, die die schnelllebigen technologischen Medien für Museen weltweit mit sich bringen.

Die Geschichte der Medienkunst von den 1950er-Jahren bis heute

Elektrifizierung und Digitalisierung haben die Welt verändert. Dieser Wandel erfasste nicht nur unseren Alltag, sondern wirkte sich auch auf das künstlerische Schaffen aus. 

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts nutzen Künstler:innen diese sich rasant weiterentwickelnden Technologien und erweitern so kontinuierlich die Ausdrucksmöglichkeiten der Kunst: Das Spektrum reicht von Video-, Licht- und Klangkunstwerken, über motorbetriebene kinetische Objekte, bis hin zu computerbasierten interaktiven Installationen oder Werken, die mithilfe von künstlicher Intelligenz erzeugt wurden. 

Mit etwa 100 Arbeiten zeichnet »The Story That Never Ends« diese Entwicklungslinien der apparativen Künste und ihre Öffnung zu den Kategorien Raum, Zeit und Bewegung sowie Interaktion und Partizipation nach – von den 1950er-Jahren bis in die Gegenwart. Eine Auswahl bedeutender Schlüsselwerke, die wichtige Momente und Meilensteine der Medienkunst repräsentieren, stellen die Vielfalt und den Einfluss dieser technologischen Entwicklungen dar. Marie-Jo Lafontaines monumentale Videoskulptur »Les larmes d’acier« (1987), mit der sie auf ironische Weise die komplexen Begriffskonstellationen „Mann, Maschine, Macht und Sexualität“ paradigmatisch dekonstruiert sowie Bill Violas Video-Klanginstallation »Stations« (1994), die zentrale Aspekte seines künstlerischen Schaffens wie grundlegende Themen menschlichen Daseins vereint oder Jeffrey Shaws »Virtual Sculpture« (1981), die für frühe Experimente der Augmented Reality steht, bilden hier eine kleine Auswahl an Beispielen. 

Gleichzeitig macht die Ausstellung auch den sozial- und gesellschaftspolitischen Rahmen, in dem die Werke entstanden sind nachvollziehbar, um Rückschlüsse und Bezüge zu den drängenden Fragen unserer heutigen Zeit zu ermöglichen: Feministische Arbeiten früher (Medienkunst-)Pionierinnen, wie beispielsweise pezoldo (aka Friederike Pezold), Lynn Hershman Leeson, Kirsten Geisler oder Rebecca Horn, sind hier genauso zu nennen wie Arbeiten, die die Auswirkungen der Massenmedien wie Fernsehen (Nam June Paik, Wolf Vostell), die Verbindung zwischen Technologie und Militär, Grenzen und Überwachung oder Gewalt im digitalen Raum (Paul Garrin, Hanna Haaslahti, David Rokeby) oder natürliche Ökosysteme (Justine Emard, Claudia González Godoy) reflektieren. Immer wieder hinterfragen Künstler:innen die Möglichkeiten und Auswirkungen neuer Medien, denken und gestalten sie um, und bringen so neue soziale und kulturelle Narrative hervor, die den Diskurs über unser Verhältnis zu Technologie prägen. 

Wir betrachten Kunst, wie der Ausstellungstitel suggeriert, als eine Geschichte, die niemals enden wird, solange es Menschen gibt. Dass wir nicht wissen, welche Form sie in der Zukunft annehmen wird, hat sie mit der Technologie gemeinsam. Unser Wissen über die Vergangenheit und Gegenwart beeinflusst, wie wir die Zukunft gestalten und das, was noch kommen wird, wertschätzen.

Die Medienkunstrestaurierung

„Die Geschichte, die niemals endet“ spielt nicht nur auf die künstlerische Entwicklung, sondern auch auf die Herausforderungen an, mit denen Museen konfrontiert sind, die Medienkunstwerke sammeln: Technische Geräte sind nicht für die Ewigkeit gemacht, Datenträger zerfallen, Softwarestandards sind rasch überholt und Medienformate sind nach wenigen Jahren nicht mehr lesbar. Das bedeutet, dass Werke kontinuierlich von Restaurator:innen überwacht und technisch aktualisiert werden müssen. Welche Auswirkungen hat dies auf die Kunst und unser kulturelles Gedächtnis? Welche Fähigkeiten müssen wir entwickeln, um nicht nur eine Zukunft zu haben, sondern auch eine Vergangenheit?

Das ZKM verfügt über eine international anerkannte Expertise in der Konservierung und Restaurierung von Medienkunst. Da diese konservatorischen und restauratorischen Arbeiten jedoch vornehmlich im Verborgenen geschehen, geht »The Story That Never Ends« einen radikalen Schritt: Die Entscheidung, welche Schlüsselwerke aus der Sammlung in der Ausstellung gezeigt werden, wurde den Restaurator:innen des ZKM anvertraut. Sie bringen so verborgene Schätze ans Licht, die aufgrund von aufwändigen Erhaltungsmaßnahmen zum Teil seit Jahrzehnten nicht mehr öffentlich sichtbar waren. Da die Werke selbst nicht unbedingt die Komplexität ihrer Technik und die Herausforderungen ihrer Erhaltung offenbaren, bietet die Ausstellung zusätzlich eine Einführung in die Technikgeschichte und in die Konservierungsstrategien für diese Art von Werken.

Der Blick von der Vergangenheit in die Zukunft

»The Story That Never Ends« erzählt somit anhand der einzigartigen Sammlung des ZKM nicht nur die faszinierende Geschichte der Medienkunst. Sie macht auch die Fragilität unserer elektrifizierten und digitalisierten Zivilisation deutlich. Die Ausstellung ermöglicht einen tiefgehenden Einblick in die Kunst- und Technikgeschichte des 20. und 21. Jahrhunderts und zeigt, wie Geschichte den Blick auf die Gegenwart schärft und anregt, mögliche Zukünfte zu imaginieren.

Mi bis Fr: 10 bis 18 Uhr Sa, So: 11 bis 18 Uhr

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

Die großformatigen und doch von besonderer Ruhe zeugenden Skulpturen von Ingrid Hartlieb sind aus unterschiedlichen Holzblöcken zu einer Rohform zusammengeschichtet, verleimt und mit der Kettensäge, Wachs, Beize und Firniss bearbeitet. Alle Werke - sie nennt sie "Räderwerk", "Rettungsring", "Abstandshalter" oder auch "Fluchtwerkzeug", um nur einige Titel zu nennen - unterliegen einem aufwendigen Arbeitsprozess, den die Künstlerin über viele Jahrzehnte sorgsam entwickelt hat.

Im Nachgang zu ihrem 80. Geburtstag würdigt das Museum Ingrid Hartliebs vielgestaltiges Schaffen. Neben zahlreichen Skulpturen und Papierarbeiten werden in der Ausstellung auch einige sogenannte "Prüfstücke" aus Blei und Papier präsentiert. Bis heute gilt die Künstlerin in Deutschland als eine der wenigen kraftvollen Holzbildhauerinnen ihrer Generation, die jedoch vom Kunstmarkt zu oft übersehen wurde.

Mi bis Fr von 14 bis 17 Uhr, Sa/So von 11 bis 17 Uhr

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Ob Hut, Tasche oder Schmuck, ganz ausgefallen, modisch oder klassisch schlicht: Der Wunsch sich zu schmücken ist seit jeher präsent. Dabei scheinen den Accessoires keine Grenzen gesetzt. Sie unterliegen den ständig wechselnden Modeströmungen und vieles wird heute anders als früher oder gar nicht mehr getragen. Doch für die Menschen in den vergangenen Jahrhunderten gab es unverzichtbare, die Kleidung ergänzende Dinge, die zur täglichen Kleidung gehörten.
Die Ausstellung „alltagsschick & sonntagsfein“ im Bergfried „Dicker Wilhelm“ widmet sich daher den verschiedensten Accessoires von alt bis neu. Sie präsentiert hauptsächlich Objekte aus der Sammlung des Museums. Diese stammen vorwiegend aus dem 19. und frühen 20. Jahrhundert und spiegeln auch das alltägliche Leben der Menschen der Region wieder. Denn oftmals handelt es sich bei den Stücken um Schenkungen aus Freyburg und der Umgebung. Ergänzt wird dies durch ausgewählte Leihgaben.

Zu bestimmten Anlässen wurden zugehörige Accessoires getragen und Regeln bestimmten die Art der persönlichen Dekoration. Gemeinsam haben sie aber alle die Absicht, sowohl die Individualität als auch die gesellschaftliche Zugehörigkeit ihrer Trägerinnen und Träger zu unterstreichen. Ob für den Tanzball, Theater oder der sonntägliche Spaziergang wie beispielsweise zur Neuenburg und ihrer reizvollen Umgebung.
Bereits im 19. Jahrhundert war das Schloss Neuenburg nämlich ein Reiseziel für Interessierte aus Nah und Fern. Das belegt das älteste erhaltene Gästebuch aus dem Jahr 1840, welches im Bergfried ausgelegt war. Der bisher älteste Gästebucheintrag datiert aber schon für den 5. Oktober 1828: Kein geringerer als der Turnvater Friedrich Ludwig Jahn (1778–1852) beschrieb darin seine Aussicht vom „Dicken Wilhelm“ vor 197 Jahren. Doch welche Accessoires trug er, als er den Aufstieg wagte? Zumindest wird er alltagsschick oder sonntagsfein unterwegs gewesen sein.

Dienstag bis Sonntag von 10 Uhr bis 18 Uhr; letzter Einlass 17:30 Uhr

Thomas Manns lebenslanges Ringen mit Liebe, Leben und Literatur.

Zum 150. Geburtstag im Juni 2025: der ganze Thomas Mann und sein wirkliches Leben, mit neuen Quellen mitreißend erzählt, beschrieben und
erklärt von Tilmann Lahme.

Er ist der literarische Magier des zwanzigsten Jahrhunderts: Nobelpreisträger und gefeiertes Genie und zugleich so unglücklich, wie man nur sein kann. Er liebt und darf nicht lieben, die Vorstellungen seiner Zeit stehen ihm im Weg. Was für ein Antrieb zu großer Literatur – und was für ein leidvolles Leben.

Seit seinem frühen Welterfolg mit den ›Buddenbrooks‹ und zwei Jahrzehnte später mit dem ›Zauberberg‹ öffnen sich ihm alle Türen, bis hin zu der im Weißen Haus. Keine deutsche Stimme kämpft so hörbar gegen Hitler wie seine, kein anderer häuft Ehrungen auf sich wie er. Seine Frau Katia und seine sechs Kinder umringen ihn dabei wie eine Festung. Doch der Abgrund ist immer nur einen Schritt entfernt.

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN öffnete 2015 seine Pforten in Berlin. Es ist am Alexanderplatz direkt im Berliner Fernsehturm beheimatet. Seitdem haben die Besucherinnen und Besucher die Möglichkeit eine Vielzahl einzigartiger Plastinate zu bestaunen. Diese geben einen tiefen Einblick in das hochkomplexe Innere des menschlichen Körpers. So erhalten Interessierte ein detailliertes Wissen über Organfunktionen und häufige Krankheiten, all das leicht verständlich vermittelt. Durch die lebensnahen Posen wird ein unmittelbarer Bezug zu den Betrachtenden hergestellt.

Was verbindet uns, was hält uns aufrecht und in Bewegung, was lässt uns lachen und lieben? Bei den KÖRPERWELTEN erhalten Sie Antworten auf diese und viele weitere Fragen. Machen Sie sich auf eine tief berührende und inspirierende Begegnung mit dem Leben bereit. Lassen Sie sich einen Besuch nicht entgehen und erleben Sie die Faszination der Plastination.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Lucerne Festival gehört zu den international führenden Festivals im Bereich der klassischen Musik. Gegründet wurde Lucerne Festival 1938, Intendant ist seit 1999 Michael Haefliger.

Fans des weltweit bekannten Anime-Phänomens „Attack on Titan“ erwartet ein einmaliges Erlebnis!
Bereiten Sie sich auf eine unvergessliche Reise in die Welt der Titanen und packenden Schlachten vor, denn das „Attack on Titan“ Konzert erweckt die epische Saga durch Musik, visuelle Effekte und pure Emotionen zum Leben. Das Konzert wird an einigen der renommiertesten Veranstaltungsorte der Welt stattfinden (Dolby Theater, Carnegie Hall, OVO Arena Wembley, Sydney Opera House, etc.) und verspricht eine beeindruckende Fusion aus Rock- und Orchestermusik, fesselnden Gesangsauftritten und atemberaubenden visuellen Effekten. So wird eine vollständig immersive Erfahrung geschaffen, die die Besucher direkt ins Herz des „Attack on Titan“ Universums transportiert.

Mit dem international gefeierten Soundtrack Von Hiroyuki SAWANO (Staffeln 1, 2, 3 und The Final Season) und KOHTA YAMAMOTO (The Final Season), wird das Konzert die ikonischen Titel der Serie, präsentieren, darunter „at´aek ON taitn“, „counter・attack-mankind“, „Apple Seed“ und „Footsteps of Doom“. Wie in Japan und originalgetreu zum Soundtrack wird die Musik von erstklassigen Rockmusikern, begleitet von einem Symphonieorchester, aufgeführt. Hiroyuki SAWANO und KOHTA YAMAMOTO haben beliebte Stücke für die Fans vorbereitet, die mit synchronisierten Szenen aus der Anime-Serie begleitet werden und die emotionale Wucht und Intensität in den Konzertsaal bringen. Der Soundtrack von „Attack on Titan“ ist schon immer eines der Serienhighlights.

Verpassen Sie nicht die Chance, Teil dieses monumentalen Ereignisses zu sein. Ob langjähriger Fan von „Attack on Titan“ oder einfach Liebhaber kraftvoller Musik – die Beyond the Wall World Tour wird Sie atemlos zurücklassen!

Der Journalist und Autor Uwe Rada, der u.a. in Grunow zu Hause ist, nähert sich in seinem neuen Buch der Spree als literarischer und politischer Landschaft. Anders als an der „lieblichen Havel“ werden am „Arbeitsfluss“ Spree die wichtigen Fragen unserer Zeit ausgehandelt. Wo könnte man besser darüber lesen und sprechen als auf der – auf einer Insel in der Spree gelegenen – Burg Beeskow?

BURG, OPEN AIR, TREFFPUNKT BURGHOF

OPEN AIR // TREFFPUNKT BURGHOF

„Dass ein gutes Deutschland blühe …“
– Leben nach Kriegsende 1945-1949

Am 8. Mai 2025 haben sich das Ende des von Hitler-Deutschland begonnenen Zweiten Weltkriegs und die Befreiung Deutschlands vom Nationalsozialismus zum achtzigsten Mal gejährt. Aus diesem Anlass versetzen sich Roman Knižka und das Bläserquintett OPUS 45 in ihrem neuen Programm zurück in die frühe Nachkriegszeit der Jahre 1945 bis 1949.
Wie erlebte die Bevölkerung das Kriegsende in und um Beverungen? Für jeden Konzertort entwickelt das Ensemble eine individuelle Episode in Abstimmung mit Archiven vor Ort. Fast sechs Jahre hatte der Zweite Weltkrieg gedauert und unvorstellbare 60 Millionen Opfer gekostet. In Deutschland lagen die Großstädte in Schutt und Asche. Unzählige Menschen waren obdachlos, auf der Flucht oder in Kriegsgefangenschaft. Das Sagen im Land hatten nun die Siegermächte.

„Dass ein gutes Deutschland blühe …“ erzählt in literarischen Texten, Reportagen und Zeitzeugnissen von einem Land zwischen Apokalypse und Aufbruch, von der Ankunft der Sieger, von der Konfrontation der Deutschen mit den Gräueltaten des NS-Regimes, dem Schicksal jüdischer KZ-Überlebender, die nach ihrer Befreiung als „Displaced persons“ durch das Land der Täter irrten, von Hungerwintern, Vertriebenen und Kriegsheimkehrern.
Doch auch von kulturellen Aufbrüchen und Neuanfängen handelt das Programm. Roman Knižka rezitiert aus Werken der Nachkriegsliteratur von Wolfgang Borchert, Bertolt Brecht und Nelly Sachs.
Bereits kurz nach Kriegsende entstanden in völlig zerbombten Städten wie Darmstadt und München Foren für Neue Musik. OPUS 45 interpretiert Werke von Nachkriegsavantgardisten sowie weitere Kompositionen am Puls der Zeit.

Roman Knižka wurde 1970 in Bautzen geboren, und verließ die DDR noch vor dem Mauerfall. Nach seinem Studium an der Bochumer Schauspielschule spielte er zunächst am dortigen Schauspielhaus und begann dann, sich einen Namen in TV-Dramen, Liebesfilmen, „Tatorten“ sowie auf der Bühne zu machen. In Beverungen war er 2006 in dem Schauspiel „Von Mäusen und Menschen“ zu Gast.
Das Bläserquintett OPUS 45 gründete sich bei einem Berliner Orchesterprojekt. Es besteht u.a. aus Musiker:innen der Hamburgischen Staatsoper, Beethoven Orchester Bonn, NDR Radiophilharmonie Hannover sowie BBC Symphony Orchestra Glasgow und beschreitet seit einiger Zeit gemeinsam mit dem Schauspieler Roman Knižka neue, disziplinübergreifende Wege.

Pressestimme zur Premiere am 7.10.2024: „Stehende Ovationen für Roman Knižka und OPUS 45! Diese musikalische Lesung lässt den Zuhörern den Atem stocken (…)“ (Aachener Zeitung)

Foto: Markus C. Hurek

Einlass in das Foyer: 19:00 Uhr

„Dass ein gutes Deutschland blühe …“
– Leben nach Kriegsende 1945-1949

Am 8. Mai 2025 haben sich das Ende des von Hitler-Deutschland begonnenen Zweiten Weltkriegs und die Befreiung Deutschlands vom Nationalsozialismus zum achtzigsten Mal gejährt. Aus diesem Anlass versetzen sich Roman Knižka und das Bläserquintett OPUS 45 in ihrem neuen Programm zurück in die frühe Nachkriegszeit der Jahre 1945 bis 1949.
Wie erlebte die Bevölkerung das Kriegsende in und um Beverungen? Für jeden Konzertort entwickelt das Ensemble eine individuelle Episode in Abstimmung mit Archiven vor Ort. Fast sechs Jahre hatte der Zweite Weltkrieg gedauert und unvorstellbare 60 Millionen Opfer gekostet. In Deutschland lagen die Großstädte in Schutt und Asche. Unzählige Menschen waren obdachlos, auf der Flucht oder in Kriegsgefangenschaft. Das Sagen im Land hatten nun die Siegermächte.

„Dass ein gutes Deutschland blühe …“ erzählt in literarischen Texten, Reportagen und Zeitzeugnissen von einem Land zwischen Apokalypse und Aufbruch, von der Ankunft der Sieger, von der Konfrontation der Deutschen mit den Gräueltaten des NS-Regimes, dem Schicksal jüdischer KZ-Überlebender, die nach ihrer Befreiung als „Displaced persons“ durch das Land der Täter irrten, von Hungerwintern, Vertriebenen und Kriegsheimkehrern.
Doch auch von kulturellen Aufbrüchen und Neuanfängen handelt das Programm. Roman Knižka rezitiert aus Werken der Nachkriegsliteratur von Wolfgang Borchert, Bertolt Brecht und Nelly Sachs.
Bereits kurz nach Kriegsende entstanden in völlig zerbombten Städten wie Darmstadt und München Foren für Neue Musik. OPUS 45 interpretiert Werke von Nachkriegsavantgardisten sowie weitere Kompositionen am Puls der Zeit.

Roman Knižka wurde 1970 in Bautzen geboren, und verließ die DDR noch vor dem Mauerfall. Nach seinem Studium an der Bochumer Schauspielschule spielte er zunächst am dortigen Schauspielhaus und begann dann, sich einen Namen in TV-Dramen, Liebesfilmen, „Tatorten“ sowie auf der Bühne zu machen. In Beverungen war er 2006 in dem Schauspiel „Von Mäusen und Menschen“ zu Gast.
Das Bläserquintett OPUS 45 gründete sich bei einem Berliner Orchesterprojekt. Es besteht u.a. aus Musiker:innen der Hamburgischen Staatsoper, Beethoven Orchester Bonn, NDR Radiophilharmonie Hannover sowie BBC Symphony Orchestra Glasgow und beschreitet seit einiger Zeit gemeinsam mit dem Schauspieler Roman Knižka neue, disziplinübergreifende Wege.

Pressestimme zur Premiere am 7.10.2024: „Stehende Ovationen für Roman Knižka und OPUS 45! Diese musikalische Lesung lässt den Zuhörern den Atem stocken (…)“ (Aachener Zeitung)

Foto: Markus C. Hurek

Einlass in das Foyer: 10:00 Uhr

Am 80. Jahrestag der Beendigung des Zweiten Weltkriegs, am 8. Mai 2025, eröffnen das Zentrum für verfolgte Künste in Solingen, in Kooperation mit der Stiftung für deutsch-polnische Zusammenarbeit, dem Polnischen Institut Düsseldorf und der Gerd-Keimer-Bürgerstiftung Solingen die erste monografische Ausstellung von Marian Ruzamski außerhalb Polens.

MARIAN RUZAMSKI – KUNST DER ERINNERUNG

Erste monografische Ausstellung Marian Ruzamskis außerhalb Polens

8.5. – 14.9.2025

Zentrum für verfolgte Künste, Wuppertaler Str. 160, 42653 Solingen

https://www.verfolgte-kuenste.com/wechselausstellungen/marian-ruzamki-kunst-der-erinnerung

 

100 Jahre nach seiner letzten Einzelausstellung. 80 Jahre nach seinem Tod –  kehrt das Werk Marian Ruzamskis in die Öffentlichkeit zurück.

Kunst als Zeugnis

Kunstwerke können das Unsagbare ausdrücken. Sie überliefern Geschichte nicht nur in Fakten, sondern in Gefühlen – und verbinden uns mit den Erfahrungen derer, die sie geschaffen haben. Die Ausstellung „Marian Ruzamski. Die Kunst der Erinnerung“ widmet sich einem Künstler, der nicht nur durch seine außergewöhnliche Farbwelt und Tiefe beeindruckt, sondern auch durch sein Schicksal. Ruzamski wurde während des Zweiten Weltkriegs nach Auschwitz deportiert und starb 1945 im Lager Bergen-Belsen. Seine in Auschwitz entstandenen Werke sind ein stiller Widerstand gegen das Vergessen – Ausdruck von Hoffnung in Zeiten größter Dunkelheit.

Der Künstler Marian Ruzamski (1889-1945)

„Trotz begeisterter Kritiken und Ausstellungen in den renommiertesten Salons der Zweiten Republik gelang es ihm nie, sich unter den führenden polnischen Malern des 20. Jahrhunderts zu etablieren. Auch nach dem Zweiten Weltkrieg blieb es unmöglich, ihn wieder ins kollektive Gedächtnis zu rufen.“ – Tadeusz Zych, 2025

Marian Ruzamski war ein sensibler Beobachter seiner Umgebung. Seine Gemälde zeigen Porträts, Landschaften, Szenen des Alltags – stets durchdrungen von einer tiefen Menschlichkeit. Er gehört zu den Künstlern, deren Werk durch Verfolgung fast ausgelöscht wurde. Mit dieser Ausstellung wird sein Gesamtwerk erstmals umfassend gezeigt – eine Hommage an einen großen polnischen Maler und Zeugen der Shoah.

Die dramatischen Umbrüche des vergangenen Jahrhunderts prägten das Leben von Marian Ruzamski: Geboren 1889 in Lipnik bei Bielsko-Biała, stammte er aus einer kulturell vielfältigen Familie. Seine Mutter war eine französische Jüdin, sein Vater ein polnischer Notar. Der junge, hochbegabte Künstler musste 1914 als damaliger Bürger Österreich-Ungarns sein Stipendium in Paris abbrechen und Frankreich verlassen, da er mit Kriegsbeginn zum „feindlichen Ausländer“ wurde. Im Ersten Weltkrieg verschleppten ihn russische Truppen nach Charkiw. Aus den Wirren der Revolution kehrte er schwer traumatisiert in den jetzt freien jungen polnischen Staat zurück. Während der deutschen Besatzung Polens im Zweiten Weltkrieg wurde Ruzamski 1943 als Jude und Homosexueller denunziert, von den Nationalsozialisten nach Auschwitz deportiert und später nach Bergen-Belsen verschleppt, wo er vor 80 Jahren am 8. März 1945 kurz vor Kriegsende starb.

Doch obwohl Ruzamskis Leben von Krieg, Verfolgung und Gewalt überschattet war, erzählen seine Werke eine andere Geschichte. Seine Bilder sind geprägt von einer tiefen Humanität, von Szenen des Alltags und einer fast schwebenden Leichtigkeit – als würde ein anderes, friedliches Jahrhundert an uns vorüberziehen. Es sind poetische, eindringliche Bilder, die an sommerliche Landschaften erinnern, nicht an Terror und Zerstörung.

Der Impulsgeber Marian Turski (1926–2025)

Die Idee zur Ausstellung geht auf Marian Turski zurück – Historiker, Journalist und Auschwitz-Überlebender. Zeit seines Lebens kämpfte er gegen das Vergessen, für Demokratie und Menschenrechte. 

Seine Worte „Auschwitz ist nicht vom Himmel gefallen. Es begann mit kleinen Manifestationen von Intoleranz und Antisemitismus, mit Rassismus. Das ist es, woran man sich erinnern muss: Es begann nicht mit Gaskammern.“ mahnen uns bis heute. Turski begleitete die Entstehung dieser Ausstellung bis kurz vor seinem Tod. Sein Vorwort zum Katalog wurde wenige Tage vor seinem Tod am 18. Februar 2025 abgeschlossen. Die Ausstellung ist ihm gewidmet. 

Die Kunst der Erinnerung

Im Jahr 2025 jährt sich das Ende des Zweiten Weltkriegs zum 80. Mal – ein Anlass, innezuhalten und sich neu mit der Frage auseinanderzusetzen, wie wir heute an die katastrophalen Ereignisse der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts erinnern. Die Ausstellung mit den Werken von Marian Ruzamski ist ein künstlerischer Beitrag zu diesem Gedenken. Sie richtet den Blick auf ein individuelles Schicksal, das exemplarisch für viele steht, und zeigt zugleich, dass Erinnerung nicht nur Mahnung, sondern auch kulturelles Erbe ist. In einer Zeit, in der geschichtliche Narrative zunehmend infrage gestellt werden, setzt die Ausstellung ein Zeichen für die Bedeutung der Kunst als Medium des historischen Bewusstseins. Sie erinnert daran, dass der Weg zur Versöhnung über das Verstehen führt – und dass dieses Verstehen oft in der Stille eines Bildes beginnt.

Die Ausstellung entstand in Zusammenarbeit mit dem Tarnowski-Schlossmuseum in Tarnobrzeg und dem Staatlichen Museum Auschwitz-Birkenau. Sie wird unterstützt von der Stiftung für deutsch-polnische Zusammenarbeit, dem Polnischen Institut Düsseldorf und der Gerd-Kaimer-Bürgerstiftung Solingen sowie weiteren Förderern. Nach der Erstpräsentation im Museum Zentrum für verfolgte Künste wird die Ausstellung in Tarnobrzeg, der letzten Heimat Ruzamskis, gezeigt und im Frühjahr 2026 im Palast der Schönen Künste in Krakau, wo Ruzamski 100 Jahre zuvor seine letzte Einzelausstellung hatte.

In Vorbereitung zu dieser Ausstellung fand am 4./5. September 2024 im Zentrum für verfolgte Künste die deutsch-polnische Tagung „Vergangenheit erinnern, Zukunft gestalten“ zu Leben und Werk von Marian Ruzamski und dem Kampf gegen Antisemitismus statt.

 

10.00-17.00 Uhr

Willkommen im Wissenskosmos des Barock: Wer auf knarrenden Dielen die stille Erhabenheit unseres historischen Bibliothekssaals betritt, ist sofort umfangen vom Weltwissen der Frühen Neuzeit. Wie Kulissen in einem barocken Theater ragen die originalen Bücherregale in den Raum hinein und beherbergen rund 50.000 Bücher aus allen Wissensgebieten. Hinter unscheinbaren Buchrücken verbergen sich erstaunliche Schätze wie die erste deutsche Bibel, die in Amerika gedruckt wurde.

Ende des 17. Jahrhunderts wurde die Bibliothek des Waisenhauses als eine der ersten öffentlichen Bibliotheken in Deutschland gegründet. Vor allem durch Schenkungen, Büchertausch und eigene Verlagserzeugnisse wuchs die Bibliothek so rasch an, dass sie wenige Jahre später vergleichbar war mit bedeutenden deutschen Universitätsbibliotheken. 1728 erhielt sie ein eigenes Gebäude, das als ältester erhaltener profaner Bibliothekszweckbau Deutschlands gilt. Nicht erst seit jüngster Zeit wird die Bibliothek von Gästen und Forschern aus aller Welt aufgesucht: Bereits Albrecht von Haller, Johann Joachim Winckelmann und Johann Wolfgang von Goethe bewunderten ihre bibliophilen Kostbarkeiten. Eine Auswahl stellen wir für Sie in wechselnden Kabinettausstellungen im ehemaligen Lesezimmer der Bibliothek zusammen.

10-17 Uhr

Die Veranstaltung findet als Hybridveranstaltung statt.

Donnerstag 11.09.25 / 19.30 h
Sarah Levy: Kein anderes Land. Aufzeichnungen aus Israel
Moderation: Mirjam Wenzel (Jüdisches Museum)
Saalticket 12 / 8 Euro / Streamingticket 5 Euro / Streaming-Abo 50 Euro

Ein Land zwischen Trauma und Radikalisierung – der Alltag hinter den Schlagzeilen
Ist das noch mein Land, fragt die Autorin und Journalistin Sarah Levy, seit sie erlebt, wie Israels rechtsnationale Regierung die israelische Gesellschaft spaltet. Dann attackiert die Hamas das Land am 7. Oktober. Der Krieg ändert das Leben, das die junge Mutter in Tel Aviv führt, drastisch. Levy flieht mit Partner und Kind in ihre Heimatstadt Frankfurt. Doch sie erkennt, dass sie auch hier nicht mehr zu Hause ist, und kehrt zurück in ein Israel, das um seine Seele kämpft. Levy beschreibt in „Kein anderes Land“ (Rowohlt) mit kritischem Mitgefühl, wie Radikalisierung und Polarisierung ein Land verändern – und letztlich auch die Autorin selbst.

Eine Veranstaltung in Zusammenarbeit mit dem Jüdischen Museum Frankfurt, dessen Direktorin Mirjam Wenzel das Gespräch leitet.


Foto: © privat

Mitwirkende
Münchner Philharmoniker
Lahav Shani Dirigent
Lisa Batiashvili Violine
 

 
Programm
18.30 Uhr

Konzerteinführung
mit Susanne Stähr (KKL Luzern, Auditorium)

19.30 Uhr

Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Violinkonzert D-Dur op. 61
Franz Schubert (1797–1828)
Sinfonie Nr. 7 h-Moll D 759 Die Unvollendete
Richard Wagner (1813–1883)
Vorspiel zum Ersten Aufzug und Isoldens Liebestod aus Tristan und Isolde

Pause um ca. 20.25 Uhr
Voraussichtliches Konzertende um 21.35 Uhr

Mitwirkende
Erinys Quartet:  Elizabeth Stewart | Joosep Reimaa | Marija Räisänen | Stergios Theodoridis

 
Programm
12.15 Uhr

Anton Webern (1883–1945)
Fünf Sätze für Streichquartett op. 5
Kaija Saariaho (*1952)
Terra Memoria für Streichquartett
Claude Debussy (1862–1918)
Streichquartett g-Moll op. 10

Dieses Konzert hat keine Pause.
Voraussichtliches Konzertende um 13.25 Uhr

Musik & Mittagessen
Geniessen Sie nach dem Konzert ein feines Menü.
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