Libretto von Giuseppe Giacosa und Luigi Illica
Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln

In unfreien Zeiten kann sich niemand hinter seiner Kunst verstecken, nicht der Maler Mario Cavaradossi und nicht seine Geliebte, die Sängerin Floria Tosca. Vor dem Hintergrund des Konflikts zwischen Napoleons Revolutionsheer und den habsburgisch-päpstlichen Truppen im Jahr 1800 entspinnt sich die Handlung der Oper innerhalb von nur 24 Stunden. Nach dem Sturz der römischen Republik hat Polizeichef Scarpia ein Terrorregime errichtet, das jede freiheitliche Regung im Keim erstickt. Die von allen verehrte Diva, die nur für die Kunst und die Liebe leben wollte, gerät ins Machtgetriebe des korrupten politischen Systems, nachdem ihr Geliebter in die Hände Scarpias fällt, weil er einem politisch Verfolgten Schutz gewährt hat. Scarpia verknüpft seine politischen Machtinteressen mit einer Obsession für Tosca und spinnt eine tödliche Intrige. Puccinis Opernkrimi über Verführung, Verleumdung und die Rolle der Kunst in totalitären Regimen zählt zu den beliebtesten Opern des Repertoires.

Mit „Folter und Tod, Glocken und Kanonen“ wollte Puccini das Publikum erklärtermaßen aufschrecken und schuf mit TOSCA sein politischstes und dramatischstes Werk. Die atemlos vorangetriebene Handlung entführt den Zuhörer musikalisch in ein überwältigendes Panorama der Ewigen Stadt, in dem sich Puccini zugleich auch als Meister melodischer Verführungskunst und Süße erweist.

Hausregisseur und Co-Schauspieldirektor Armin Petras inszeniert diesen Meilenstein der Operngeschichte als hoch aktuellen Polit-Thriller über das Verhältnis von Kunst und Macht.

Seit dem Frühjahr 2011 ist die Gruppe THE GREGORIAN VOICES auf Tournee in Europa. Unter der künstlerischen Leitung von Oleksiy Semenchuk präsentieren die acht außergewöhnlichen ukrainischen Solisten die musikalische Tradition der Gregorianik stilvollendet.

Gekleidet in traditionelle Mönchskutten erzeugen die Sänger eine mystische Atmosphäre, die das Publikum auf eine Zeitreise durch die Welt der geistlichen Musik des Mittelalters führt - eine Klangwelt ohne zeitliche, religiöse, und sprachliche Grenzen!
Erleben Sie ein abwechslungsreiches Konzert mit einer Mischung aus gregorianischen Chorälen, orthodoxer Kirchenmusik und Liedern und Madrigalen aus der Zeit der Renaissance und des Barock.
Mit seiner Stimmgewalt und vielen Solopassagen zeigt der Chor und seine Solisten, wie Gregorianik heute klingen kann: authentisch und dennoch zeitnah.

Im zweiten Teil des Konzerts erklingen Klassiker der Popmusik, wie unter anderem "Ameno" von ERA, "You raise me up" von Josh Groban, „Knocking on heaven’s door“ von Bob Dylan, „Hallelujah“ von Leonard Cohen, "Sound of Silence" von Simon & Garfunkel, "Sailing" von Rod Steward, , die im Stil des gregorianischen Gesangs neu arrangiert wurden.

Lassen auch Sie sich von den faszinierenden Stimmen der Solisten und dem ergreifenden Chorgesang begeistern: Mittelalter trifft das Hier und Heute.

THE GREORIAN VOICES bieten Ihnen ein atemberaubendes Konzert und einen unvergleichlichen Hörgenuss.

Einlass 18:30 Uhr

URAUFFÜHRUNG

Das Stück von Tennessee Williams, das seine Figuren mit all ihren Sehnsüchten, Wünschen, aber auch ihren Verletzungen und Grausamkeiten auf die Bühne bringt, ist wie ein Tanz zwischen zwei Welten: der rauen Wirklichkeit und einer utopischen Wunschvorstellung.

Die Bahnlinie mit der Endstation „Sehnsucht“ bringt Blanche in einen ärmlichen Stadtteil von New Orleans zu ihrer Schwester Stella. Das Leben hier ist geprägt von einer wiederholt eskalierenden, doch ständig latenten Gewalt gegen Frauen. Stella hat sich mit diesem Dasein abgefunden. Blanche dagegen will die Realität nicht hinnehmen. Beharrlich verschließt sie die Augen vor allem Unangenehmen und denkt sich die Welt lieber, wie sie sein sollte.

Choreograf Martin Chaix erzählt die Geschichte von Blanche als Rückblick. Ihn interessieren dabei vor allem Fragen nach dem Umgang einer Gesellschaft mit Frauen. Diese sind heute genauso aktuell wie zur Entstehungszeit des Dramas in den 1940-er Jahren. Chaix setzt sich mit dem Themenkreis der alltäglichen Gewalt und toxischer Beziehungen auseinander. Dabei verrät seine Auswahl an Musik einerseits den Jazz-Liebhaber, andererseits spiegelt sie eine bewusste Entscheidung für Komponist*innen afroamerikanischer Herkunft wider, die viel zu selten gespielt werden. Auch hier sieht Chaix die Gelegenheit, Licht darauf zu werfen, was allzu oft im Schatten bleibt.

Das Stück von Tennessee Williams wie auch die Ballett-Version von Martin Chaix enthaltenSzenen, in denen (sexualisierte) Gewalt dargestellt wird. Die Aufführung ist daher für Kinder unter 13 Jahren nicht geeignet.

Musik und Gesangstexte von Stephen Sondheim
Buch von Hugh Wheeler nach dem gleichnamigen Stück von Christopher Bond
Orchestrierung von Jonathan Tunick
Deutsche Fassung von Wilfried Steiner und Roman Hinze (2019)

„Okay, lasst sie uns das Gruseln lehren!“, rief Stephen Sondheim aus, als er sich mit SWEENEY TODD eine Schauergeschichte vornahm, die in England schon lange zuvor weit bekannt war. Er entwickelt die Geschichte, mit spannungsgeladener Handlung und Figuren, deren Überzeichnung zwischen Monstrosität, Skurrilität und Tragik changieren, in bester Horrorfilm-Manier. Unter dem Namen Sweeney Todd kehrt Benjamin Baker nach langer Zeit der Strafversetzung zurück in seine Heimatstadt London, wo er noch eine Rechnung mit dem korrupten Richter Turpin offen hat. Dieser hatte nicht nur für seine Verbannung gesorgt, sondern ihm auch seine Frau und seine Tochter entrissen.

Sweeney Todd eröffnet seinen alten Friseur-Salon wieder und tut sich mit der geschäftstüchtigen Pasteten-Bäckerin Mrs. Lovett zusammen, die für leibliches Wohl sorgt, während Sweeney seinen Racheplan in die Tat umsetzt. Immer rücksichtloser, immer fanatischer wird sein Treiben und schließlich droht dabei ein junger Bursche wortwörtlich zwischen die Räder zu kommen und ein junges Liebespaar um sein Glück.

New York 1922. Die großen, ausufernden Partys auf dem Anwesen von Jay Gatsby sind legendär. Glanz, Schönheit und die ekstatische Sehnsucht nach Glück vereinen die Menschen bei Tanz und Champagner. Gatsby hat gelernt, alles zu sein, was die Welt von ihm zu sein verlangt, doch der Preis für seine Inszenierung ist hoch. Sein künstliches Paradies soll seine verlorene Liebe beeindrucken, aber bald wird sein Traum zum Trugbild – und Gatsby muss feststellen, dass sich die wahren Träume nicht mit Geld erfüllen lassen. DER GROSSE GATSBY gilt als Sinnbild des gescheiterten „American Dream“.

In Ströbitz wird Fitzgeralds Roman durch poetisches Material ergänzt. Die Gedichte aus der Feder des zeitgenössischen Lyrikers Ocean Voung, erweitert den Stoff um die Ebene der unaussprechlichen Sehnsüchte und unterbewussten Begierden und Ängste. Die poetische, ambivalente und artifizielle Sprache bereichert dabei Fitzgeralds pragmatische Alltagssprache, die er seinen von satter Langeweile strotzenden Figuren in den Mund legte.

Der Musiker Thorsten Drücker gestaltet zusammen mit dem singenden Schauspielensemble die musikalische Welt für die Inszenierung zwischen der Musik der 1920er-Jahre, zeitgenössischem Pop, Schlagerhits und den Evergreens der 80er und 90er.

Mit originalgetreuen Gin-Cocktails, Champagnerflüssen und Paillettenkleidern sowie schwingenden Hüften und gut geölten Stimmen stellt das Ensemble einen Abend auf die Bühne, der zart hinterfragt, was unter der Oberfläche gärt und trotzdem den Glamour und die Eleganz der 1920er Jahre nach Ströbitz holt.

Sie umgibt uns immer und doch machen wir sie uns selten bewusst. Wie unsere Seele bedenken wir sie oft erst, wenn sie verletzt ist: unsere Haut. Über den Umgang mit Berührungen – und zwar im buchstäblichen wie im übertragenen Sinne – und auch deren Restriktionen bestimmen sich Epochen und Kulturen. Wie wir Kontakt auf- und Hautkontakt wahrnehmen, sagt viel über uns als Individuen aus. Die Haut grenzt uns gegen die Umwelt ab, schützt uns vor äußeren Einflüssen. Gleichzeitig hilft sie uns, mit unserem Gegenüber zu kommunizieren: Schämen wir uns, errötet die Haut. Erschrecken wir uns, erbleicht sie. Denken wir nach und grübeln, legt sich die Stirn in Falten. Freuen wir uns und lachen, bilden sich Fältchen um den Mund, fürchten wir uns, sorgt die Haut dafür, dass sich unsere Haare aufstellen.

Die Haut kann gestreichelt oder liebkost werden, mit ihr fühlt und tastet der Mensch, ob ein Gegenstand warm oder kalt ist, sie ist Schnittstelle zwischen Individuum und Umwelt, ein faszinierendes, großes Organ. Anhand von Narben, auch der Bauchnabel ist eine, und Falten erzählen sich Lebensgeschichten.

Der Tanzabend der jungen spanischen Choreografin und Co-Ballettdirektorin Inma López ist der Haut und all den Empfindungen gewidmet, die wir über sie wahrnehmen. Mit dem Cottbuser Ballettensemble spürt sie der Haut als Sinnbild unserer Seele nach.

Bearbeitung von Jürgen Wölffer

Philipp Klapproth langweilt sich. Auf seinem Landsitz bei Berlin scheint es ihm, als hätten alle mehr zu erleben und mehr zu erzählen als er. Seine Idee: Eine Nervenheilanstalt muss her!

Ein Tag bei echten „Irren“ verspricht eine Menge Geschichten für den Stammtisch auf dem Land. Er ködert seinen Neffen mit einer finanziellen Spritze, wenn er ihm so ein Etablissement ausfindig mache. Gelockt vom Versprechen des Geldes, erklärt dieser die stinknormale „Pension Schöller“ zur Irrenanstalt. Der Plan geht auf, der Onkel trifft dort auf die exzentrischen Gäste der Pension und die geben eine hervorragende Nervenheilanstalt ab. Da sind zum Beispiel der Wissenschaftler Bernhardy, der von Löwenjagden zu erzählen weiß, die Schriftstellerin Zillertal, die Geschichten sammelt, oder der Major a.D., der zum Duell fordert. Als die Figuren plötzlich bei Klapproth zu Hause erscheinen, ist das Chaos perfekt.

PENSION SCHÖLLER ist auch hundert Jahre nach seiner Entstehung noch ein Paradebeispiel für das Verschwimmen von Normalität und Irrsinn und zeigt mit Humor und grandiosem Tempo, wie fließend die Grenzen zwischen den Verrückten und den Vernünftigen sein können.

Regisseur Max Simonischek bringt die Komödie in seiner ersten Arbeit für das Staatstheater Cottbus auf die Große Bühne. Das vermeintlich harmlose Lustspiel wird zur Groteske, zum Tränen lachen und zum Ensembletheater voll großer Spiellust, mit Sinn für Humor und Rhythmus.

Nach den großen Erfolgen von 2019 und 2022 ist es wieder soweit: Max and Friends und das Philharmonische Orchester des Staatstheater Cottbus stehen wieder zusammen auf der Bühne des Großen Hauses, um das Publikum mit ganz neuen Songs und Arrangements zu begeistern.

Konzerte mit Sinfonieorchestern sind für Max and Friends kein Neuland. Ebenso wenig „Ausflüge“ in musikalische Stile, die dem Soul nah sind, wie Rhythm and Blues, Gospel, Pop und Disco. Die Moderation des Abends liegt in den Händen von Generalmusikdirektor Alexander Merzyn und Maximilian Kraft.

Auf der schwedischen Insel Öland machen Touristen eine grausige Entdeckung. In Borg Eketorp, hinter Steinen versteckt, liegt ein männlicher Leichnam – nackt, mit tiefen Schnitten im Gesicht. Die Kommissare Luna Bofink und Alban Larsson aus Kalmar übernehmen die Ermittlungen. Doch die Identifikation des Toten gestaltet sich schwierig. Innerhalb weniger Tage sterben vier weitere Menschen und den Ermittlern ist klar: Sie haben es mit einem Serienmörder zu tun.

Nach den großen Erfolgen von 2019 und 2022 ist es wieder soweit: Max and Friends und das Philharmonische Orchester des Staatstheater Cottbus stehen wieder zusammen auf der Bühne des Großen Hauses, um das Publikum mit ganz neuen Songs und Arrangements zu begeistern.

Konzerte mit Sinfonieorchestern sind für Max and Friends kein Neuland. Ebenso wenig „Ausflüge“ in musikalische Stile, die dem Soul nah sind, wie Rhythm and Blues, Gospel, Pop und Disco. Die Moderation des Abends liegt in den Händen von Generalmusikdirektor Alexander Merzyn und Maximilian Kraft.

„To buźo swěźeń za wšych!“

Um KRABAT ranken sich seit Jahrhunderten Mythen und Geschichten. Krabat ist ein bettelarmer Junge, der sich als Lehrling in der Schwarzen Mühle anstellen lässt. Dort erlernt er nicht nur das Müllerhandwerk, sondern auch die schwarze Magie. Mittels klaren Verstandes und der Kraft der Liebe schafft es Krabat, den Fängen des Müllermeisters – der einen Pakt mit dem Teufel hat – zu entkommen. In einigen Fassungen verbrennt hier die Mühle samt bösem Meister und Krabat verliert seine magischen Kräfte, in anderen Versionen geht die Krabat-Geschichte hier weiter. Er verhilft mittels Zauberei seinen Eltern zu Wohlstand oder bringt den Bauern bessere Erträge ein, zeigt ihnen, wie man die Lausitzer Sümpfe trockenlegt oder befreit den Kaiser aus der Kriegsgefangenschaft. Krabats Fähigkeit, sich in jedes beliebige Tier zu verwandeln, die Liebe zu Mutter oder Kantorka und die Kraft der Freundschaft spielen in allen Varianten eine große Rolle. Immer wird KRABAT zur Legende und der sorbische Mythos lebt seit drei Jahrhunderten fort.

Jeweils ab 18.30 Uhr Einlass & Gastronomie

Musik und Gesangstexte von Stephen Sondheim
Buch von Hugh Wheeler nach dem gleichnamigen Stück von Christopher Bond
Orchestrierung von Jonathan Tunick
Deutsche Fassung von Wilfried Steiner und Roman Hinze (2019)

„Okay, lasst sie uns das Gruseln lehren!“, rief Stephen Sondheim aus, als er sich mit SWEENEY TODD eine Schauergeschichte vornahm, die in England schon lange zuvor weit bekannt war. Er entwickelt die Geschichte, mit spannungsgeladener Handlung und Figuren, deren Überzeichnung zwischen Monstrosität, Skurrilität und Tragik changieren, in bester Horrorfilm-Manier. Unter dem Namen Sweeney Todd kehrt Benjamin Baker nach langer Zeit der Strafversetzung zurück in seine Heimatstadt London, wo er noch eine Rechnung mit dem korrupten Richter Turpin offen hat. Dieser hatte nicht nur für seine Verbannung gesorgt, sondern ihm auch seine Frau und seine Tochter entrissen.

Sweeney Todd eröffnet seinen alten Friseur-Salon wieder und tut sich mit der geschäftstüchtigen Pasteten-Bäckerin Mrs. Lovett zusammen, die für leibliches Wohl sorgt, während Sweeney seinen Racheplan in die Tat umsetzt. Immer rücksichtloser, immer fanatischer wird sein Treiben und schließlich droht dabei ein junger Bursche wortwörtlich zwischen die Räder zu kommen und ein junges Liebespaar um sein Glück.

Denkt man an die Begriffe „Wunder" und „Kind", fällt sein Name als erstes: Wolfgang Amadeus Mozart. Seine Künste vor gekrönten Häuptern zu demonstrieren, in Kutschen quer durch Europa zu reisen und vom Vater immer in die erste Reihe gedrängt zu werden – welches Kind macht das auf Dauer glücklich? Kann man an Mozarts Musik erkennen, in welcher Stimmung er war? Gemeinsam mit dem Philharmonischen Orchester begibt sich KiKA-Moderator Juri Tetzlaff auf eine Zeitreise zu Wolfgang Amadeus Mozart. Ein Konzert voller Abenteuer und natürlich mit vielen Mozart-Hits.

Moderation: Juri Tetzlaff
Dirigent: Christian Möbius
Es spielt das Philharmonische Orchester.

„To buźo swěźeń za wšych!“

Um KRABAT ranken sich seit Jahrhunderten Mythen und Geschichten. Krabat ist ein bettelarmer Junge, der sich als Lehrling in der Schwarzen Mühle anstellen lässt. Dort erlernt er nicht nur das Müllerhandwerk, sondern auch die schwarze Magie. Mittels klaren Verstandes und der Kraft der Liebe schafft es Krabat, den Fängen des Müllermeisters – der einen Pakt mit dem Teufel hat – zu entkommen. In einigen Fassungen verbrennt hier die Mühle samt bösem Meister und Krabat verliert seine magischen Kräfte, in anderen Versionen geht die Krabat-Geschichte hier weiter. Er verhilft mittels Zauberei seinen Eltern zu Wohlstand oder bringt den Bauern bessere Erträge ein, zeigt ihnen, wie man die Lausitzer Sümpfe trockenlegt oder befreit den Kaiser aus der Kriegsgefangenschaft. Krabats Fähigkeit, sich in jedes beliebige Tier zu verwandeln, die Liebe zu Mutter oder Kantorka und die Kraft der Freundschaft spielen in allen Varianten eine große Rolle. Immer wird KRABAT zur Legende und der sorbische Mythos lebt seit drei Jahrhunderten fort.

Jeweils ab 18.30 Uhr Einlass & Gastronomie

HINWEIS: Die Veranstaltung ist nicht barrierefrei.

Hinter den Kulissen des Staatstheaters wird ALLES lebendig. Der Text von Alistair McDowall ist in der Deutschsprachigen Erstaufführung in Cottbus die Grundlage, um Backstage im Großen Haus das Leben einer Frau buchstäblich zu durchschreiten.

Mit ALLES schreibt Alistair McDowall einen Monolog, der den Weg einer Protagonistin von der Wiege bis zur Bahre im Schnelldurchlauf erzählt. Unmittelbar und pur stellt er die innere Sprache einer Frau in den Mittelpunkt: Die ersten Babylaute, bis sich aus Gebrabbel Sätze bilden und aus krabbeln Gehversuche werden, die schrittweise Entdeckung der Welt, das Staunen, Lernen und Begreifen. Es folgt die Pubertät, die erste Liebe, der erste Sex, dann das Studium, der Berufseinstieg und das tägliche Pendeln ins Büro bis zur Rente. Es wird geheiratet und ein Kind geboren, geschieden und verabschiedet – zwischen alldem Bücher, Filme und Songs, Urlaube und Alltagstrott, Karrierepläne und Enttäuschungen, Hoffnungen und Krankheiten. Und schließlich: Das allmähliche Verschwinden. Und am Schluss ist da dasselbe Rauschen wie am Anfang, nun nicht mehr verheißungsvoll, dafür reicher an Erfahrung.

Durch das Große Haus spazierend, sich kämpfend, wandernd, entdeckend, wird die Lebensgeschichte einer Frau lebendig, die von vier Schauspielerinnen verkörpert wird. Hierin steckt „Alles“, was das Leben ausmachen kann. Die Geschichte bleibt dabei subjektiv und verweist dennoch über sich hinaus auf die Allgemeingültigkeiten, die das Leben ausmachen. Von der Geburt bis zum Tod, von der Kantine bis zur großen Bühne – das Theater macht, mit den Mitteln des Theaters und an allen Orten des Theaters, die Stationen und Bögen eines Lebens erfahrbar.

Eines Tages erscheint Alice ein sprechendes Kaninchen, dem sie in eine kuriose Welt folgt. Hier gelten andere Regeln als Alice sie von zu Hause gewohnt war und so entspinnt sich eine abenteuerliche Reise mit Begegnungen verrückter Gestalten wie der Grinsekatze, dem Hutmacher oder der Herzkönigin. Alice wechselt fortan Größe und Sprache, vergisst alles, was sie je wusste, und lernt Dinge, die sie nie kannte. Scheint das Wunderland auch zauberhaft verwunschen, ist zugleich das Albtraumhafte ihr ständiger Begleiter. Nur mit der Kraft ihrer Phantasie und kindlicher Unerschrockenheit kann sie dort bestehen.

Mit „Alice im Wunderland“ und „Alice hinter den Spiegeln“ etablierte Lewis Carroll Mitte des 19. Jahrhunderts das traumhafte Schreiben, den literarischen Nonsens als adäquate Antwort auf eine sich mechanisierende Welt. Mit Hilfe der phantasievollen Verdrehung der herrschenden Logik stellt er diese nicht bloß aus, sondern befreit sich gleichermaßen von ihr. Und so hat es Alice nicht nur zur Heldin des Wunderlands, sondern ebenso zur generationsübergreifenden Pop-Ikone geschafft.

Hausregisseur Philipp Rosendahl kreiert mit einem künstlerischen Team, welches zum ersten Mal in dieser sprudelnden Kombination seine in Cottbus erprobte wie geschätzte Kreativität bündelt, eine neue musikalische Erzählung um Ikone ALICE, die eine – wenn auch verrückte – Pause von der Normalität herzustellen vermag.

„To buźo swěźeń za wšych!“

Um KRABAT ranken sich seit Jahrhunderten Mythen und Geschichten. Krabat ist ein bettelarmer Junge, der sich als Lehrling in der Schwarzen Mühle anstellen lässt. Dort erlernt er nicht nur das Müllerhandwerk, sondern auch die schwarze Magie. Mittels klaren Verstandes und der Kraft der Liebe schafft es Krabat, den Fängen des Müllermeisters – der einen Pakt mit dem Teufel hat – zu entkommen. In einigen Fassungen verbrennt hier die Mühle samt bösem Meister und Krabat verliert seine magischen Kräfte, in anderen Versionen geht die Krabat-Geschichte hier weiter. Er verhilft mittels Zauberei seinen Eltern zu Wohlstand oder bringt den Bauern bessere Erträge ein, zeigt ihnen, wie man die Lausitzer Sümpfe trockenlegt oder befreit den Kaiser aus der Kriegsgefangenschaft. Krabats Fähigkeit, sich in jedes beliebige Tier zu verwandeln, die Liebe zu Mutter oder Kantorka und die Kraft der Freundschaft spielen in allen Varianten eine große Rolle. Immer wird KRABAT zur Legende und der sorbische Mythos lebt seit drei Jahrhunderten fort.

Jeweils ab 18.30 Uhr Einlass & Gastronomie