Bearbeitung von Jürgen Wölffer

Philipp Klapproth langweilt sich. Auf seinem Landsitz bei Berlin scheint es ihm, als hätten alle mehr zu erleben und mehr zu erzählen als er. Seine Idee: Eine Nervenheilanstalt muss her!

Ein Tag bei echten „Irren“ verspricht eine Menge Geschichten für den Stammtisch auf dem Land. Er ködert seinen Neffen mit einer finanziellen Spritze, wenn er ihm so ein Etablissement ausfindig mache. Gelockt vom Versprechen des Geldes, erklärt dieser die stinknormale „Pension Schöller“ zur Irrenanstalt. Der Plan geht auf, der Onkel trifft dort auf die exzentrischen Gäste der Pension und die geben eine hervorragende Nervenheilanstalt ab. Da sind zum Beispiel der Wissenschaftler Bernhardy, der von Löwenjagden zu erzählen weiß, die Schriftstellerin Zillertal, die Geschichten sammelt, oder der Major a.D., der zum Duell fordert. Als die Figuren plötzlich bei Klapproth zu Hause erscheinen, ist das Chaos perfekt.

PENSION SCHÖLLER ist auch hundert Jahre nach seiner Entstehung noch ein Paradebeispiel für das Verschwimmen von Normalität und Irrsinn und zeigt mit Humor und grandiosem Tempo, wie fließend die Grenzen zwischen den Verrückten und den Vernünftigen sein können.

Regisseur Max Simonischek bringt die Komödie in seiner ersten Arbeit für das Staatstheater Cottbus auf die Große Bühne. Das vermeintlich harmlose Lustspiel wird zur Groteske, zum Tränen lachen und zum Ensembletheater voll großer Spiellust, mit Sinn für Humor und Rhythmus.

Deutsch von Ursula Lyn

Michael Frayn verfasste mit DER NACKTE WAHNSINN ein Theaterstück über ein Theaterstück.

Mit viel Humor, großer Geschwindigkeit und exakt gesetztem Rhythmus beschreibt er eine Tourneetheatertruppe, die unmittelbar vor der Premiere der Komödie „Nackte Tatsachen“ steht. Es ist kurz nach Mitternacht am Abend vor der Premiere, der Zustand der Truppe ist desolat, aber alle machen weiter.

Dabei geht es eben um die realen Probleme des Theaters wie des Lebens: Zwischenmenschliches, Anspannung, Gerüchte, stetige Unterfinanzierung, Eifersuchtsdramen, körperliche Schwächen, das Gefühl, nicht vorzukommen. Mit einem ironischen Augenzwinkern und voller Liebe zum Theater zeigt das Stück, was sich hinter der Bühne abspielt und sonst im Theater verborgen bleibt und bleiben soll.

Das Elend und die Freuden der Welt spiegeln sich im Kleinen, im Theaterkosmos, Theater als Weltverbesserunsgsapparat scheitert hier an sich selbst. Damit bringt Frayn dem Theater in sehr humorvoller Weise die größtmögliche Wertschätzung entgegen, ohne es dabei selbst zu ernst zu nehmen. Die ständige Verschiebung der Ebenen und Perspektiven des Geschehens vor, auf und hinter der Bühne zeigen das Theater im Theater als eine Bühne des Lebens.

New York 1922. Die großen, ausufernden Partys auf dem Anwesen von Jay Gatsby sind legendär. Glanz, Schönheit und die ekstatische Sehnsucht nach Glück vereinen die Menschen bei Tanz und Champagner. Gatsby hat gelernt, alles zu sein, was die Welt von ihm zu sein verlangt, doch der Preis für seine Inszenierung ist hoch. Sein künstliches Paradies soll seine verlorene Liebe beeindrucken, aber bald wird sein Traum zum Trugbild – und Gatsby muss feststellen, dass sich die wahren Träume nicht mit Geld erfüllen lassen. DER GROSSE GATSBY gilt als Sinnbild des gescheiterten „American Dream“.

In Ströbitz wird Fitzgeralds Roman durch poetisches Material ergänzt. Die Gedichte aus der Feder des zeitgenössischen Lyrikers Ocean Voung, erweitert den Stoff um die Ebene der unaussprechlichen Sehnsüchte und unterbewussten Begierden und Ängste. Die poetische, ambivalente und artifizielle Sprache bereichert dabei Fitzgeralds pragmatische Alltagssprache, die er seinen von satter Langeweile strotzenden Figuren in den Mund legte.

Der Musiker Thorsten Drücker gestaltet zusammen mit dem singenden Schauspielensemble die musikalische Welt für die Inszenierung zwischen der Musik der 1920er-Jahre, zeitgenössischem Pop, Schlagerhits und den Evergreens der 80er und 90er.

Mit originalgetreuen Gin-Cocktails, Champagnerflüssen und Paillettenkleidern sowie schwingenden Hüften und gut geölten Stimmen stellt das Ensemble einen Abend auf die Bühne, der zart hinterfragt, was unter der Oberfläche gärt und trotzdem den Glamour und die Eleganz der 1920er Jahre nach Ströbitz holt.

Libretto von Emanuel Schikaneder

Mit zahlreichen Abenteuern, skurrilen Begegnungen, viel Humor und der große Liebe wartet das Märchen für Jung und Alt auf, zu dem Mozart seine schönsten Melodien komponiert hat. Mit der Leichtigkeit der Jugend und zugleich der tiefen Einsicht eines Alterswerkes vollendete der 35-jährige Mozart seine wohl bekannteste und beliebteste Oper 1791 wenige Monate vor seinem eigenen Tod.

Als Rückblick auf das Leben erzählt Regisseur Tomo Sugao die Geschichte der ZAUBERFLÖTE. Pamina und Tamino lassen am Rand des Todes ihre gemeinsame Biografie Revue passieren, schwelgen in Erinnerungen und fragen sich, wie sie die geworden sind, die sie heute sind.

Kennengelernt hat Tamino seine spätere Frau zunächst auf einem Bild, das ihn so fasziniert, dass er sich gleich auf den Weg macht, sie zu finden. Begleitet wird er dabei von Papageno, der ihn wie ein komplementäres Puzzleteil zu ergänzen scheint. Sucht der eine Erkenntnis und Weisheit, genügen dem anderen die einfachen Freuden des Lebens wie Essen und Trinken. Eine Partnerin wünschen sich allerdings beide, auch wenn hier die Ideale durchaus unterschiedlich ausfallen.

Ihr Weg führt die Suchenden vom Reich der Königin der Nacht in Sarastros Herrschaftsgebiet, wo nicht nur zahlreiche Aufgaben und Prüfungen auf sie warten, sondern schließlich auch die Erfüllung all ihrer Wünsche.

Eines Tages erscheint Alice ein sprechendes Kaninchen, dem sie in eine kuriose Welt folgt. Hier gelten andere Regeln als Alice sie von zu Hause gewohnt war und so entspinnt sich eine abenteuerliche Reise mit Begegnungen verrückter Gestalten wie der Grinsekatze, dem Hutmacher oder der Herzkönigin. Alice wechselt fortan Größe und Sprache, vergisst alles, was sie je wusste, und lernt Dinge, die sie nie kannte. Scheint das Wunderland auch zauberhaft verwunschen, ist zugleich das Albtraumhafte ihr ständiger Begleiter. Nur mit der Kraft ihrer Phantasie und kindlicher Unerschrockenheit kann sie dort bestehen.

Mit „Alice im Wunderland“ und „Alice hinter den Spiegeln“ etablierte Lewis Carroll Mitte des 19. Jahrhunderts das traumhafte Schreiben, den literarischen Nonsens als adäquate Antwort auf eine sich mechanisierende Welt. Mit Hilfe der phantasievollen Verdrehung der herrschenden Logik stellt er diese nicht bloß aus, sondern befreit sich gleichermaßen von ihr. Und so hat es Alice nicht nur zur Heldin des Wunderlands, sondern ebenso zur generationsübergreifenden Pop-Ikone geschafft.

Hausregisseur Philipp Rosendahl kreiert mit einem künstlerischen Team, welches zum ersten Mal in dieser sprudelnden Kombination seine in Cottbus erprobte wie geschätzte Kreativität bündelt, eine neue musikalische Erzählung um Ikone ALICE, die eine – wenn auch verrückte – Pause von der Normalität herzustellen vermag.

DIE MENSCHLICHE STIMME
Musiktragödie in einem Akt von Francis Poulenc, Text von Jean Cocteau, Deutsch von Wolfgang Binal

und

KOPF IN DEN WOLKEN
Musiktheater von Claudia Meyer und Michael Wilhelmi (UA)

Wie sehr sich unsere Kommunikation verändert hat, zeigen die letzten Jahre deutlich. Zunehmend drohen der direkte Austausch und die persönliche Begegnung verloren zu gehen. Technische Hilfsmittel bieten nur bedingt Ersatz und lassen immer mehr zu, sich hinter der Wirklichkeit zu verschanzen.

Bereits 1930 thematisierte Jean Cocteau in DIE MENSCHLICHE STIMME den Konflikt zwischen Distanz und Intimität anhand eines Telefongesprächs. Der Text, in dem es um Scheitern oder Fortführen einer Beziehung geht, gibt nur die Seite der Frau wieder. Francis Poulenc machte daraus einer Mono-Oper für eine Sänger-Darstellerin, die mit Verschleierungen, Zwischentönen und Missverständnissen um ihre Zukunft ringt.

Stand zu Poulencs Zeiten einzig das Telefon als indirektes Kommunikationsmittel zur Verfügung, gibt es heute gleich mehrere mehr oder weniger smarte Medien, die der Kommunikation dienen, ihr aber dabei jegliche Körperlichkeit entziehen. Mit ihrem neu für Cottbus entwickelten Musiktheaterprojekt KOPF IN DEN WOLKEN denken die Regisseurin Claudia Meyer und der Komponist Michael Wilhelmi Poulencs Monooper weiter und entwerfen ein Bild unserer post-pandemischen Gesellschaft, das die Erfahrungen von Einschränkung, Isolation und Vergänglichkeit reflektiert.

Was soll auf dem Theater gespielt werden? „Komödien!“, fordern die einen, „Tragödien“ wollen die anderen, und eine dritte Gruppe sieht am liebsten „romantische Liebe“.

Das erste Werk des Komponisten Sergej S. Prokofjew in seiner neuen Heimat, den USA, bringt alles gleichzeitig auf die Bühne und überwältigt das Publikum als zirkushaftes Märchen voller magischer Verwandlungen, Commedia dell’arte-Maskeraden, absurder Wendungen und Theatercoups. Vor dem Hintergrund höfischer Intrigen und einem Streit höherer Mächte, wird die Geschichte des tief melancholischen Prinzen erzählt, den nur ein Lachen heilen kann. Ausgerechnet ein Missgeschick der bösen Zauberin Fata Morgana ist es, das ihn zum Lachen bringt. Sie verflucht ihn daraufhin dazu, sich in drei Orangen zu verlieben. Der Weg zu ihnen führt den liebeskranken Prinzen vorbei an allerlei monströsen Gestalten in die Wüste. Um ein Haar wird aus dem komödiantischen Spektakel doch eine Tragödie – griffe nicht das Publikum in Prokofjews Theater auf dem Theater in die Geschichte ein.

Wie alle Märchen hat DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN einen ernsten Hintergrund. Während der Streit um die verschiedenen Theaterrichtungen auf der Opernbühne unblutig ausgefochten wird, entwickelt er sich in der sowjetischen Realität zunehmend zu einer lebensbedrohlichen Angelegenheit. 1940 lässt Stalin den großen Theaterreformer Wsewolod Meyerhold hinrichten. Prokofjew verlässt 1918 das postrevolutionäre Russland und komponiert mit DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN eines der virtuosesten, farbigsten und aberwitzigsten Werke der Musikgeschichte.

URAUFFÜHRUNG

Das für Cottbus entstandene Recherchestück erzählt eine Cottbuser Geschichte rund um fünf Figuren, die den Chancen und Herausforderungen des Strukturwandels unterschiedlich begegnen.

Nach dem Tod ihres Großvaters kehrt die junge Journalistin Carla in ihre Heimatstadt Cottbus zurück. Im Haus ihres Opas findet sie einen Ordner mit der Aufschrift „KRAFTWERK – für Carla“. Darin befinden sich stapelweise Dokumente mit Informationen über die Firma LEAG, um Vattenfall, das Kraftwerk Jänschwalde, den Ostsee und die Gigawattfactory. Als Carla beginnt sich näher damit zu beschäftigen, trifft sie auf völlig unterschiedliche Menschen: Sie begegnet der Nachbarin ihres Opas, einer ehemaligen Aktivistin, deren Zuhause schon zweimal abgebaggert wurde. Der Freund ihres Sohnes kämpft für die grüne Zukunft der LEAG. Und dessen Chef wiederum sorgt sich für den Fall eines Kohleausstiegs um die Versorgungssicherheit. Es entspinnt sich eine Geschichte um die Kohleindustrie und ihre Zukunft, die zudem von Alternativen und Utopien und von den Chancen und dem Scheitern gemeinsamer Gespräche erzählt.

Autor Calle Fuhrs vielstimmiges und humorvolles Theaterstück basiert auf Recherchen des investigativ-journalistischen Kollektivs CORRECTIV, deren Ergebnisse, bspw. zur Lage der Wasserversorgung der Region, bereits veröffentlicht sind. Darüber hinaus begleiteten sie die Produktion bis zum Premierentag mit laufenden Recherchen. Die neuesten Resultate wurden tagesaktuell zur Premiere von CORRECTIV veröffentlicht und exklusiv auf der Cottbuser Bühne präsentiert.

Fuhr arbeitet regelmäßig zusammen mit journalistischen Kollektiven an der Erarbeitung aktueller Themen für das Theater. Aus seiner Überzeugung heraus, dass das Erzählen von Geschichten die Wahrnehmung unserer Welt beeinflusst, findet er im Theater den Ort, der Menschen berühren, Perspektiven ändern und Verständnis möglich machen kann.

In einer Trilogie widmet sich Armin Petras mit dem gesamten Schauspielensemble dem gerade in der Lausitz eher strittigen Begriff Heimat – dies im brandenburgischen Kontext und im Spiegel des 20. und 21. Jahrhunderts. In den drei inhaltlich und formal voneinander abgegrenzten Teilen des Abends entwirft Armin Petras ein bewusst heterogenes und vor allem generationenübergreifendes Bild des Heimat-Begriffs. Nicht nur die drei verschiedenen Stoffe der drei Autor*innen, auch unterschiedliche Theatermittel, vom klassischen Schauspiel, über Bewegungs- und Sprechchöre bis hin zum lyrischen Popkonzert oder Live-Kamera-Einsatz, bieten dabei vielerlei Anknüpfungspunkte für das Publikum, um darin ihre Blickwinkel auf Heimat (neu) zu entdecken.

■ Teil 1
ICH MACH EIN LIED AUS STILLE
Lyrik von Eva Strittmatter vertont von Juli Niemann und Andreas Wittmann

Lustvoll widmet sich der erste Teil konzertant der Lyrik der Brandenburgerin Eva Strittmatters. Ihre Gedichte werden zu einer popmusikalisch-poetischen Auseinandersetzung mit der brandenburgischen Landschaft sowie der Sehnsucht nach und der Abkehr von regionaler Verwurzelung. Schauspielerin und Musikerin Juli Niemann verwandelt in ihren Kompositionen die Gedichte zu zarten und zugleich kraftvollen modernen Songs, nahe dem Genre Pop, die sie gemeinsam mit dem Ensemble gesanglich darbietet.

■ Teil 2
OLE BIENKOPP
von Erwin Strittmatter in einer Fassung von Armin Petras

 Im zweiten Teil wird eine brandenburgische Dorfgemeinschaft in Form eines sprechenden, dampfenden, tanzenden und spielenden Chors auf die Bühne gebracht. Dieser lebendige sozialistische Volkskörper, aus dem immer wieder individuelle Figuren heraustreten, erzählt die Geschichte von Erwin Strittmatters OLE BIENKOPP, für die Bühne bearbeitet von Armin Petras. Der Antiheld kämpft in einer jungen DDR um seinen Glauben an Sozialismus und Gerechtigkeit. Wie nebenbei widerfährt ihm dabei alles, was wir Leben nennen.

■ Teil 3
DAHEIM
von Judith Hermann in einer Fassung von Armin Petras O Uraufführung

Teil drei bringt den zwei Jahre jungen Roman DAHEIM von Judith Hermann zur Uraufführung. Darin lässt eine Frau ihr altes Leben hinter sich und bricht auf, um Heimat (in sich) zu suchen. Soll sie heimisch werden oder weiterziehen? Durch den Blick der Live-Kamera auf das Bühnengeschehen wird der Fokus auf die stillen, fast hintergründigen Momente und Details der Figuren gelenkt. Die heute vertraute Ästhetik des filmischen Erzählens wird hier für die aktuellste Perspektive auf „Heimat“ zitiert.

DIE MENSCHLICHE STIMME
Musiktragödie in einem Akt von Francis Poulenc, Text von Jean Cocteau, Deutsch von Wolfgang Binal

und

KOPF IN DEN WOLKEN
Musiktheater von Claudia Meyer und Michael Wilhelmi (UA)

Wie sehr sich unsere Kommunikation verändert hat, zeigen die letzten Jahre deutlich. Zunehmend drohen der direkte Austausch und die persönliche Begegnung verloren zu gehen. Technische Hilfsmittel bieten nur bedingt Ersatz und lassen immer mehr zu, sich hinter der Wirklichkeit zu verschanzen.

Bereits 1930 thematisierte Jean Cocteau in DIE MENSCHLICHE STIMME den Konflikt zwischen Distanz und Intimität anhand eines Telefongesprächs. Der Text, in dem es um Scheitern oder Fortführen einer Beziehung geht, gibt nur die Seite der Frau wieder. Francis Poulenc machte daraus einer Mono-Oper für eine Sänger-Darstellerin, die mit Verschleierungen, Zwischentönen und Missverständnissen um ihre Zukunft ringt.

Stand zu Poulencs Zeiten einzig das Telefon als indirektes Kommunikationsmittel zur Verfügung, gibt es heute gleich mehrere mehr oder weniger smarte Medien, die der Kommunikation dienen, ihr aber dabei jegliche Körperlichkeit entziehen. Mit ihrem neu für Cottbus entwickelten Musiktheaterprojekt KOPF IN DEN WOLKEN denken die Regisseurin Claudia Meyer und der Komponist Michael Wilhelmi Poulencs Monooper weiter und entwerfen ein Bild unserer post-pandemischen Gesellschaft, das die Erfahrungen von Einschränkung, Isolation und Vergänglichkeit reflektiert.

Bearbeitung von Jürgen Wölffer

Philipp Klapproth langweilt sich. Auf seinem Landsitz bei Berlin scheint es ihm, als hätten alle mehr zu erleben und mehr zu erzählen als er. Seine Idee: Eine Nervenheilanstalt muss her!

Ein Tag bei echten „Irren“ verspricht eine Menge Geschichten für den Stammtisch auf dem Land. Er ködert seinen Neffen mit einer finanziellen Spritze, wenn er ihm so ein Etablissement ausfindig mache. Gelockt vom Versprechen des Geldes, erklärt dieser die stinknormale „Pension Schöller“ zur Irrenanstalt. Der Plan geht auf, der Onkel trifft dort auf die exzentrischen Gäste der Pension und die geben eine hervorragende Nervenheilanstalt ab. Da sind zum Beispiel der Wissenschaftler Bernhardy, der von Löwenjagden zu erzählen weiß, die Schriftstellerin Zillertal, die Geschichten sammelt, oder der Major a.D., der zum Duell fordert. Als die Figuren plötzlich bei Klapproth zu Hause erscheinen, ist das Chaos perfekt.

PENSION SCHÖLLER ist auch hundert Jahre nach seiner Entstehung noch ein Paradebeispiel für das Verschwimmen von Normalität und Irrsinn und zeigt mit Humor und grandiosem Tempo, wie fließend die Grenzen zwischen den Verrückten und den Vernünftigen sein können.

Regisseur Max Simonischek bringt die Komödie in seiner ersten Arbeit für das Staatstheater Cottbus auf die Große Bühne. Das vermeintlich harmlose Lustspiel wird zur Groteske, zum Tränen lachen und zum Ensembletheater voll großer Spiellust, mit Sinn für Humor und Rhythmus.

Lesung - Anders: Die Neue Welt von Gestern (Wiederaufnahme)

Der 1859 bei Kiew geborene Solomon Naumovich Rabbinowicz ist unter seinem Pseudonym Sholem Aleychem – was übersetzt »Friede sei mit euch« bedeutet – zu Weltruhm gelangt. Der Schauspieler und Rezitator Hans-Jürgen Schatz liest aus seiner Erzählung »Geschichten von Tausend und einer Nacht«, die im Jahr 1914 auf einem Schiff bei der Überfahrt nach Amerika spielt. Dort kommt es zu einer schicksalhaften Begegnung, bei der sich der wohlhabende Autor und ein sehr gesprächiger Jude aus der dritten Klasse begegnen.

Mitwirkende: Hans-Jürgen Schatz

19:30 l Foyer, Brandenburgisches Landesmuseum für moderne Kunst, Cottbus/Chóśebuz l 10 – 15 €

Einlass: 16:30Uhr

Konzert - Marc-André Hamelin spielt Schumann, Ravel, Dukas
Der frankokanadische Pianist Marc-André Hamelin ist weltberühmt für seine Interpretation klassischer Werke sowie die Erforschung unbekannterer Schätze. Im Festsaal des Neuen Schlosses Bad Muskau an der polnisch-deutschen Grenze präsentiert er eine Reise in romantisch weite Bilderwelten mit Werken von Robert Schumann, Maurice Ravel und Paul Dukas.

Mitwirkende: Marc-André Hamelin (Klavier)

In Kooperation mit der UNESCO 5 sowie der Stiftung Fürst-Pückler-Park Bad Muskau

19:30 l Festsaal Neues Schloss Bad Muskau l 28 – 37 €

Einlass: 19:00Uhr

Konzert - Lautten Compagney:

John Dowland und der Runde Tisch
Zu Zeiten von John Dowland war das Musizieren eher privat und familiär. Dowland war ein angesehener Lautenspieler und seine Liederbücher, die ab 1597 erschienen, sind für gemeinsame Musizierabende konzipiert. Sie verbinden Text und Musik auf einzigartige Weise. Das renommierte Barockensemble Lautten Compagney führt diese Zusammenkunft in ihrer originalen Form in Schloss Altdöbern auf. Vier Sänger:innen und drei Instrumentalist:innen sitzen um einen runden Tisch und kommunizieren miteinander und dem Publikum.

Mitwirkende: Lautten Compagney: Lautten Compagney: Anna Moritz (Sopran), Julia Böhme (Alt), Johannes Gaubitz (Tenor), Cornelius Uhle (Bass), Ulrike Becke (Viola da Gamba),
Hans-Werner Apel (Theorbe, Orpharion), Wolfgang Katschner (Laute und Musikalische Leitung)

21:00 l Schloss Altdöbern l 22 – 28 €

Einlass: 19:00Uhr

Konzert - Beethoven am Nachmittag: Quartette 15, 13 mit großer Fuge
Nachdem vormittags bereits die Reihe der späten Quartette eröffnet wurde, setzt sich die Präsentation aller Beethoven-Quartette nachmittags in Schloss Branitz fort. Das Streichquartett Nr. 13 B-Dur op. 130 wird hier in der originalen Version mit der Großen Fuge gespielt.

Mitwirkende: Quatuor Danel: Marc Danel (Violine), Gilles Millet (Violine), Vlad Bogdanas (Bratsche), Yovan Markovitch (Cello)

In Kooperation mit Stiftung Fürst-Pückler-Museum – Park und Schloss Branitz im Rahmen des 3.Branitzer Weinfestes

16:00 l Grüner Saal, Schloss Branitz l 22 – 28 €

Einlass: 15:30Uhr

Konzert - Beethoven am Morgen: Quartette 10–12
Am vierten Tag der Präsentation aller Streichquartette Beethovens sind morgendlich Werke aus den Jahren 1809 bis 1826 in Schloss Branitz zu hören.

Mitwirkende: Quatuor Danel: Marc Danel (Violine), Gilles Millet (Violine), Vlad Bogdanas (Bratsche), Yovan Markovitch (Cello)

In Kooperation mit der Stiftung Fürst-Pückler-Museum – Park und Schloss Branitz im Rahmen des 3. Branitzer Weinfestes

11:00 l Grüner Saal, Schloss Branitz l 22 – 28 €

Einlass: 19:00Uhr

»Die schönste Version«
Szenische Lesung des Romans von Ruth-Maria Thomas



Von der Anzeige bei der Polizei wegen häuslicher Gewalt bis zur finalen Entscheidung, diese nicht zurückzuziehen, vergehen elf Tage. Elf Tage lang verkriecht sich Jella, Studentin, in der Plattenbauwohnung ihres Vaters. Eine Rückkehr in die lichte Altbauwohnung, die sie bisher mit Yannick bewohnte, ist undenkbar. Zu viel hat sich dort zugetragen.


Jella wird von Erinnerungen geflutet: Entwurzelung der Familie durch die Bagger, Aufbruch der Mutter in die Metropole, ein in Ratlosigkeit zurückbleibender Vater ... Jella wächst in der Kleinstadt auf, zwischen Kiesgruben, Lipgloss und Lidschatten. In einer Region, wo sich das brüchige Selbstbewusstsein einer Generation von Männern – ehemals Macher, nach der Wende Verlierer – auf die Nachkommen überträgt, lernen Jella und ihre Freundinnen, ihr Selbst auf den anderen, den männlichen Blick auszurichten. Mit Yannick sollte alles anders werden. Es hatte so schön begonnen, in dem Jahrhundertsommer...



Ruth Maria Thomas, Jahrgang 1993, in Cottbus aufgewachsen, studierte am Deutschen Literaturinstitut in Leipzig. Im Juli 2024 erscheint ihr Debütroman im Rowohlt Verlag Hamburg. »Die schönste Version« ist eine Introspektion: Ruth-Maria Thomas schreibt über das Frauwerden, Frausein, über Körper, Begierden und tiefe Abgründe.


In der diesjährigen Literaturreihe des Lausitz Festivals, die das Verhältnis des Selbst zum Anderen thematisiert, in dem Falle zum anderen Geschlecht, wagt Ruth-Maria Thomas’ Buch einen mutigen Blick auf komplexe Strukturen, die aus dem Anderen eine Bedrohung werden lassen.



Im Anschluss findet ein Gespräch mit der Autorin statt.



Mitwirkende

Ruth Maria Thomas, Daniel Ratthei (Lesung)

Heike Merten-Hommel (Textfassung und Moderation)



13.09.

19:30



Piccolo Theater, Cottbus

Das neue Piccolo Theater, im Herzen der Stadt Cottbus gelegen, wurde im Februar 2011 als professionelles Theater für Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene eingeweiht. Schauspiel, Theater- und Tanzpädagogik sowie die durch Brandschaden heimatlos gewordene Sparte Puppenspiel sind in der Spielstätte vereint. Dem Leitungsteam ist es ein Anliegen, ein »Theater der Sinne« zu machen, welches sich mit den elementaren Dingen des Lebens beschäftigt. Es will mit den Mitteln des Theaters Hilfestellung geben, damit junge Menschen ihren Platz im Leben und in der Gesellschaft finden und behaupten können. Insofern sitzt die szenische Lesung von Ruth Maria Thomas’ Roman »Die schönste Version« programmatisch passgenau an diesem Ort.

Einlass: 20:30Uhr

Festivalabschluss: Lausitzlieder

Brückenschlag des Ephraim-Projekts

Die Lausitz zum Klingen bringen: Besondere Momente des Lebens, Gefühle, Erinnerungen oder Wünsche, Geschichten, Anliegen, Träume sowie Bedenken, Sorgen und Nöte von Lausitzer:innen werden bei »Lausitzlieder« in Songpoesie verwandelt und zu Gehör gebracht.


Das Ephraim-Projekt – Schreibwerkstatt des Lausitz Festivals und benannt nach einem Vornamen des aus der Lausitz stammenden Dichters Gotthold Ephraim Lessing – entfaltet sich dieses Jahr in einer Serie von Songwerkstätten, die über die ganze Lausitz verteilt an ausgewiesenen Stätten der Schriftstellerei und der Spoken Word Art (deutsch ungefähr: Kunst des gesprochenen Wortes) durchgeführt werden. Dabei entstehen in Zusammenarbeit zwischen interessierten Freizeitpoeten sowie professionellen Autoren und Songwritern zahlreiche Songtexte.



Für das nächste Jahr werden Songtexte von Projektinitiator und Komponist Haggai Cohen-Milo vertont und bei einem Show-Konzert im Rahmen des Lausitz Festivals 2025 zur Aufführung gebracht. Einen Vorgeschmack auf dieses Ereignis bietet die Poesie-Performance »Lausitzlieder«, die eine Brücke vom Ende des diesjährigen Festivals zu seiner nächsten Ausgabe schlägt und schon jetzt ein ganz besonderes Ereignis ist: Die bisher entstandenen Texte werden in einem eigens entwickelten Format vorgestellt und treffen dabei erstmals auf die Musik von Haggai Cohen-Milo und seiner Band, bevor das Festival in einer rauschenden Party ausklingt.



14. September 2024
21:00 (Einlass 20:00) / 22:00 Party mit DJ-Sets

Scandale, Bunter Bahnhof Cottbus



Mitwirkende

Lausitzpoet:innen, Haggai Cohen-Milo (Komposition, Bass), James Shipp (Percussion, Keys), Justin Stanton (Keys)

Mentor:innen der Songwerkstätten: Yana Arlt, Johannes Berger, Julian Heun, Elke Hübner-Lipkau, Dana Shanti, Ken Yamamoto, Micky Rose



In Kooperation mit der Club Kommission Cottbus e.V.

Scandale, Bunter Bahnhof Cottbus

Das Scandale in Cottbus ist ein Clubraum auf dem Gelände der Kultursiedlung »Bunter Bahnhof«, einem außergewöhnlichen Ort für alternative Kultur, der sich am Hauptbahnhof auf dem Weg zum Zentrum der südbrandenburgischen Stadt befindet. Seit über acht Jahren steht das Scandale für »omnipotente Berauschung und schmückendste Feierkultur«. Das Lausitz Festival setzt hier seine Kooperation mit der Club Kommission Cottbus e.V. fort und ein deutliches Zeichen für eine offene und grenzüberschreitende Kultur.

Einlass: 20:30Uhr