Mitten während der Komposition der berühmten „Planeten“ schrieb Gustav Holst auf Bitten des japanischen Tänzers Michio Ito die „Japanische Suite“. Da Holst die Musik des lange abgeschotteten Landes nicht kannte, ließ er sich von ihm traditionelle Melodien vorpfeifen, die er als Vorlage in seine stimmungsvolle Musik einbaute. Mit den Mitteln des europäischen Orchesters entfalten etwa das „Lied des Fischers“ oder der „Tanz unter dem Kirschbaum“ eine magische Wirkung. 

Das musikalische Aushängeschild des heutigen Japan ist die Komponistin und Marimba-Spielerin Keiko Abe. In Zusammenarbeit mit der Firma Yamaha entwickelte sie das Instrument in der aktuellen Form und schrieb hierfür zahlreiche Werke. Eines der bekanntesten ist das Konzert „The Wave Impressions“, das wie schon bei Holst östliche und westliche Klangsphären harmonisch vereint – hier jedoch aus der entgegengesetzten Perspektive.

Auch Antonin Dvořák ließ sich in seiner berühmtesten Sinfonie Nr. 9 von außereuropäischer Musik inspirieren, die er während seines Aufenthalts in den USA kennenlernte. Doch bei aller Begeisterung für das „Fremde“ – also Musik der afroamerikanischen und indigenen Bevölkerung sowie der Größe des Landes – bricht die Sehnsucht nach der böhmischen Heimat klanglich immer wieder deutlich hervor.

Gustav Holst – Japanische Suite op. 33
Keiko Abe – Konzert für Marimba und Orchester „The Wave Impressions“
Antonin Dvořák – Sinfonie Nr. 9 e-Moll op. 95 „Aus der Neuen Welt“

Shengnan Hu (Marimba)
Philharmonisches Orchester
Dirigent: Daniel Geiss

 

Bearbeitung von Jürgen Wölffer

Philipp Klapproth langweilt sich. Auf seinem Landsitz bei Berlin scheint es ihm, als hätten alle mehr zu erleben und mehr zu erzählen als er. Seine Idee: Eine Nervenheilanstalt muss her!

Ein Tag bei echten „Irren“ verspricht eine Menge Geschichten für den Stammtisch auf dem Land. Er ködert seinen Neffen mit einer finanziellen Spritze, wenn er ihm so ein Etablissement ausfindig mache. Gelockt vom Versprechen des Geldes, erklärt dieser die stinknormale „Pension Schöller“ zur Irrenanstalt. Der Plan geht auf, der Onkel trifft dort auf die exzentrischen Gäste der Pension und die geben eine hervorragende Nervenheilanstalt ab. Da sind zum Beispiel der Wissenschaftler Bernhardy, der von Löwenjagden zu erzählen weiß, die Schriftstellerin Zillertal, die Geschichten sammelt, oder der Major a.D., der zum Duell fordert. Als die Figuren plötzlich bei Klapproth zu Hause erscheinen, ist das Chaos perfekt.

PENSION SCHÖLLER ist auch hundert Jahre nach seiner Entstehung noch ein Paradebeispiel für das Verschwimmen von Normalität und Irrsinn und zeigt mit Humor und grandiosem Tempo, wie fließend die Grenzen zwischen den Verrückten und den Vernünftigen sein können.

Regisseur Max Simonischek bringt die Komödie in seiner ersten Arbeit für das Staatstheater Cottbus auf die Große Bühne. Das vermeintlich harmlose Lustspiel wird zur Groteske, zum Tränen lachen und zum Ensembletheater voll großer Spiellust, mit Sinn für Humor und Rhythmus.

HINWEIS: Die Veranstaltung ist nicht barrierefrei.

Hinter den Kulissen des Staatstheaters wird ALLES lebendig. Der Text von Alistair McDowall ist in der Deutschsprachigen Erstaufführung in Cottbus die Grundlage, um Backstage im Großen Haus das Leben einer Frau buchstäblich zu durchschreiten.

Mit ALLES schreibt Alistair McDowall einen Monolog, der den Weg einer Protagonistin von der Wiege bis zur Bahre im Schnelldurchlauf erzählt. Unmittelbar und pur stellt er die innere Sprache einer Frau in den Mittelpunkt: Die ersten Babylaute, bis sich aus Gebrabbel Sätze bilden und aus krabbeln Gehversuche werden, die schrittweise Entdeckung der Welt, das Staunen, Lernen und Begreifen. Es folgt die Pubertät, die erste Liebe, der erste Sex, dann das Studium, der Berufseinstieg und das tägliche Pendeln ins Büro bis zur Rente. Es wird geheiratet und ein Kind geboren, geschieden und verabschiedet – zwischen alldem Bücher, Filme und Songs, Urlaube und Alltagstrott, Karrierepläne und Enttäuschungen, Hoffnungen und Krankheiten. Und schließlich: Das allmähliche Verschwinden. Und am Schluss ist da dasselbe Rauschen wie am Anfang, nun nicht mehr verheißungsvoll, dafür reicher an Erfahrung.

Durch das Große Haus spazierend, sich kämpfend, wandernd, entdeckend, wird die Lebensgeschichte einer Frau lebendig, die von vier Schauspielerinnen verkörpert wird. Hierin steckt „Alles“, was das Leben ausmachen kann. Die Geschichte bleibt dabei subjektiv und verweist dennoch über sich hinaus auf die Allgemeingültigkeiten, die das Leben ausmachen. Von der Geburt bis zum Tod, von der Kantine bis zur großen Bühne – das Theater macht, mit den Mitteln des Theaters und an allen Orten des Theaters, die Stationen und Bögen eines Lebens erfahrbar.

Seit dem Frühjahr 2011 ist die Gruppe THE GREGORIAN VOICES auf Tournee in Europa. Unter der künstlerischen Leitung von Oleksiy Semenchuk präsentieren die acht außergewöhnlichen ukrainischen Solisten die musikalische Tradition der Gregorianik stilvollendet.

Gekleidet in traditionelle Mönchskutten erzeugen die Sänger eine mystische Atmosphäre, die das Publikum auf eine Zeitreise durch die Welt der geistlichen Musik des Mittelalters führt - eine Klangwelt ohne zeitliche, religiöse, und sprachliche Grenzen!
Erleben Sie ein abwechslungsreiches Konzert mit einer Mischung aus gregorianischen Chorälen, orthodoxer Kirchenmusik und Liedern und Madrigalen aus der Zeit der Renaissance und des Barock.
Mit seiner Stimmgewalt und vielen Solopassagen zeigt der Chor und seine Solisten, wie Gregorianik heute klingen kann: authentisch und dennoch zeitnah.

Im zweiten Teil des Konzerts erklingen Klassiker der Popmusik, wie unter anderem "Ameno" von ERA, "You raise me up" von Josh Groban, „Knocking on heaven’s door“ von Bob Dylan, „Hallelujah“ von Leonard Cohen, "Sound of Silence" von Simon & Garfunkel, "Sailing" von Rod Steward, , die im Stil des gregorianischen Gesangs neu arrangiert wurden.

Lassen auch Sie sich von den faszinierenden Stimmen der Solisten und dem ergreifenden Chorgesang begeistern: Mittelalter trifft das Hier und Heute.

THE GREORIAN VOICES bieten Ihnen ein atemberaubendes Konzert und einen unvergleichlichen Hörgenuss.

Einlass 15:00 Uhr

Mitten während der Komposition der berühmten „Planeten“ schrieb Gustav Holst auf Bitten des japanischen Tänzers Michio Ito die „Japanische Suite“. Da Holst die Musik des lange abgeschotteten Landes nicht kannte, ließ er sich von ihm traditionelle Melodien vorpfeifen, die er als Vorlage in seine stimmungsvolle Musik einbaute. Mit den Mitteln des europäischen Orchesters entfalten etwa das „Lied des Fischers“ oder der „Tanz unter dem Kirschbaum“ eine magische Wirkung. 

Das musikalische Aushängeschild des heutigen Japan ist die Komponistin und Marimba-Spielerin Keiko Abe. In Zusammenarbeit mit der Firma Yamaha entwickelte sie das Instrument in der aktuellen Form und schrieb hierfür zahlreiche Werke. Eines der bekanntesten ist das Konzert „The Wave Impressions“, das wie schon bei Holst östliche und westliche Klangsphären harmonisch vereint – hier jedoch aus der entgegengesetzten Perspektive.

Auch Antonin Dvořák ließ sich in seiner berühmtesten Sinfonie Nr. 9 von außereuropäischer Musik inspirieren, die er während seines Aufenthalts in den USA kennenlernte. Doch bei aller Begeisterung für das „Fremde“ – also Musik der afroamerikanischen und indigenen Bevölkerung sowie der Größe des Landes – bricht die Sehnsucht nach der böhmischen Heimat klanglich immer wieder deutlich hervor.

Gustav Holst – Japanische Suite op. 33
Keiko Abe – Konzert für Marimba und Orchester „The Wave Impressions“
Antonin Dvořák – Sinfonie Nr. 9 e-Moll op. 95 „Aus der Neuen Welt“

Shengnan Hu (Marimba)
Philharmonisches Orchester
Dirigent: Daniel Geiss

 

Aufführung in deutscher Sprache mit englischen Übertiteln

ROMEO UND JULIA ist eines der bekanntesten Werke von William Shakespeare. Ein uralter Zwist zweier Häuser, dessen Ursprung niemand mehr zu kennen scheint. Das Blutvergießen kostete bereits zu viele Opfer und manifestiert das Feindbild der Rivalen. Dazwischen stehen zwei junge Menschen, die all dem mit ihrer Liebe zu trotzen versuchen. Auf einem Fest im Hause Capulet trifft Romeo, von den verfeindeten Montagues, auf Julia. Beide verlieben sich sofort, eine heimliche Hochzeit folgt. Im Kampf der beiden Häuser tötet Romeo Tybalt, den Cousin Julias, und wird aus Verona verbannt. Unterdessen pochen die Capulets auf die Vermählung zwischen Julia und dem Grafen von Paris. Um der Eheschließung zu entgehen, nimmt Julia einen Trank zu sich, der sie für Tage in einen todesähnlichen Schlaf versetzt. Romeo kommt zu spät. Wie tot liegt Julia vor ihm und aus Verzweiflung trinkt er, nichts ahnend von ihrem Plan, Gift. Als sie wenig später erwacht und den toten Romeo sieht, ersticht sie sich aus Unglück mit seinem Dolch. Der Versuch, die wahre Liebe zu leben, könnte nicht tragischer enden. Die Familien versöhnen sich schlussendlich am Grab der beiden Unglücklichen.

Die bedingungslose Bereitschaft Romeos und Julias, für die Liebe und füreinander alles zu opfern sowie ihre Liebe zur einzigen Priorität ihres Lebens zu erklären, ist der Versuch, an dem die beiden scheitern – gegen die Enge der gesellschaftlichen Konvention, gegen die Angst, nur ihren Herzen und der Stimme der Freiheit gehorchend. Und so ist diese große Liebe, die trotz aller Tragik stärker ist als die Gewalt, ein Symbol der Hoffnung.

Sie sind eines der berühmtesten Liebespaare der Welt: Tristan und Isolde, Protagonisten einer bedingungslosen, alle sozialen und psychischen Grenzen überflutenden Liebe, die sich letztlich nur in einem transzendenten Raum verwirklichen kann. „In des Weltatems wehendem All“ versinken die Liebenden in einer unbewussten, niemals endenden „höchsten Lust“. Richard Wagner sagte, er wolle mit TRISTAN UND ISOLDE der Liebe, „dem schönsten aller Träume ein Denkmal setzen“, und schuf seine vielleicht radikalste, aber auch sinnlichste Partitur. Mit dieser Oper aller Opern begeben sich Intendant Stephan Märki und der Bühnenbildner Philipp Fürhofer auf die Suche nach der Unendlichkeit und wagen einen utopischen Blick auf das Neue. Durch Raum und Zeit geht die Reise der Liebenden Tristan und Isolde, eine Reise ins Innerste der Gefühle und an die äußersten Grenzen der menschlichen Existenz.

„Wir haben immer unheimlich viel zu sagen, aber wir hören nicht zu“, beschreibt der Choreograf Brice Asnar ein Missverhältnis in unserer Gesellschaft. Dabei ist das Zuhören und sich dem Gegenüber Öffnen die Grundlage jeder Gemeinschaft. Es gibt auch so viele Wege zu kommunizieren: Sprache, Bewegung, Tanz oder Musik. Warum fällt es uns dennoch so schwer, miteinander in Verbindung zu treten? Das Gelingen und Scheitern eines Austausches formt die Gesellschaft und hat Auswirkungen sowohl auf die Körperlichkeit als auch auf den Geist jeder und jedes Einzelnen. Dem möchte Asnar nachgehen und in seiner eigenen Sprache Ausdruck verleihen. Zusammen mit den Tänzer*innen des Ballettensembles nähert er sich der abstrakten Frage nach menschlichen Beziehungen sinnlich mit den Mitteln des Tanzes.

Ein Kammerkonzert voller Farben und Kontraste in ausschließlich weiblicher Besetzung: Virtuose Barockklänge in Corellis berühmter „La Folia“ treffen auf die tänzerische Eleganz des selten gespielten Trios von Victor Desvignes. Piazzollas mitreißendes „Yo Soy Maria de Buenos Aires“ entführt in die Welt des Tango Nuevo, während Jörg Dudas Duo mit feinsinnigen Klängen für Violine und Bratsche besticht. Mit den temperamentvollen „Cinco Miniaturas“ von Edmundo Villani-Côrtes und einer weiteren Uraufführung des in Cottbus bestens bekannten Marco Pütz entfaltet sich ein farbenreiches Klangpanorama für Violine, Bratsche, Harfe und Percussion.

Werke von Arcangelo Corelli, Astor Piazzolla, Jörg Duda, Marco Pütz u. a.

Mit: Priscila Baggio Simeoni (Violine), Elena Simonett (Bratsche), Antje Gräupner (Harfe), Cristiane Gavazzoni (Percussion)

Bereits in ihrem ersten Roman „Aufstand der Fischer von St. Barbara“ stellt Anna Seghers die für ihr ganzes Schreiben charakteristische Frage nach der Kraft der Schwachen: Ein Fischerdorf kämpft im Streik für bessere Arbeitsbedingungen. Während sich die Bewohner im Aufstand anfangs miteinander solidarisieren, reißen am Ende alle sozialen Bande. Im Dorf herrschen elendere Bedingungen als zuvor. Als Erwin Piscator den Roman 1934 für sein Spielfilmdebüt wählt, schreibt er ihn zu einer Geschichte über nicht enden wollenden Kampfgeist und den letztlichen Erfolg des Aufstands der Fischer um.

Ausgehend von diesem Stoff führt die Autorin und Regisseurin Milena Michalek Gespräche mit Cottbuser*innen und dem Ensemble über Streik und Streit, über Trotz und Trauer, über Sehnsüchte und Bedürfnisse. Aus diesen Gesprächen und Gedanken wird ein Theaterstück entstehen, das Seghers‘ soziale Fragen nach Perspektiven und Orientierung auf das unruhige Heute überträgt und Trost zu spenden vermag.

Sie sind eines der berühmtesten Liebespaare der Welt: Tristan und Isolde, Protagonisten einer bedingungslosen, alle sozialen und psychischen Grenzen überflutenden Liebe, die sich letztlich nur in einem transzendenten Raum verwirklichen kann. „In des Weltatems wehendem All“ versinken die Liebenden in einer unbewussten, niemals endenden „höchsten Lust“. Richard Wagner sagte, er wolle mit TRISTAN UND ISOLDE der Liebe, „dem schönsten aller Träume ein Denkmal setzen“, und schuf seine vielleicht radikalste, aber auch sinnlichste Partitur. Mit dieser Oper aller Opern begeben sich Intendant Stephan Märki und der Bühnenbildner Philipp Fürhofer auf die Suche nach der Unendlichkeit und wagen einen utopischen Blick auf das Neue. Durch Raum und Zeit geht die Reise der Liebenden Tristan und Isolde, eine Reise ins Innerste der Gefühle und an die äußersten Grenzen der menschlichen Existenz.

„Wir haben immer unheimlich viel zu sagen, aber wir hören nicht zu“, beschreibt der Choreograf Brice Asnar ein Missverhältnis in unserer Gesellschaft. Dabei ist das Zuhören und sich dem Gegenüber Öffnen die Grundlage jeder Gemeinschaft. Es gibt auch so viele Wege zu kommunizieren: Sprache, Bewegung, Tanz oder Musik. Warum fällt es uns dennoch so schwer, miteinander in Verbindung zu treten? Das Gelingen und Scheitern eines Austausches formt die Gesellschaft und hat Auswirkungen sowohl auf die Körperlichkeit als auch auf den Geist jeder und jedes Einzelnen. Dem möchte Asnar nachgehen und in seiner eigenen Sprache Ausdruck verleihen. Zusammen mit den Tänzer*innen des Ballettensembles nähert er sich der abstrakten Frage nach menschlichen Beziehungen sinnlich mit den Mitteln des Tanzes.

Zwischen Teatime und Dinner ein kleines Konzert gefällig? – With pleasure. Johannes Zurl hat etwas sehr Britisches für Sie zusammengestellt von Purcell bis Andrew Lloyd Webber, den beliebtesten und bekanntesten Komponisten der Insel von einst und jetzt. Eine zeitliche Brücke schlägt der Komponist Frank Bridge. Seine Suite für Streicher, Anfang des 20. Jahrhunderts entstanden, ist in ihrem Tonfall ganz der romantischen Tradition verpflichtet. Danach rockt Solocellist Teodor Bratina den Saal zusammen mit den Kolleg*innen aus dem Philharmonischen Orchester, die sich kurzerhand in eine Rockband verwandeln. Andrew Lloyd Webbers Variationen über die Caprice Nr. 24 von Paganini verbindet einen modernen Sound mit klassischer Musik. Freuen Sie sich auf eine Zeitreise, die Tradition und Gegenwart verbindet, ganz im Sinne des englischen Lebensgefühls, very British also! – Gerahmt wird das Konzert wie immer von smoothen live Electronic Klängen von DJ ST101.

Werke von Andrew Lloyd Webber, Henry Purcell und Frank Bridge

Mit: Teodor Bratina (Violoncello), Mitglieder des Philharmonischen Orchesters, Johannes Zurl (Musikalische Leitung), DJ ST101 (Warm Up/Chill Out)

HINWEIS
17.30 – 18.00 Uhr Warm Up & 30 min. Chill Out im Anschluss an das Konzert mit DJ ST101

Auf einem Schulausflug geschieht ein Mord. Ein Schüler gesteht, doch scheint er nicht der wahre Täter zu sein. Die Lehrkraft versucht, zwischen Verdächtigungen, Intrige und Hass die Wahrheit aufzudecken. Doch bringen sie die Auseinandersetzung mit der Schülerschaft, deren Machenschaften und nicht zuletzt deren Elternhäuser selbst an die Grenzen von Recht und Gewissen. Im Ringen um die Wahrheit wird der Täter schließlich zu sehr in die Enge getrieben.

In JUGEND OHNE GOTT, 1937 als Roman erschienen, schildert Ödön von Horváth das Aufkommen totalitärer Tendenzen in der bürgerlichen Gesellschaft. Damit geriet er ins Fadenkreuz der Gestapo, die ein Jahr nach Erscheinen das Verbot des Romans veranlasste. Erst in den 1960er-Jahren konnte sich „Jugend ohne Gott“ als Klassiker der Moderne etablieren. Heute scheint seine aufrüttelnde Warnung vor einer emotional vernachlässigten Jugend und ihrer Verführbarkeit zu Gewalt und autoritärer Gesinnung wieder von erschreckender Aktualität.

Wie in einem Thriller entwirft Janis Knorr mit JUGEND OHNE GOTT ein Gesellschaftsporträt um eine Lehrkraft und ihre Klasse, die scheinbar ihren moralischen Kompass verloren hat. Dabei seziert er die Gefühlswelten der Generationen und legt die Psychologie von Manipulation und Lüge im Kontext gesellschaftlicher Zwänge frei.

Nach der Starre und Strenge des preußischen Kaiserreichs herrschte Freizügigkeit in der Hauptstadt der Weimarer Republik. Doch der Tanz auf dem Vulkan endete abrupt an einem Freitag im Jahr 1929. Viele Menschen verließen ihre Heimat Deutschland und flohen. Für zahlreiche verfemte und jüdische Künstler*innen wurde Hollywood neuer Sehnsuchtsort. ´

Mit den Chansons von Heymann, Hollaender, Eisler und Weill erzählen die Damen und Herren Daffke Geschichten einer wilden Umbruchszeit. Dabei verlieren sie nie den Blick für die Hoffnung, das Glück und die Menschlichkeit, denn eine kleine Sehnsucht braucht jeder zum Glücklich-Sein.

Text von Friedrich Kind

Carl Maria von Webers romantische Oper ist eines der beliebtesten Werke des Repertoires. Dem volkstümlichen Idyll einer biedermeierlichen Dorfgemeinschaft steht eine abgründige Geisterwelt gegenüber, gipfelnd in den schauerromantischen Fieberkurven der berühmten Wolfsschlucht-Szene. Der Jägerbursche Max verschreibt sich dunklen Mächten, um beim Probeschießen zu bestehen und Agathe als Braut zu gewinnen. Versagensängste treiben ihn in die Hände des zwielichtigen Kaspar, der Max dazu verleitet, heimlich magische Freikugeln zu gießen, die ihm den Sieg sichern sollen: Sechse treffen, doch die siebte Kugel leitet der Teufel nach seinem Willen.

Tomo Sugao inszeniert die zeitlose Handlung als Geschichte junger Menschen auf dem Sprung ins Erwachsenenleben, die Auswege suchen aus einer von Erfolgszwang, Gruppendruck, rigiden Regeln und einer repressiven Frömmigkeit zusammengehaltenen Gemeinschaft.